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出版者:

作者:张燕翔

出品人:

页数:578

译者:

出版时间:2007-11

价格:75.00元

装帧:

isbn号码:9787030204158

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《墨迹风雅：中国古代书画的意境与传承》 本书并非探讨当下科技艺术的潮流，而是将目光投向中国传统文化艺术的瑰宝——书画。作者深入剖析了中国古代书画在艺术形式、创作理念、审美情趣以及文化传承等方面的独特魅力，力图为读者呈现一个丰富而深刻的视觉与精神盛宴。 第一章：笔墨的魂魄——中国书画的物质基础与精神内涵 本章首先从中国书画最基本的物质载体——笔、墨、纸、砚出发，追溯它们各自的起源、发展以及在中国文化中的象征意义。我们将看到，这“文房四宝”不仅仅是书画创作的工具，更是承载了文人雅士的情感、思想与精神追求的媒介。 笔之韵： 从先秦的毛笔雏形到唐宋的精工细作，分析不同材质、形制的笔如何影响运笔的力度、速度与线条的质感。探讨“中锋用笔”的奥秘，以及如何通过提按顿挫表现出千变万化的笔触。 墨之魂： 剖析松烟墨、油烟墨等不同制墨工艺，以及墨色在浓淡干湿上的丰富变化。深入理解“墨分五色”的艺术法则，以及墨色晕染所能营造出的空间感与层次感。 纸之灵： 介绍宣纸、皮纸等传统中国画纸的特性，如吸水性、韧性等，以及它们如何与笔墨相互配合，共同塑造画面的肌理与韵味。 砚之质： 探讨端砚、歙砚等名砚的石质、纹理与研墨效果，以及古人对砚台的收藏与品鉴。 在物质基础之上，本章更着重于书画的精神内涵。书画不仅是技巧的展示，更是中国传统哲学思想、人文精神的体现。我们将探讨“气韵生动”的艺术标准，以及如何在笔墨间体悟“天人合一”、“道法自然”的东方智慧。 第二章：形色之外的风景——意境的营造与审美追求 中国书画的独特之处在于其高度的写意性，强调“得意忘形”，追求“意境”的营造。本章将深入探讨这一核心概念。 写意山水： 以范宽、郭熙、董源等山水画大家为例，解析他们如何通过勾勒、皴擦、点染等技法，表现出山川的雄浑壮阔、林泉的幽深宁静。探讨“以形写神”的艺术手法，以及如何通过画面传达出观者的情感共鸣。 花鸟的生机： 剖析黄筌、徐熙、赵佶等花鸟画流派的特点，从工笔到写意，解读画家如何捕捉花鸟的动态与神情，传递出生命的活力与自然的韵味。 人物的神采： 探讨顾恺之、吴道子、张僧繇等古代人物画大师如何以线造型，表现人物的性格、情感与精神状态，以及“以形写神”在人物画中的运用。 留白之美： 深入理解中国画中“留白”的作用，它并非空无一物，而是“虚实相生”的艺术手法，是引发观者想象、拓展画面意境的重要元素。 本章还将阐述中国书画的审美追求，如“高古”、“雅逸”、“苍润”、“疏淡”等，分析这些审美特质是如何通过笔墨的运用、构图的安排以及题材的选择共同形成的。 第三章：文脉的延续——中国书画的传承与创新 书画的生命力在于其传承与创新。本章将梳理中国书画发展的历史脉络，并探讨其在不同时代的演变与发展。 师承与流派： 介绍中国书画史上著名的师承关系，如“南北宗论”的形成，以及不同流派的特点与影响，如浙派、吴门画派、扬州八怪等。 文人画的兴起： 探讨宋代以后文人画的兴起及其对中国书画发展产生的深远影响。文人画强调诗、书、画、印的结合，将个人的学养、情趣融入艺术创作，使书画艺术更具人格魅力。 古今对话： 分析古代书画对后世的影响，以及后世画家如何在继承传统的基础上进行创新，融入新的时代精神与个人思考。 理论的指导： 梳理中国书画史上的重要画论，如谢赫的“六法论”，宗炳的“山水论”等，探讨这些理论对历代画家创作的指导意义。 本章最后将触及书画的收藏与鉴赏，以及当代人如何通过学习和欣赏中国古代书画，更好地理解中华文化的精髓，感受传统艺术的独特魅力。 《墨迹风雅：中国古代书画的意境与传承》并非一本枯燥的艺术史论著，而是一次与中国古代伟大灵魂的对话，是一次对中华民族审美情趣和文化精神的深度探索。通过对笔墨的解析、意境的品味以及文脉的追溯，本书旨在唤醒读者内心深处的文化自觉，领略中国传统书画艺术所蕴含的无尽风雅与深刻智慧。

