Haydn, Mozart and the Viennese School

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出版者:W. W. Norton & Company
作者:Daniel Heartz
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1995-03
价格:USD 65.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9780393037128
丛书系列:
图书标签:
  • 古典音乐
  • 海顿
  • 莫扎特
  • 维也纳学派
  • 音乐史
  • 音乐理论
  • 18世纪音乐
  • 作曲家
  • 音乐分析
  • 奥地利音乐
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具体描述

音乐思想的交织与新古典主义的辉煌:十八世纪维也纳音乐的深度剖析 本书聚焦于十八世纪后半叶,一个欧洲古典音乐史上至关重要的转折点——维也纳古典乐派的形成与鼎盛时期。 我们将绕开海顿、莫扎特这两位核心人物的直接传记式叙述,转而深入挖掘他们所身处的音乐生态、美学思潮以及技术革新,从而勾勒出一幅宏大而细腻的当时音乐图景。 本书的叙事主线,是探究“维也纳精神”如何成为欧洲音乐的中心。这不仅仅是关于几位天才作曲家的成就,更是关于一个城市、一个宫廷赞助体系、以及一种新兴的市民审美趣味如何共同孕育出具有革命性意义的音乐语言——新古典主义。 第一章:巴洛克的回响与启蒙的曙光 在海顿和莫扎特登场之前,维也纳的音乐土壤正经历着深刻的变革。本章将详细考察巴洛克晚期遗留下来的“对位法传统”——特别是南德意志和意大利作曲家对奥地利宫廷的影响。我们着重分析了卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫的“感伤风格”(Empfindsamer Stil)和克里斯蒂安·巴赫的“优雅风格”(Style Galant)如何为新的音乐形式提供了情感表达和结构上的预备。 宫廷赞助模式的转变: 探讨哈布斯堡王朝对音乐的资助结构,从早期的歌剧主导,如何逐渐向室内乐和交响乐倾斜,以及这种转变对作曲家自由度的影响。 歌剧的改革: 分析格鲁克在维也纳的改革尝试,他如何试图将歌剧从纯粹的炫技表演中解放出来,回归戏剧的本真,这为日后莫扎特歌剧的心理深度埋下了伏笔。 奏鸣曲式的早期形态: 考察在海顿成熟之前,奏鸣曲、协奏曲等器乐体裁的早期结构雏形,分析其在“呈示部-再现部”二元对立确立前的过渡性特征。 第二章:技术革新与乐器学的演进 十八世纪中叶的音乐革命,离不开乐器技术的飞速发展。本章将不再侧重于作品本身,而是聚焦于推动这些作品诞生的物质基础——乐器制造工艺的突破。 钢琴的崛起: 深入探讨古钢琴(Fortepiano)如何取代羽管键琴。这种新乐器在音量、力度变化(Crescendo和Diminuendo的实现)上的优势,是如何直接影响了作曲家对音乐线条和戏剧性的处理方式。我们将考察维也纳制造师如施坦因和瓦尔特在音色和机械结构上的创新。 管弦乐队的规范化: 分析交响乐队从早期的“小规模”配置,到形成相对稳定的弦乐、木管、铜管和定音鼓的编制过程。这种标准化为交响曲的宏大构想提供了技术框架。 对位法与和声语言的融合: 探讨作曲家们如何将巴赫遗留下来的精妙对位技巧,巧妙地融入到更注重旋律和清晰结构的古典和声框架中,创造出既有逻辑深度又不失优雅的音乐织体。 第三章:维也纳的市民文化与音乐消费 音乐不再仅仅是贵族沙龙的专属品,市民阶层的兴起对音乐的风格和功能产生了决定性的影响。本章审视了维也纳城内日益活跃的音乐生活。 公共音乐会的兴盛: 详细描述当时公共音乐会的组织结构、票价、观众构成以及曲目选择。这反映了音乐对听众的“可理解性”和“即时吸引力”提出了更高的要求。 室内乐的普及与功能转移: 探讨弦乐四重奏在维也纳的地位——它如何从贵族间的消遣,转变为一种要求高度智力投入和技巧展示的艺术形式。分析其结构如何反映了当时知识分子之间“对话”的美学理想。 “旋律”的地位提升: 阐释在启蒙思想影响下,音乐的首要目标被重新定位为清晰、优美且易于记忆的旋律。本书将分析作曲家们如何通过对旋律线条的精心雕琢,来替代巴洛克时期复杂的织体堆叠。 第四章:形式的构建与内在逻辑 本章深入探讨了古典主义音乐形式的“建筑学”。我们不着眼于海顿或莫扎特具体作品的分析,而是对他们共同构建的结构系统进行抽象的解构和重构。 奏鸣曲式的精神核心: 将奏鸣曲式视为一种“戏剧性冲突”的模型。分析呈示部中主题的对比(例如抒情性与运动性主题的并置)、发展部中主题材料的“危机”与重组,以及再现部中冲突的“解决”过程。 变奏曲与回旋曲的结构弹性: 考察这些体裁如何为作曲家在固定框架内展示创造力和主题发展提供了灵活性,以及它们在奏鸣曲套曲中所扮演的“调剂”角色。 速度与调性的关联: 分析古典主义作曲家对速度标记(Allegro, Adagio等)的精确使用,以及他们如何在不同乐章间利用调性关系(例如从主调到关系小调的转移)来构建整体音乐叙事的心理层次。 第五章:美学取向与哲学背景 维也纳乐派的风格是特定时代哲学思潮的结晶。本章将音乐实践置于启蒙运动的宏大背景下进行考察。 “自然”与“清晰”的美学: 探讨当时推崇的“自然即美”的观念如何转化为音乐上的简洁、均衡和清晰的对位。 “崇高”与“优美”的张力: 分析古典主义音乐如何在追求优雅(Grace)的同时,仍保留了对更深沉、更具挑战性(如某些小调作品)的“崇高”(Sublime)的探索,以及这种张力如何丰富了音乐的表现力。 对位法与抒情性的平衡: 总结维也纳学派对“形式服从内容”的理解,即结构必须服务于情感的自然流露,而非成为僵硬的教条。 本书旨在提供一个超越个体天才叙事的、对十八世纪维也纳音乐黄金时代的全面考察,深入理解这一时期在技术、社会和美学上如何实现了从巴洛克向浪漫主义过渡的关键一步。

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