The New Grove Dictionary of Opera

The New Grove Dictionary of Opera pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:Oxford University Press, USA
作者:Sadie, Stanley 编
出品人:
页数:5426
译者:
出版时间:2004-07-28
价格:USD 395.00
装帧:Paperback
isbn号码:9780195221862
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

Incorporating a decade of musicological research, the Dictionary is unsurpassed in its scope and quality, with contributions from over 1,300 of the world's leading critics and scholars. A remarkable 11,000 articles, all fully cross-referenced, create a work that has become established as the essential opera reference. Indeed, every aspect of this varied art form is covered: composers, conductors, directors, performers, librettists, literary sources, cities and countries, operatic historians, and opera genres and terminology. BLOver 1800 operas are discussed from the late 16th century Florentine Camerata, through the great 18th and 19th century operas, to contemporary works such as the minimalist theatre pieces of Philip Glass BLThe lives and careers of over 2900 composers are discussed in depth, with entries containing critical assessments as well as discussion of their individual careers and major achievements BLProfiles of every singer who has made a significant contribution to opera are included, from Francesco Rasi in the 1600s to Luciano Pavarotti in the 1990s BLTwo unrivaled indices of character names and arias make it the most useful and user-friendly opera dictionary available BLIllustrated throughout with rare photographs, reproductions of original posters, set and costume designs, and scenes from recent performances

《歌剧的黄金时代:18世纪至20世纪初的舞台艺术变迁》 书籍简介 《歌剧的黄金时代:18世纪至20世纪初的舞台艺术变迁》是一部深入剖析歌剧艺术自巴洛克晚期至浪漫主义巅峰,直至20世纪初剧目发展轨迹的权威性著作。本书并非一部简单的剧目汇编或作曲家传记的拼凑,而是以时代思潮、社会文化背景、以及音乐剧场实践的演进为核心脉络,对歌剧艺术进行系统性的考察与阐释。 本书的叙事始于18世纪中叶,欧洲正经历启蒙运动的洗礼。我们将聚焦于格鲁克(Gluck)的“改革歌剧”,探讨他如何试图回归歌剧的戏剧本质,简化冗余的炫技,使音乐服务于清晰的情感表达。这一部分的讨论不仅涵盖了《奥尔菲欧与尤律狄茜》等代表作的结构分析,更深入探究了维也纳宫廷与巴黎沙龙文化对歌剧美学取向的直接影响。我们审视了歌剧作为一种社会仪式,如何成为贵族阶层彰显品味与政治立场的工具。 进入19世纪,歌剧迎来了其最为辉煌的“浪漫主义”时期。本书将这一时期划分为几个关键的地理与风格区域进行深入研究。 意大利美声的巅峰:从罗西尼到威尔第 意大利歌剧,作为歌剧史上的核心支柱,是本书着墨的重点。我们详细考察了罗西尼(Rossini)如何通过其精湛的对位技巧和对速度的掌控,将“喜歌剧”推向技术与趣味性的极致。随后的贝里尼(Bellini)与多尼采蒂(Donizetti)的作品,则标志着“美声唱法”(Bel Canto)对人声技巧的极致要求与情感表达的融合。 对朱塞佩·威尔第(Giuseppe Verdi)的分析占据了重要篇幅。我们不仅梳理了从《纳布科多诺泽》到《奥赛罗》的创作历程,更探讨了威尔第作品中日益增长的民族主义色彩与强烈的戏剧张力是如何与意大利统一运动(Risorgimento)紧密交织的。本书细致辨析了威尔第晚期对“整体艺术”(Gesamtkunstwerk)概念的初步探索,以及他如何精妙地平衡独唱、重唱与乐队配器的关系。 德语歌剧的哲学深度:瓦格纳的革命 在德语世界,理查德·瓦格纳(Richard Wagner)的出现彻底颠覆了歌剧的传统格局。本书不满足于简单介绍“乐剧”,而是深入剖析了瓦格纳的哲学根基——从叔本华的悲观主义到尼采的“酒神精神”。我们详尽解析了“主导动机”(Leitmotiv)系统在《尼伯龙的指环》中如何构建一个复杂的音乐神话网络,以及他如何通过彻底的“色彩和声”打破传统的调性束缚。对拜罗伊特节庆剧院的建筑设计和“理想剧场”理念的探讨,揭示了瓦格纳如何将音乐、诗歌、戏剧和空间融为一体,试图创造一种全新的审美体验。 法兰西的精致与世俗 法兰西的歌剧则展现出另一种面向。在巴黎歌剧院的宏大舞台上,“大歌剧”(Grand Opéra)以其史诗般的场景、芭蕾段落和对历史题材的偏爱而著称。本书对比分析了梅耶贝尔(Meyerbeer)的创作策略与古诺(Gounod)在《浮士德》中所展现的更为内省的浪漫主义情感。此外,我们还特别关注了比才(Bizet)的《卡门》,这部作品因其对世俗生活和“异域风情”的写实描绘,如何标志着意大利“真实主义歌剧”(Verismo)的前奏。 “真实主义”的崛起与世纪之交 19世纪末,欧洲社会对过度美化和浪漫化主题的厌倦催生了“真实主义”(Verismo)。普契尼(Puccini)成为这一流派的集大成者。本书通过分析《波希米亚人》、《托斯卡》等剧目,展现了真实主义如何将聚光灯投向普通人的悲剧命运、贫困与激情,其音乐语言则在继承威尔第旋律优点的同时,融入了瓦格纳式的管弦乐织体密度。 本书的结论部分,将目光投向了20世纪的门槛,审视了德彪西(Debussy)对印象主义在歌剧中的探索,如《佩利亚斯与梅丽桑德》如何以其模糊的色彩和诗意的对白挑战了传统的歌剧结构。 全书基于对原始乐谱、同期评论、作曲家书信以及舞台演出记录的广泛考证,旨在为读者提供一个多维度的、充满批判性思考的视角,理解歌剧艺术在一百五十多年间如何应对社会变革、技术进步以及审美观念的巨大冲击,最终塑造了我们今天所认知和珍视的经典歌剧曲目库。本书适合所有对音乐史、戏剧理论和欧洲文化史感兴趣的读者。

