Edward Weston's Book of Nudes pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:Getty Publications

作者:Edward Weston

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:2007-09-10

价格:USD 39.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780892369034

丛书系列:

图书标签:

Photography
摄影
Edward_Weston
摄影
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具体描述

Edward Henry Weston (1886-1958) first started taking photographs at the age of sixteen with a camera given to him by his father. Over the next five decades, he would come to be regarded by his peers as one of the greatest photographers of the twentieth century.This unique volume is a collection of his photographic studies of the nude form, first put together in 1953 with co-operation of acclaimed photography critic Nancy Newhall, and is the only book on the subject that Weston himself participated in. In the 1950s, however, publishers of fine art photography were reluctant to address the subject, and the proposal was rejected.In 1985, an incomplete version of the original mock up was acquired by the J. Paul Getty Museum. It was only in 2006 that the previously unpublished volume was able to be re-created in its original form - finally realizing Weston and Newhall's true vision.

弗兰克·霍纳的《光影的几何：20世纪现代主义摄影的再审视》导言：超越瞬间的结构与形式弗兰克·霍纳的《光影的几何：20世纪现代主义摄影的再审视》并非一本简单的摄影史梳理，而是一部深刻而具有挑战性的理论著作。霍纳以其深厚的哲学和艺术史功底，对20世纪中叶兴起的现代主义摄影运动进行了结构性的解构与重构。他拒绝将现代主义摄影仅仅视为一种对“客观现实”的记录或对“纯粹形式”的抽象迷恋，而是将其置于现代社会结构变迁、技术哲学演进以及个体主体性危机的大背景下进行审视。本书的核心论点在于，现代主义摄影的“形式主义”倾向，实则是对工业化晚期意义消解的一种结构性回应，是摄影师试图通过对光、影、线条、纹理等基本元素的极端控制，来重建一个可被感知的、有序的“微观宇宙”。第一部分：现代性的断裂与摄影的觉醒霍纳首先回溯了两次世界大战间隙欧洲和北美社会经历的深刻断裂。他认为，随着大型叙事（如启蒙理性、进步史观）的崩塌，摄影师不得不从依赖传统叙事结构中抽离出来。在这一部分，霍纳着重分析了两位关键人物——阿尔弗雷德·史蒂格利茨和阿尔伯特·兰格——如何各自以不同的方式，探索了摄影作为一种“现代媒介”的独特潜力。史蒂格利茨的“等同论”（Equivalents）被霍纳视为对传统再现观念的第一次有力冲击。霍纳认为，史蒂格利茨并非简单地拍摄云朵作为情感的象征，而是通过对光线和雾气的精确捕捉，将二维平面上的纹理转化为一种与内心景观相匹配的“结构语言”。这种语言是高度主观的，但又依赖于对光学物理的精妙掌握。霍纳用大量篇幅分析了史蒂格利茨如何从“直观捕捉”转向“有意识的结构构建”，强调了“决定性瞬间”在现代主义语境下被重新定义为“决定性构图”。与之相对，霍纳深入探讨了欧洲大陆上的新客观性（Neue Sachlichkeit）运动，特别是奥古斯特·桑德和阿尔伯特·兰格的作品。他摒弃了将这些作品简单归类为“社会纪实”的传统看法，转而关注其“去人性化”的倾向。桑德的《时代的人们》系列，在霍纳看来，是对人类社会角色及其僵硬表征的纯粹“分类学”研究。照片中的人物被固定在一种近乎标本的状态下，光线冷峻而均匀，几乎消除了任何戏剧性的阴影或情感投射。霍纳将此解读为对现代官僚主义和技术化社会中“类型化”生存状态的冷静记录，一种对个体生命力被结构抽离的视觉宣言。第二部分：形式的纯粹性与对象的异化本书的第二部分集中探讨了现代主义摄影如何将对象从其社会、历史语境中剥离出来，专注于形式的纯粹美学。霍纳特别关注了那些专注于建筑、机械和自然纹理的摄影师。霍纳对拉兹洛·莫霍利-纳吉的光影实验进行了细致的考察。他认为，莫霍利-纳吉通过摄影、拼贴和“光绘”（Fotogram）等技术，探索了“非视域的视觉性”。在光绘作品中，物体直接与感光材料接触，消除了镜头这一“中介”，使得观众直接面对光与材料的物理交互。霍纳将此视为对摄影本体论的一次关键转向：摄影不再是对“观看”的记录，而是“存在”本身的物质化呈现。在对建筑摄影的分析中，霍纳提出了“崇高几何学”的概念。他审视了许多对摩天大楼和工业结构（如水塔、桥梁）的仰视或俯视作品。这些角度不仅改变了物体的比例，更将它们转化为纯粹的线条和块面。霍纳指出，这种对宏大工业结构的几何化处理，体现了一种复杂的现代情感：既有对人类创造力的敬畏，也夹杂着对个体在巨大技术系统面前的微不足道感的焦虑。光线在这里成为雕塑的工具，它通过在混凝土和钢材上投下锐利阴影，定义了空间的绝对边界，强调了工业美学的冰冷精确性。第三部分：身体的重构与感官的编码全书最具争议性的一章，是霍纳对“身体研究”在现代主义摄影中的地位的重新评估。他绕开了传统上对“裸体”的浪漫化或情色化解读，转而关注身体如何被肢解、重组，成为新的几何元素和纹理载体。霍纳分析了那些专注于身体局部——手指、关节、躯干曲线——的摄影作品，指出这些作品将人体从其情感和叙事载体中解放出来，转化为一系列抽象的、可供研究的形态学样本。他认为，通过高度的特写和精确的布光，身体的皮肤、肌肉和骨骼的纹理被提升到了与岩石或木材纹理同等的地位，成为纯粹的视觉信息。这是一种对生命本体的“去生物化”处理，旨在揭示人类形态内在的、潜藏的数学规律。他批判性地指出，这种对身体的“形式化”处理，虽然在美学上是极具力量的，但也隐含着现代社会对身体的工具化倾向。身体不再是情感的容器，而是被光线精确“编码”的视觉对象，其自然流动的生命力被冷峻的结构逻辑所取代。结论：留下的光影遗产霍纳总结道，20世纪现代主义摄影并非如其批评者所言，是对现实的逃避，而是对现实的极端化处理。在意义崩塌的时代，摄影师们通过对光线和形式的绝对掌控，建立了一个由清晰边界、精确对比和稳定结构构筑的视觉秩序。这种秩序虽然在情感上是疏离的，但在结构上却是坚固的。《光影的几何》的价值在于，它迫使读者超越对摄影“美不美”的简单判断，深入探究这些经典作品背后的哲学驱动力：面对一个日益复杂、难以捉摸的世界，摄影师如何利用光和影这两种最基本的物理元素，为人类的观看经验建立起一套新的、严密的形式规则。本书提供了一把理解现代摄影如何从一种记录工具蜕变为一种独立的美学哲学的关键钥匙。它不仅是对过去的深刻反思，也为当代摄影师在数字时代如何应对信息过载和形式泛滥提供了重要的理论参照。