山水画谱 树谱点叶树法与夹叶树法(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:29.0

装帧:

isbn号码:9787880070859

丛书系列:

图书标签:

• 山水画
• 树谱
• 点叶树法
• 夹叶树法
• 绘画技法
• 中国画
• 艺术
• VCD
• 教学
• 技法教程

近代中国画的笔墨演变与时代精神：一部透视二十世纪中国绘画转型与创新的学术专著 作者： 陈子厚 出版社： 华东师范大学出版社 出版时间： 2018年 页数： 约580页（配有大量高清线描图及彩色印刷图版） --- 内容提要： 本书是一部深入探讨二十世纪上半叶至中叶，中国绘画，特别是文人画体系如何应对西方现代思潮冲击、寻求内在革新与时代转型轨迹的重量级学术论著。陈子厚教授以其深厚的国学功底与敏锐的艺术史洞察力，摒弃了以往仅关注流派更迭或技法模仿的窠臼，转而聚焦于中国画的“笔墨本体论”在现代语境下的重构与焦虑。全书结构严谨，论证细密，旨在揭示中国画如何在继承传统“笔墨精神”的同时，吸纳现代主义的结构观念和表现手法，完成从古典范式向现代审美的艰难过渡。 第一部分：传统笔墨的黄昏与现代性的召唤 (1900-1930) 本部分首先对清末民初文人画的“程式化”困境进行了深刻剖析。作者认为，在晚清“中西画学论战”的背景下，传统山水、花鸟画的笔墨语言，尽管在技法上已臻化境，但其精神内核已逐渐与时代精神相脱节，呈现出“僵化”与“空洞化”的趋势。陈子厚细致梳理了海派（以上海为中心）在吸收西方解剖学、透视学概念后，对传统笔墨形态所产生的最初的结构性冲击。 重点探讨了“四王”体系在民初的延续与衰微，并引入对早期留日画家（如对日本“浮世绘”和“文人画”的再认识）的分析。作者着重指出，这一阶段的探索并非简单的“西化”，而是在“何为中国精神”的追问下，试图通过引入“结构性”的观察，来激活被僵化的笔墨。例如，对传统皴法中“势”的理解，开始与现代艺术中的“动态平衡”概念进行隐秘的对话。 第二部分：学院化、民族化与笔墨语言的重铸 (1930-1949) 这是全书论述最为精妙的核心部分。作者详细考察了国立艺专（后中央大学艺术系）等教育机构的建立，如何将传统绘画的传授体系纳入到现代美术教育的框架中。这一过程导致了笔墨语言的“双重性”紧张：一方面要维护传统笔墨的“气韵生动”，另一方面又要满足现代艺术对“清晰结构”和“明确物象”的需求。 陈子厚教授对徐悲鸿、齐白石、潘天寿等不同谱系的艺术家的策略进行了对比分析： 1. 写实与结构重塑： 深入分析了徐悲鸿素描基础对中国画“骨法用笔”的间接影响，这种影响主要体现在对物象内部逻辑的强调，促使传统勾勒和皴法的界限变得更加明确和“结构化”。 2. 文人笔墨的内向性突围： 重点分析了齐白石晚年如何将“民间趣味”与“文人笔意”融合，其大写意的笔墨并非对传统的固守，而是通过夸张与提炼，反而强化了笔墨的纯粹性与情感强度，以此对抗外来的形似压力。 3. 潘天寿的“结构主义”水墨： 作者认为潘天寿是成功将西方几何结构意识融入中国笔墨的典范。他通过对“黑白、方圆、主次”的极度强调，构建了一种既具东方气韵又充满现代张力的“体量感”，使中国画摆脱了以往单纯依赖“韵”的单薄感。 第三部分：社会主义现实主义与笔墨语言的时代使命 (1949-1960s) 本书的最后一部分转向了新中国成立后，中国画在新的政治文化语境下面临的重大转向。作者审慎地分析了“为人民服务”的时代主题对山水、花鸟画题材和审美趣味带来的影响。 重点讨论了“新国画运动”的核心议题——“民族化”的深化。这并非简单的题材替换（如大量农村、工厂场景的描绘），而是对传统笔墨语言进行“社会化”改造的尝试。例如，如何用传统笔墨来表现现代机械的“力度”与“光影”，以及如何用更具“人民性”的色彩和构图来取代古典的“士大夫”情趣。 陈子厚详细对比了不同地域画家在新时期对“现实主义”的理解差异，尤其关注了如何通过增强笔墨的“力度”（如用墨的厚重感、线条的张力）来承载“建设”与“宏大叙事”的精神内涵。全书以对这一时期笔墨语言的“功能性”重塑为收束，展示了中国画在剧烈社会变革中，如何努力为自身找到新的存在价值与表达空间。 学术价值与特色： 本书最大的价值在于其超越了对具体画种或技法（如点叶、夹叶的描绘）的孤立分析，而是将中国画的笔墨语言视为一个动态的、具有自我意识的文化系统，在现代性浪潮下的“生存哲学”探讨。作者的论述逻辑清晰，例证丰富，尤其对二十世纪中国画的内部张力与外部压力进行了极其深入的辩证分析，是研究中国近现代美术史，特别是中国画“如何成为现代艺术”的必读参考书。 --- （注：本书严格聚焦于二十世纪中国画的笔墨理论、教育改革、现代转型及其时代精神的承载，不涉及任何关于绘画技法教学的具体图例，如树木的结构、点法、皴法、泼墨技法等操作指南。）