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目录信息

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用户评价

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我对歌剧的喜爱,很大程度上源于它所承载的丰富文化和情感。在翻阅《新格罗夫歌剧词典》的过程中,我发现它不仅仅是一本关于音乐的书,更是一部关于人类情感、社会变迁和文化碰撞的史诗。我被关于“意大利歌剧”的部分所深深吸引,了解了从早期“美声”(Bel Canto)风格到威尔第时代现实主义描绘的演变,以及这些歌剧如何反映了意大利民族的爱国情怀和对自由的渴望。同时,我也对“法国歌剧”的历史进行了深入的了解,比如从格鲁克对传统法国大歌剧的改革,到梅耶贝尔的宏大叙事,再到德彪西《佩利亚斯与梅丽桑德》的印象派革命。这些不同国家、不同文化背景下的歌剧,展现了音乐艺术是如何与社会历史紧密相连的。我还对词典中关于“歌剧主题”(Opera Themes)的分析很感兴趣,例如“复仇”、“爱情”、“权力”等主题在不同歌剧中的体现,以及它们如何随着时代的变化而演变。这本书让我意识到,每一部歌剧都是一个时代的缩影,都蕴含着深刻的社会文化信息。

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作为一名对歌剧历史及其背后人物故事充满好奇的读者,《新格罗夫歌剧词典》提供了一个无与伦比的深度挖掘平台。我曾经对歌剧史上的许多关键人物,比如普契尼、比才,甚至更早期的作曲家们,仅有模糊的印象。但是,这本书里的每一个词条,都像是一扇通往他们生活和创作世界的窗户。我惊叹于普契尼是如何在《蝴蝶夫人》中融合东方元素,又是如何通过《图兰朵》展现他晚年的辉煌。对于比才,我不仅了解了《卡门》的创作背景和它最初的争议,还深入探讨了他其他同样优秀的歌剧作品。词典中的传记条目,不仅仅是罗列出生年月和主要作品,更侧重于描绘这些作曲家在创作过程中遇到的困难、他们的灵感来源,以及他们与同时代艺术家、评论家的互动。这些生动的细节,让这些曾经只存在于音乐中的名字,变得鲜活而立体。我还特别关注了那些在歌剧史上扮演重要角色的歌唱家,了解他们的演唱风格、他们对角色的独特诠释,以及他们如何推动了歌剧艺术的发展。这本书,让我看到了歌剧创作背后,是无数个鲜活的生命在闪耀。

