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出版者:湖南人民

作者:刘永健，蒋烨著

出品人:

页数:112

译者:

出版时间:2007-9

价格:58.00元

装帧:

isbn号码:9787543843608

丛书系列:

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《穿越时空的建筑奇观：从古至今的结构艺术与创新》 书籍简介 本书旨在带领读者进行一场跨越数千年历史长河的建筑之旅，深入剖析世界各地标志性建筑的诞生背景、技术革新、美学追求及其背后的文化意义。我们不专注于艺术流派的抽象探讨，而是着重于建筑实践——那些看得见、摸得着的宏伟结构如何塑造了人类文明的面貌。 第一部分：起源与奠基——早期文明的工程壮举 本部分将追溯人类对“遮风避雨”需求的最初回应，从新石器时代的巨石阵到美索不达米亚的空中花园假说。重点分析早期材料（如泥砖、原木和石材）的局限性与突破口。 尼罗河畔的永恒之谜：古埃及金字塔的建造学。 我们将详细拆解吉萨金字塔群的建造过程，探讨古埃及人如何利用简单的工具实现惊人的精度。重点关注坡道系统的设计、石块的运输和精确的对位技术。这不是对法老王权力的歌颂，而是对早期土木工程智慧的致敬。分析者将深入研究石材的采掘地点、运输路线以及不同等级工匠的组织结构。我们还会探讨狮身人面像的修复历史及其对基础稳定性的影响。 两河流域的垂直探索：神庙与城墙的结构逻辑。 聚焦于苏美尔和巴比伦文明，研究其泥砖建筑的特性——易于塑形但耐久性差，以及由此催生的层叠式结构需求。介绍“之”字形阶梯金字形神塔（Ziggurat）的宗教象征意义与其实际的结构支撑原理，分析其如何解决泥砖在高层建筑中的承重问题。 爱琴海的恢宏与衰落：米诺斯与迈锡尼的宫殿体系。 考察克里特岛的克诺索斯宫殿群和希腊大陆的迈锡尼城邦，分析其独特的“柱式”结构初探，以及在防御性城墙建设中体现出的巨石堆砌技术（如独眼巨人的城墙）。 第二部分：古典的秩序与力量——希腊与罗马的结构革命 本部分探讨古希腊对比例、和谐的追求，以及罗马人将工程技术推向空前高度的实践。这是结构理性主义的萌芽期。 希腊的柱式美学与力学平衡。 详细阐述多立克、爱奥尼亚和科林斯三种柱式的比例关系和受力特点。以帕特农神庙为例，分析其“视错觉矫正”技术，如柱身的微曲（Entasis）和底座的轻微凸起，这些都是结构工程师在追求视觉完美时所做的精妙调整。 罗马的工程霸权：拱、券与混凝土的胜利。 罗马建筑最核心的贡献在于对拱券结构的系统性运用。本书将深入解析罗马混凝土（Opus caementicium）的配方奥秘，这种材料的自养活性如何让其在两千年后依然保持强度。分析高架引水渠的坡度计算、万神庙穹顶的开洞设计（Oculus）及其受力解析，以及公共浴场和圆形竞技场如何通过复杂的拱券系统实现大规模人群的快速疏散与承重。 第三部分：中世纪的向上精神——哥特式教堂的骨骼系统 本部分聚焦于中世纪晚期欧洲，探讨建筑如何从厚重的防御性转向轻盈的向上延伸，这完全依赖于结构创新。 飞扶壁的力学突破。 哥特式教堂的核心在于其“骨骼结构”。详细解析尖拱、肋拱和飞扶壁（Flying Buttress）是如何协同作用，将墙体转化为承重框架。通过对巴黎圣母院和沙特尔大教堂的剖析，展示如何通过精确计算，将侧向推力有效地导向地面。 光线与玻璃的融合。 随着结构承重负担的减轻，墙体被解放出来，这使得彩色玻璃花窗得以大规模应用。分析这些巨幅玻璃如何影响建筑内部的光照效果，以及它们本身的重量和风荷载如何反作用于整个骨架系统。 第四部分：文艺复兴的回归与工业的冲击——材料与效率的角力 文艺复兴时期，建筑师们重新审视古典比例，但随后的工业革命彻底改变了建筑的可能性。 文艺复兴的理性回归与中轴对称。 探讨布鲁内莱斯基在佛罗伦萨圣母百花大教堂穹顶的无脚手架建造技术，以及他对古典模数化的重新理解。分析文艺复兴建筑如何将结构逻辑融入人文主义的审美框架中。 铁、钢与玻璃的登场。 工业革命带来了革命性的新材料：铸铁、熟铁和后来的钢材。本章重点分析水晶宫和早期摩天大楼（如芝加哥学派）的结构演变。讲解钢框架结构如何使建筑高度摆脱了传统砖石结构的限制，以及玻璃幕墙技术的兴起对建筑外立面处理的影响。 第五部分：现代主义的解构与当代的新探索 本部分关注二十世纪至今，建筑师如何利用新材料、计算机辅助设计（CAD）和结构工程的深度融合，探索新的建筑形态。 功能至上与形式的解放。 分析密斯·凡德罗的“少即是多”背后的结构哲学，以及勒·柯布西耶的“新建筑五点”中对结构柱网的依赖。探讨框架结构如何创造出开放的平面布局。 新材料与结构创新的前沿。 深入探讨张拉整体结构（如现代体育场馆的屋顶）、网壳结构的应用及其在跨度和轻量化方面的优势。分析高性能混凝土和复合材料在复杂曲面结构中的应用，以及参数化设计如何影响当代地标建筑的最终形态。 结论：结构，永恒的对话 本书总结了建筑技术从依赖经验到依赖计算的演变历程，强调了材料科学、力学原理与人文需求之间持续不断的对话。每一个伟大的建筑，都是在特定历史条件下，对现有技术极限的一次勇敢挑战。本书旨在培养读者对建筑“骨架”的敬畏之心，理解每一道梁、每一根柱背后所蕴含的工程智慧和文化印记。