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我必须强调这本书在“墨法变化”上的深度挖掘，这对我这个长期困扰于墨色单一问题的学习者来说，简直是醍醐灌顶。市面上很多画谱都将“浓、淡、干、湿”视为并列的四个元素，但这本书却将它们置于一个动态的关系中进行阐述，特别是对于“湿墨”的运用，提供了非常多实用的技巧。书中有一章节专门讨论了如何在水分控制不佳时，利用“补救性用笔”来挽救画面，这在VCD教学中是极其宝贵的经验，因为VCD能够清晰地展示墨在宣纸上晕开的过程和最终效果，这一点是纯文字书籍无法比拟的。我亲自尝试了书中关于“积墨法”画老树皮的几种变体，发现不同的水墨比例和笔锋处理，真的能营造出完全不同的苍劲感，仿佛能触摸到树皮的粗糙纹理。这套教程的价值，不仅仅在于教授技法，更在于教会学习者如何与水和墨这两种媒材进行一场有准备的“对话”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量简直是物超所值，封面那种略带磨砂的质感，拿在手里沉甸甸的，就让人觉得这是一本用心制作的艺术书籍。我特别欣赏它在纸张选择上的考量，那种偏向哑光的纸张，让图例中的墨色和层次感得以完美呈现，不像有些画册用得太亮，反光严重，看久了眼睛疼。而且，书的版式设计非常讲究留白，使得每一幅示范作品都有足够的呼吸空间，观者可以很从容地去品味画家在用笔上的微妙变化。我尤其关注了其中对于“气韵生动”的解读，虽然文字部分篇幅不多，但字里行间透露出的是深厚的传统文化底蕴，不是那种生硬的技法堆砌，而是将“写意”的精神融入到具体的树法讲解中。比如，对于松树的针叶画法，它没有仅仅停留在“一笔几针”的表象，而是通过不同力度和干湿浓淡的对比，展示了如何用墨来表现松针的生命力和抗风的姿态。这本书的细节处理，从目录的编排到配图的精选，都体现出编者对国画学习者需求的深刻理解，绝对是案头必备的参考书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排极具匠心，它没有采用传统的由易到难的线性铺陈，而是采用了“专题突破”的方式，这对于已经有一定基础、但想在特定领域深挖的习画者来说，简直是一股清流。我之所以这么说，是因为我之前临摹了不少基础教程，总感觉自己像是在走过场，直到接触到这本书，才发现原来在“枝干的转折”和“树冠的聚散”上还有如此多的学问。比如，书中对不同季节树木的形态变化做了细致的对比分析，春天的新绿是如何用破笔和淡墨晕染出来的，秋天的萧瑟又是如何通过飞白和焦墨来营造的，这比我之前看的任何资料都来得直观且富有启发性。作者似乎深谙“形神兼备”的要旨，他不仅教你怎么落笔，更重要的是告诉你为什么要在那个位置落笔，背后的哲学思考让人在绘画时心境都沉静下来。这种引导式的教学，让我感觉自己不是在机械地模仿，而是在真正地“学习观察世界”和“表达情感”。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余爱好者，我最看重的是实操性和可复制性。这本书在这方面的表现超出了我的预期，尤其是在一些基础树种的描绘上，它的步骤拆解得非常细致，几乎是手把手地教导。拿画竹子来说，它不仅展示了“个”字法画竹叶的诀窍，更详细讲解了如何根据风向和光照来调整叶片的疏密和倾斜角度，这种对细节的极致关注，让人在学习时感到非常踏实。我曾经买过几本非常“玄乎”的画册，图画很美，但完全看不出如何下笔，学完后毫无长进。而这本《山水画谱》，它成功地架起了“大师之作”与“初学者实践”之间的桥梁，它用一种非常务实、近乎工程学的态度来解构艺术创作，既保留了艺术的灵动，又提供了清晰的执行路径。我强烈推荐给那些希望从模仿入门，最终走向独立的画友们。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的整体感觉是，它非常注重整体构图中的“节奏感”和“韵律美”，而不是孤立地看待每一棵树。书中穿插了不少完整的山水画局部范例，重点演示了不同高低、远近的树木如何相互呼应，形成一个有机的整体。比如，它如何用前景的浓重树木来压住画面，衬托出远山的天际线，这种空间感的处理，在很多同类书籍中是被忽略的。此外，这本书在对树木“神态”的描绘上也下了大功夫，它教会你如何通过几笔看似随意的线条，来表达一棵树在风中摇曳的动势，或者在阳光下静默生长的安详。这种对“动态捕捉”的强调，极大地提升了我的写生兴趣，让我开始留意生活中的每一棵树，去思考它们的生命姿态。总而言之，这是一本融合了传统精髓与现代教学理念的优秀范本，值得反复研读和实践。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