郜宗远山水新作明信片 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:荣宝斋出版社

作者:郜宗远

出品人:

页数:10

译者:

出版时间:2007-02

价格:10.00

装帧:平装

isbn号码:9788500325823

丛书系列:

图书标签:

• 明信片
• 山水
• 绘画
• 艺术
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• 文创

翰墨丹青，气象万千：近代山水画的时代回响 本书以宏大的叙事视角和精微的笔触，深入剖析了二十世纪以来中国山水画在继承传统与开拓创新中所经历的深刻变革，聚焦于几位关键艺术家的创作历程、思想内核及其作品的时代意义。 本书并非对单一画家的作品集结，而是通过梳理不同地域、不同流派的艺术实践，构建起一幅近百年中国山水画精神图谱。它旨在探讨在社会剧烈转型期，传统山水画如何应对现代性挑战，如何承载民族记忆与个体情怀，并最终以全新的面貌融入当代语境。 第一部分：传统的坚守与现代的叩问（约1920s-1940s） 本章首先追溯了清末民初之际山水画坛的格局。在“师古”与“出新”的两难抉择中，画家们面临着对传统笔墨语言的重新审视。我们详细考察了以“金陵画派”为代表的地域性探索，他们如何在继承董源、巨然、石涛等前贤的基础上，融入对江南山水的真切观察与时代情绪。书中重点分析了几位奠基性人物，如在继承“四王”精微勾勒技法的同时，如何尝试在构图上打破陈规，使画面更具现代张力。 尤为引人注目的是对“笔墨当随时代”这一命题的早期回应。面对西方透视学和写实主义的冲击，一些先驱者开始思考如何通过线条和皴法的变化来表现现代社会的面貌，尽管这种尝试往往是谨慎而渐进的。我们将探讨他们如何通过对传统“造境”理论的再诠释，试图在“胸中山水”与“眼前之景”之间寻找到新的平衡点。大量的图版分析将展现这一时期作品中，那种既沉郁厚重又蕴含新生力量的独特气质。 第二部分：熔铸与重塑：建国初期的艺术转向（约1950s-1970s） 新中国成立后，艺术被赋予了强烈的社会功能性。山水画作为民族文化的代表，其发展轨迹也随之发生了根本性的转变。本章将深入剖析“社会主义现实主义”思潮对山水画创作的影响。这并非简单的题材替换，而是一场关于“主体性”的深刻讨论：山水画中的“人”在哪里？“人民的江山”应如何被描绘？ 本书细致考察了数个重要的“山水画写生运动”。画家们被组织深入工厂、矿区、新开发的建设工地，他们的画笔从文人雅士的“高远平远”中抽离出来，转向对劳动人民和祖国壮丽河山的歌颂。这一时期的创作呈现出两个鲜明特点：一是色彩的介入与强化，传统水墨的单色调受到新的、更饱满色彩的挑战与融合；二是体量感的增强，为了表现社会主义建设的宏大叙事，山石树木的体积感和气势被刻意加强，笔墨技法也因此向更具概括力和冲击力的方向发展。我们不仅关注那些被主流推崇的作品，也对那些在时代洪流中坚守文人精神的画家进行了客观评述，分析他们如何在既定的框架内进行“隐性的”艺术表达。 第三部分：观念的解放与笔墨的回归（约1980s至今） 改革开放是山水画发展史上又一个重要的转折点。随着全球化视野的开启和文化批判意识的觉醒，山水画开始进入一个“自我反思”与“多元探索”的阶段。本章将重点探讨“八五新潮”对传统艺术观念的冲击，以及山水画如何借由这些观念的冲击，重新确立其自身的价值。 “笔墨语言的本体性研究” 成为这一时期重要的学术议题。许多画家开始不再将山水画视为单纯的风景描绘或政治宣传的载体，而是将其回归到线条、墨色、空间组织等纯粹的艺术语言层面进行深层探索。例如，对传统“散点透视”的解构与重组，出现了大量打破常规、充满实验性的作品。有些画家迷恋于墨色的丰富变化，追求“墨分五色”的极致表现，将水墨的湿润性与渗透性发挥到淋漓尽致；另一些则转向对线条的抽象提炼，使得山水元素趋于符号化甚至几何化。 本书还将专门开辟章节，讨论山水画在当代语境下的“空间焦虑”。面对摄影和数字媒介对客观再现的超越，当代山水画家如何处理“虚”与“实”、“自然”与“心灵”的关系？书中分析了那些致力于在作品中融入现代都市景观或后工业废墟元素的尝试，探讨传统山水画符号（如云雾、瀑布、松树）如何被挪用和解构，以表达现代人的疏离感、时间流逝感和对生态环境的关切。 第四部分：地域流派的生态与个案透视 为了避免宏观叙事的扁平化，本书的后半部分将聚焦于若干地域性山水画群体或具有鲜明个人风格的代表人物。我们将观察岭南画派在色彩和笔法的“融汇中西”的路径选择；研究长安画派那种雄浑、博大、充满西北高原气息的独特审美取向；以及巴蜀画派如何在地域文化和传统文化之间寻找坚实的立足点。 通过对这些具体案例的深度剖析，读者可以清晰地看到，中国山水画并非铁板一块的整体，而是一个充满生命力的、由无数艺术个体和地域精神共同构筑的动态场域。每一个成功的转型，背后都是艺术家对自身文化身份的深刻思考与不懈实践。 结语：传统的未来式 本书的收尾部分将对近百年山水画的成就进行总结，并展望其未来的发展方向。山水画已经证明了其强大的生命力——它不仅没有在现代化的浪潮中消亡，反而通过不断的自我更新，成为了当代中国艺术中最具解释力和文化深度的领域之一。它不再仅仅是“画山水”，而是成为了中国人观察世界、安顿心灵的独特方式。本书力求提供一个立体、深刻、富有洞察力的解读框架，帮助读者跨越历史的藩篱，真正领略这门古老艺术在当代所焕发出的勃勃生机与不朽魅力。