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关于艺术史部分的梳理，该书展现出一种非常独特的、非线性的时间观。它没有按照传统的“文艺复兴—巴洛克—印象派”的线性路径推进，而是巧妙地通过“媒介的革命”作为主要脉络来组织内容。例如，它将早期照相制版技术的发展与19世纪末期对瞬间的捕捉联系起来，随后又无缝对接至20世纪早期电影艺术的崛起，形成了一种跨越百年的技术关联图谱。这种叙事结构要求读者具备一定的知识背景才能完全领会其精妙之处，因为它不断地在不同时代、不同地域的艺术实践中进行穿梭和对比，揭示出那些隐藏在表象之下的技术共性与哲学共通性。这种宏大叙事下对细节的精准把握，体现了作者深厚的跨学科知识储备。对于那些对艺术史脉络已经有所了解的读者来说，这本书提供的视角是新鲜且极具启发性的，它鼓励我们跳出既有的分类框架，去重新审视艺术史的内在逻辑与驱动力，发掘那些被主流叙事遗漏的“技术转折点”。

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这本书的叙事风格极其个人化，几乎能感受到作者在创作过程中的那种自由不羁和对既定范式的挑战精神。它不像教科书那样循规蹈矩，而是更像一本随笔集，充满了哲学思辨的碎片和突然的灵光乍现。我尤其喜欢其中穿插的那些看似随意的、手绘的草图和笔记，它们仿佛是作者在工作室里思维跳跃的瞬间被捕捉下来，带着即兴创作的活力。例如，在描述光影捕捉技巧时，作者并未提供标准的几何图解，而是用一种近乎诗歌的语言去描绘光线如何“穿过空气的薄纱，在物体表面舞蹈”，这种充满感性的表达方式，极大地激发了我的想象力，让我跳出了传统训练的束缚。读起来，仿佛不是在学习技术，而是在与一位经验丰富的前辈进行深夜的咖啡馆对谈，他分享的不仅仅是技法，更是他对世界运行规律的独特理解和个人化的情感投射。这种强烈的“在场感”和亲切感，是很多学院派著作所欠缺的宝贵特质。

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我花了大量时间沉浸于书中关于“材料学与结构稳定性的探讨”这一章节，作者对于不同媒介在时间维度上的化学反应进行了细致入微的剖析，特别是针对油画颜料中的氧化过程以及水性介质的酸碱度变化对画布寿命的影响，提供了大量翔实的数据和对比实验结果。书中大量引用了国际权威期刊的最新研究成果，并在文后附上了详尽的参考文献列表，这种严谨的治学态度令人印象深刻。我特别欣赏作者在阐述复杂理论时所采用的类比手法，比如将颜料分子的聚合过程比作建筑材料的晶格结构，使得原本晦涩难懂的化学原理变得生动易懂。其中对于“可逆性”艺术实践的讨论，更是提出了许多发人深省的观点，挑战了传统艺术品的永恒性假设，引导读者思考艺术保存的伦理边界。总而言之，其深度和广度都远超一般入门读物，更像是一本面向专业人士的进阶参考手册，每一页都充满了扎实的学术支撑和前沿的实验数据，绝非泛泛而谈之作。

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这本书的装帧设计相当精美，封面采用了一种略带粗糙感的环保纸张，触感十分扎实，色彩搭配上选择了低饱和度的灰蓝色调，给人一种沉静而富有深度的视觉感受。内页的纸张质量也无可挑剔，光滑细腻，即使用钢笔书写，墨水也不会洇开。尤其是版式设计，留白恰到好处，字体选择上既有现代感又不失易读性，让人在翻阅时感到非常舒适。装订工艺也看得出是下了一番功夫的，书脊的锁线装订确保了即便是经常翻阅，书页也不会轻易松脱。这种对物理载体的重视，无疑为阅读体验增添了仪式感，让这本书不仅仅是一本知识的载体，更像是一件值得收藏的艺术品。可以想象，设计者在每一个细节上都倾注了心血，力求在视觉和触觉上都达到一种平衡与和谐，这对于一本严肃的学术性或实践性用书来说，是非常难得的。那种拿到手中便不想放下的质感，着实让人心情愉悦，也预示着内在内容的质量或许同样值得期待。

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这本书在工具与应用层面的讲解非常注重“动手实践性”和“工具哲学”的结合。作者花了整整一个章节来讨论数字绘图板的压感层级对线条控制力的影响，这不仅是技术参数的罗列，更是深入探讨了人机交互界面如何重塑艺术家的身体感受和创作习惯。书中详细对比了不同品牌设备在延迟、倾角识别以及笔刷模拟上的细微差别，并配有大量对比截图和波形图，这些实证材料对于需要做出购买决策或进行设备调试的实践者来说，具有极高的参考价值。更值得称赞的是，作者并未将工具视为冰冷的机器，而是将其视为艺术家延伸的“感官器官”。例如，书中提到如何通过调整输入设备的驱动程序，来“训练”设备以适应自己独特的握笔力度和节奏，从而达成一种近乎完美的“心手合一”状态。这种将硬件操作提升到哲学思辨高度的做法，让原本枯燥的设备说明书变成了提升个人实践效率的“修炼指南”，对于追求极致效率和个性化工作流程的现代创作者而言，无疑是提供了宝贵的实战经验和深刻的反思角度。

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