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出版者:云南大学出版社

作者:李昆声

出品人:

页数:125 页

译者:

出版时间:1999年01月

价格:199.0

装帧:精装

isbn号码:9787810680363

丛书系列:

图书标签:

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瑰宝荟萃：中国古代工艺美术史论纲 导言 中华文明绵延五千年，其光辉成就中，古代工艺美术无疑是浓墨重彩的一笔。它不仅是物质生产力的体现，更是社会制度、哲学思想、宗教信仰、审美情趣的综合载体。本书旨在对中国古代工艺美术的发展脉络进行一次系统而深入的梳理与探讨，重点关注其在不同历史时期的演变轨迹、技术革新以及风格特征，力求呈现一部全面、深刻的学术专著。 本书立足于宏大的历史视野，将工艺美术置于整个古代社会文化结构中进行考察，避免单纯的技术描述或文物罗列，强调艺术性与社会性的统一。我们精选了最具代表性的几大门类进行深度剖析，以期展现中国古代工匠们惊人的创造力和精湛的技艺。 --- 第一章：史前曙光与二里头辉煌——工具与图腾的初始形态 本章追溯中国工艺美术的源头，从新石器时代的陶器艺术入手，分析彩陶图案中蕴含的原始信仰与社会组织形式。重点剖析仰韶文化、马家窑文化等区域性陶器风格的差异性，及其所反映的早期地域文化特征。 随后，我们将目光投向中国第一个王朝雏形——夏代及其后期的二里头文化。二里头遗址出土的青铜礼器和绿松石镶嵌工艺，标志着中国古代工艺美术进入了一个质的飞跃。本章详细辨析了二里头青铜冶铸技术的初步成熟，以及玉器制作中“刚柔并济”的切割与打磨技术，探讨这些早期“国家意志”的物化形式如何服务于早期王权的建立与巩固。 --- 第二章：商周的礼制神威——青铜的时代与玉的规范 商周时期，是中国古代工艺美术发展的第一个高峰期，尤以青铜器为核心代表。本章将结构化地解析商周青铜器的演变序列，从早期的饕餮纹、夔龙纹的神秘庄严，到西周晚期铭文的增多与纹饰的简化，揭示礼器制度对青铜艺术的决定性影响。 技术深度解析： 详细阐述范铸法的精妙流程，包括泥范的制作、分铸技术的运用，以及鎏金、错金等复合装饰工艺的出现，指出这些技术如何服务于礼制的严格要求。 玉器与权力： 深入考察商代玉礼器（如琮、璧、戈）的象征意义，以及西周“礼乐文明”下，玉器在区分等级、规范行为中的核心作用。本章将对比宫廷用玉与民间用玉的工艺差异，探讨“君子比德于玉”的文化内涵。 --- 第三章：春秋战国的变奏——僭越、创新与百家争鸣下的工艺解放 春秋战国时期，社会结构剧烈变动，使得工艺美术摆脱了僵硬的礼制束缚，呈现出空前的活力与多元性。本章聚焦于这一“僭越”的时代所带来的艺术解放。 金工的革命： 重点探讨失蜡法（精密铸造技术）在战国时期的广泛应用，这使得繁复的透雕、镂空以及动物形态的生动表现成为可能。辨析嵌红铜、银片、金箔等多种镶嵌工艺如何打破了青铜器原有的厚重感。 