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这套作品的装帧设计，虽然我们主要关注的是内容，但不得不提其配套的实用性与美观性的完美结合。明信片本身的尺寸把握得十分经典，既能完整展现画面的气势，又方便装入标准的收藏册。更让我称赞的是，背面留白的区域，墨色似乎都没有渗透到纸背，这说明纸张的选取和工艺处理是经过深思熟虑的，保证了书写和邮寄时的舒适体验。从艺术史的角度来看，能将高雅的水墨艺术如此普及化、生活化，本身就是一种了不起的文化传承尝试。它打破了艺术的“殿堂感”，让普通人也能近距离、反复地去品读这些精妙的构图和绝妙的笔触，这对于提升大众的审美趣味，无疑起到了积极的推动作用。

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我对这套明信片的感受，更偏向于一种对传统文人情怀的再现。它没有那种为了追求视觉冲击力而过度渲染的世俗之气，而是内敛而深沉。仔细观察那些点苔的笔法，寥寥数笔，却能勾勒出岩石的苍劲和植被的顽强，体现了画家深厚的传统功底。每一处的皴法运用都恰到好处，或斧劈，或披麻，不同的肌理对应着不同的山体性格，这恰恰是检验一位山水画家水准的关键所在。我更欣赏的是，它没有拘泥于某一家某一派的窠臼，而是在继承中有所创新，能看到古人的影子，却又明显带有属于这个时代的敏锐观察和个人情感投射。将它作为日常的“心灵茶歇”，是再合适不过的选择，它提供了一种慢下来的理由，让我在快节奏的生活中得以喘息和回望。

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这套明信片集，拿到手的时候，那种纸张的质感就让人眼前一亮。不是那种光面过度、廉价泛光的感觉，而是一种略带粗粝、温润的哑光纸，仿佛触摸到了山石的肌理。每一张的印刷色彩都处理得极其到位，那种墨韵的层次感，从浓黑到淡墨的晕染过渡，简直就像直接从宣纸上拓印下来的一样。我尤其欣赏它对光影的处理，透过薄薄的云雾，远山依稀可见，近处的树木有着清晰的笔触，这种虚实相生的手法，让画面充满了呼吸感。摆在书桌上，不时拿起一张端详，总能从中品味出画家胸中的那份宁静与洒脱。这套作品，比起单纯的装饰画，更像是一次次深入山林、与古人对饮的无声邀请，让人心绪跟着那蜿蜒的河流一同流淌，洗去都市的尘嚣。它捕捉到的，不仅仅是自然景观，更是中国山水画中那种“可行、可望、可游、可居”的理想意境。

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如果用一个词来概括我对这套明信片系列的总体感受，那便是“意境悠远”。它成功地在二维平面上构建了一个可以让人精神栖居的三维空间。画中常常出现的小亭、独钓的人影、或是蜿蜒盘旋的小径，都是引导观者进入画中世界的入口。这些人工的元素，非但没有破坏自然之美，反而成为了烘托自然宏大、使人产生“天人合一”感叹的绝佳道具。观看时，我仿佛能听到山涧的潺潺水声，闻到松针被阳光烘烤后的清香。它不是那种一眼即逝的流行风尚，而是一种需要时间去沉淀、去体会的艺术品。每一次重拾，都会有新的发现，仿佛这山水间蕴含的哲思和情感是取之不尽、用之不竭的宝藏。

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初看这组影像作品，最先冲击到我的是那股扑面而来的“气韵生动”。我一直觉得，好的山水画，画的不是山，而是“生命”。这套明信片，每一张都传递着一种蓬勃的生命力，即便是描绘了雪后初霁的萧瑟景象，那冰雪下也蕴藏着春天的希望。观者可以明显感觉到创作者在构图上所下的苦功，那些错落有致的留白，绝非随意为之，而是精心设计的“虚”与“实”的辩证关系。留白之处，是无尽的想象空间，是山风拂过松涛的声响，是云雾聚散的瞬间。这种极简中蕴含的丰富性，是很多当代画作难以企及的。我试着将其中几张放在客厅的展示柜里，朋友来访时，无一例外地都被吸引过去，有人甚至问我是在哪里淘到的这批古朴的拓片，可见其艺术感染力之强。

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荣宝斋的片子

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