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这本书的结构安排非常巧妙，它像是一个不断螺旋上升的阶梯，每一层都建立在前一层坚实的基础上，但又向更深、更复杂的问题迈进。它的论证层次感极强，从最初对媒介材料性的探讨，逐步深入到社会建构和主体性的危机。有一段关于“数据作为新的雕塑材料”的论述，简直是神来之笔，作者用近乎诗意的语言描述了数据流动的无形美感，以及由此引发的伦理困境。这种文字的质感非常独特，它既有严谨的逻辑推导，又蕴含着一种近乎浪漫主义的激情。与市面上许多追求速度和新奇的读物不同，这本书强调的是一种深度耕耘，它鼓励读者慢下来，去品味每一个论点的重量。每一次阅读，似乎都能挖掘出新的层次，这使得它具有极高的重读价值。它不是那种读完就束之高阁的书，而是会成为你书架上一个时常需要被重新审视的智力伙伴。

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这本书的叙事节奏，简直像极了一部高概念的科幻电影的剧本，充满着张力与意想不到的转折。我是在一个连绵阴雨的周末一口气读完的，那种沉浸感几乎让我忘记了周围的一切。最让我印象深刻的是它对“交互性”这一核心概念的解构。作者并没有满足于描述触摸屏或虚拟现实的表层功能，而是深入挖掘了人机界面设计背后隐藏的权力关系和感知重塑。其中有一个章节专门探讨了早期网络艺术中“在场感”的消解与重构，分析得极其犀利，仿佛揭示了某种不为人知的行业秘密。语言风格上，它极其大胆和前卫，充满了富有冲击力的短句和反问，读起来酣畅淋漓，丝毫没有学术著作的枯燥感，反而更像是一位资深评论家在进行一场犀利的思想辩论。这种充满激情的论述方式，有效地激发了读者的批判性思维，让人在合上书本后，仍然会不断地反刍书中的观点，并开始用一种全新的滤镜去审视日常接触到的各种数字媒介。

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这本书的开篇就展现了一种对技术与美学边界的深刻探索，让人不禁停下来思考：当我们谈论“艺术”时，究竟在谈论什么？作者没有落入泛泛而谈的泥潭，而是通过一系列精妙的案例分析，构建起一个宏大而又细致入微的观察框架。比如，它对早期数字艺术创作工具的演变进行了如手术刀般精准的剖析，那种对历史脉络的梳理，远超出一本普通科普读物的水准。我特别欣赏其中关于“算法的诗意”那几章，作者巧妙地将冰冷的代码逻辑与人类情感的表达进行了类比，使得那些原本晦涩难懂的数学原理瞬间变得可触摸、可感知。阅读过程中，我感觉自己像是在跟随一位经验老到的策展人，穿梭于一个充满未来感却又根植于深厚历史土壤的展览空间，每一件展品（每一个技术案例）都被赋予了独特的解读维度，让人在赞叹技术之精巧的同时，也对其背后的哲学意涵产生了强烈的共鸣。这种对复杂议题的驾驭能力，使得即便是初次接触这一领域的读者，也能迅速建立起一个扎实的认知体系，而非仅仅停留在对炫酷视觉效果的表面赞叹上。

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我必须承认，这本书的阅读体验非常具有挑战性，但正是这种挑战性，带来了无与伦比的智识上的满足感。它不迎合读者的舒适区，反而不断地抛出需要你跳跃式思考的问题。比如，作者对“人工智能生成内容”的版权和原创性定义的探讨，是极其尖锐和及时的。作者没有简单地给出是非判断，而是提供了一套复杂的分析框架，迫使读者去重新定义“创造者”和“作品”的古老概念。它的语言是高度凝练的，有些段落需要反复阅读才能真正领会其深意，但这种“挣扎”的过程，恰恰是学术思考魅力的体现。它不提供简单的答案，而是提供更优秀的提问方式。这本书的价值在于，它提供了一种批判性的工具箱，让你能够以一种更具穿透力的目光，去审视我们身处的这个日益数字化的世界，它真正做到了提升读者的认知维度，而非仅仅提供信息。

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坦率地说，最初我对于这类主题的书抱有一种审慎的态度，总担心会陷入对未来趋势的过度臆测和空泛展望。然而，这本书成功地避开了所有这些陷阱，它立足于坚实的理论基础和丰富的案例支撑，为我们描绘了一个既脚踏实地又充满远见的图景。让我感到惊喜的是，作者在讨论最新的沉浸式技术时，并未完全抛弃对古典美学原则的回归与反思。例如，它花了相当篇幅去比较巴洛克时期的空间设计与现代全息投影在引导观众注意力方面的异同，这种跨越时空的对话，极大地拓宽了我的认知边界。作者的笔触细腻入微，尤其擅长捕捉那些稍纵即逝的文化现象，并将其置于一个宏大的社会变迁背景下进行考察。读完此书，我感觉自己不仅获得了知识，更重要的是，获得了一种看待世界的新工具——一种能够穿透表象，直抵技术与人文交汇点的透视镜。

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内容简略，是真简略，看看图还不错

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算是资料书

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