漆艺的成熟： 战国漆器的发展是本章的另一重点。分析楚国、吴越地区漆器在胎体、髹漆层数、以及朱黑彩绘上的地域特色，探讨“蟠螭纹”、“云纹”等主题图案在这一时期的象征意义与艺术风格的转变。 冶铁与生活化： 铁器的普及对工艺美术的渗透，使得工具更加高效，生活用品的制作也更加精细化，为后世的工艺创新奠定了物质基础。 --- 第四章：秦汉的帝国气象——雄浑、实用与技术集成 秦汉帝国统一，带来了对工艺美术的标准化、大规模生产需求，以及对恢弘气势的追求。本章分析了秦汉工艺如何体现“大一统”的帝国气象。 画像砖与帛画： 作为重要的视觉史料，本章细致分析了汉代画像砖和丝织品上所见的服饰、车马、宴饮场景，探讨其写实主义的风格倾向与民间生活的记录价值。 陶俑的群像塑造： 以兵马俑为代表，分析秦代陶塑工艺在写实、群体协同、以及烧制技术上的突破。汉代陶塑则更侧重于日常生活场景的模拟与神仙世界的描绘。 纺织与丝绸之路： 探讨汉代提花技术的进步，以及蜀锦、吴绫等丝织品的生产规模和对外贸易的影响，丝绸作为“名片”的技术工艺解析。 --- 第五章：魏晋南北朝的融合与转型——佛光下的工艺变迁 这是一个民族大迁徙与文化大交融的时代，佛教艺术的传入对本土工艺美术产生了颠覆性的影响。本章聚焦于这种转型期的艺术特征。 佛教造像的本土化： 详细梳理犍陀罗艺术、笈多艺术对中国早期石窟造像的影响路径。重点分析北魏云冈、龙门石窟造像在面容、衣纹处理上如何从中亚风格向汉化、本土化风格过渡的内在逻辑。 金银器与样式学： 探讨胡风（游牧民族风格）对中原金银器（如盘、壶）造型和纹饰的影响，例如火焰宝珠纹、联珠纹的流行，标志着工艺审美进入了一个更为自由和多元的阶段。 陶瓷的初步萌芽： 观察青瓷、白瓷在这一时期的技术进步，特别是越窑青瓷的釉色探索，为隋唐成熟的陶瓷技术打下了基础。 --- 第六章：隋唐的盛世气象——雍容华贵与万国来朝的工艺融合 隋唐是古代中国综合国力最强的时期，其工艺美术展现出前所未有的自信、开放与极度的繁荣。本章集中探讨唐代工艺“雍容华贵”的风格特点。 陶瓷巅峰： 深入研究唐三彩的烧制技术、色彩搭配（黄、绿、白为主）及其在世俗生活中（如墓葬明器）的广泛应用。同时，论述南方的越窑（青瓷）与北方的邢窑（白瓷）如何确立了中国陶瓷双壁的雏形。 金银器的“新风尚”： 盛唐金银器吸收了西亚、波斯艺术的影响，造型更为圆润，纹饰繁复而华丽，出现了大量的胡人、宝相花主题，反映了长安的国际化氛围。 乐舞与实用工艺的结合： 乐器、梳篦、首饰等日用工艺品如何体现唐代贵族阶层的审美趣味，以及织锦工艺在“丝绸之路”上的技术传播与影响。 --- 结语：传承与再生 本书的最后一章将对唐代之后宋、元、明、清的工艺美术进行简要的总结与展望，重点指出宋代追求的“内敛雅致”与唐代的“外放华丽”之间的对比，以及明清时期工艺技术在继承基础上的极致化发展（如官窑的制度化与民窑的创新力）。最终，本书试图引导读者认识到，中国古代工艺美术是一个持续创新、不断与时代精神对话的有机整体，其技术的高度与艺术的深度，至今仍是全球工艺领域研究的宝贵财富。

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这本书的学术价值和收藏价值几乎是同步提升的。我注意到它在参考文献和出处标注上极其细致，每一件文物的年代鉴定、出土地点，甚至历次修复的记录都详实可靠。对于任何一个想深入研究西南边陲古代文明的学者而言，这套书几乎可以作为一本基础工具书来使用，因为它汇集了许多分散在不同考古报告中的精华信息。更难得的是，它在保持严谨性的同时，并没有将内容写得晦涩难懂，排版逻辑的清晰流畅，使得非专业人士也能循序渐进地进入这个复杂的领域。它提供了一种非常健康的阅读路径：既满足了视觉上的愉悦，又提供了可供深入探究的理论基石，真正做到了雅俗共赏，是那种可以放在书架上，随时取阅并总能发现新细节的宝典。

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我花了整整一个下午的时间，才勉强翻阅完第一册的前三分之一，主要原因在于，它提供的解读文字太过精妙，根本无法快进阅读。这些文字的作者显然不是普通的文物介绍员，他们对那个时代社会结构、宗教信仰、乃至工匠技艺的掌握达到了近乎痴迷的程度。比如说，他们分析某件玉器上的蟠螭纹饰时，会细致到可以分辨出是哪个时期、哪个部族群体的审美取向，甚至能推测出当时玉石打磨工具的材料和工艺限制是如何影响最终形态的。这种深度的挖掘，让那些原本只是冰冷的历史遗物，一下子鲜活了起来，仿佛能听见千年以前的炉火声和雕刻声。我尤其欣赏它在引用古代文献时的严谨性，并非简单罗列，而是将史料与实物进行交叉印证，构建起一个多维度的理解框架，读起来酣畅淋漓，知识密度高到需要反复回味。

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这本书的装帧设计真是令人眼前一亮，封面那种略带粗粝感的纸张，配上烫金的纹理，立刻就能感受到一股沉淀下来的历史厚重感。我是在一家独立书店偶然翻到的，光是它的分量和拿在手里的质感，就让我对里面的内容充满了期待。内页的印刷质量也绝对是顶级的，色彩还原得极其精准，特别是那些描绘壁画和青铜器纹饰的局部特写，细节纤毫毕现，几乎能让人触摸到那些古老器物表面的温度和年代留下的痕迹。装帧的用心程度，显然是超越了一般图册的范畴，更像是一件值得收藏的艺术品本身。我特别留意了它对于版式的处理，大量的留白非但没有显得空洞，反而像是一种呼吸的空间，让每一幅图和每一个文字块都有了足够的展示舞台，引导着读者的视线自然地流动，而不是被信息流强行拖拽。这套书的装帧工艺，无疑是对“珍品”二字最好的致敬，体现了出版方对文化载体的尊重。

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从地域文化传播的角度来看，这套书完成了一项非常重要的使命。云南的古代艺术，往往被主流的历史叙事所边缘化，这本书以一种极其宏大且充满敬意的视角，将这些璀璨的文明碎片重新拼接到了一起。它没有采取那种居高临下的“介绍”姿态，而是以一种平视甚至仰视的角度去赞美那些失落的辉煌。特别是它对少数民族图腾和宇宙观的解读部分，那种对本土智慧的深刻理解和尊重，让人读后心潮澎湃。这不仅仅是一本艺术图录，它更像是一部立体的文化史诗，让你能感受到横断山脉、澜沧江畔孕育出的那种独一无二的生命力和创造力。阅读完毕后，我立刻萌生了去实地考察的冲动，这本书成功地充当了那座连接今人和古人、连接书本与实物的精神桥梁。

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这次的阅读体验，最让我感到惊喜的是它在展示材料多样性上所下的功夫。我们通常接触的古代艺术品，总是聚焦于金银玉石，但这本书的广度令人咋舌。它囊括了大量关于云南少数民族的竹编、漆器，甚至还有一些已经失传的植物染色工艺的记录和复原图。这些内容极大地拓宽了我对“古代艺术”的认知边界。漆器的光泽，竹编的韧性，通过高清摄影技术被捕捉得极为真实，即便隔着纸张，也能感受到那种温润或坚实的触感。它不仅仅是记录，更像是一种知识的转移，让我对这些非主流但同样伟大的手工艺传统产生了极大的敬意。出版团队显然投入了巨大的精力去挖掘和整理这些“活态遗产”，确保了记录的完整性，而不是满足于展示那些最容易被市场化的“硬通货”。

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