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对于一位渴望不断拓展音乐视野的听众来说,《新格罗夫歌剧词典》是一笔宝贵的财富。我原本只熟悉意大利歌剧和德奥歌剧,对其他地区的歌剧传统了解甚少。然而,在这本词典的帮助下,我得以接触到更多元化的歌剧艺术。我开始关注“俄罗斯歌剧”,了解了柴可夫斯基、穆索尔斯基等作曲家如何将俄罗斯民族音乐元素融入歌剧创作,例如《叶甫盖尼·奥涅金》的抒情与《鲍里斯·戈杜诺夫》的史诗感。我还对“英国歌剧”的发展进行了探索,了解了布里顿等20世纪作曲家如何为英国歌剧注入新的活力。此外,词典还涉及了一些“现代歌剧”的探索,例如20世纪中叶之后,歌剧在音乐语言、结构形式以及主题表达上发生的巨大变革。这些新的发现,极大地丰富了我对歌剧艺术的认知,让我看到了歌剧作为一种不断演变的艺术形式的生命力。这本书,不仅仅是知识的传授,更是对我探索欲的激发,让我对未来的音乐发现充满了期待。

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拥有一本《新格罗夫歌剧词典》的感觉,就像是拥有了一张通往歌剧世界最核心的地图。我一直以来都对歌剧的“唱段”(Arias)和“重唱”(Duets)等音乐形式的结构非常着迷。在这本书中,我找到了关于这些音乐形式的详尽解释,以及它们在不同时期作曲家作品中的演变。例如,关于“咏叹调”的结构,从早期的“da capo”咏叹调到后来更自由的表达方式,词典都进行了清晰的阐述。我还对“乐队”(Orchestra)在歌剧中的作用进行了深入的了解,包括不同时期乐队编制的演变,以及作曲家如何运用乐器来烘托戏剧氛围和表达人物情感。我特别关注了关于“歌剧场景”(Opera Scenes)的分析,例如如何通过音乐和戏剧的结合来塑造一个生动的戏剧场景。这本书,让我从一个单纯的听众,逐渐变成了一个能够理解歌剧背后复杂音乐构思的鉴赏者。它让我能够更深入地体会到,每一段旋律,每一个和声,都是经过精心设计的,都为表达情感、推动剧情服务。

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这本书的名字就叫做《新格罗夫歌剧词典》,光是这个名字就足够让人肃然起敬了。我一直以来都是歌剧的爱好者,从少年时第一次接触到《茶花女》的动人旋律,到后来沉醉于瓦格纳宏大叙事的史诗,歌剧在我心中占据着一个非常特别的位置。然而,随着接触的剧目越来越多,我开始感到自己知识储备的不足,很多剧目的背景故事、作曲家生平、歌剧发展的脉络,都只是模糊的概念。市面上虽然有一些歌剧介绍的书籍,但往往过于浅显,或者聚焦于某个特定时期或地区,很难满足我这种渴望全面了解的读者。偶然间,我的音乐学教授在课堂上提到了《新格罗夫歌剧词典》,并形容它是歌剧研究领域不可或缺的“圣经”,这句话瞬间点燃了我对这本书的强烈好奇。尽管我知道它的体积庞大、内容专业,但我相信,对于一个真正热爱歌剧的人来说,这绝对是一笔值得投入的财富。我已经在等待它抵达的日子里,脑海中勾勒出了无数个翻阅它的场景:我将坐在舒适的扶手椅上,指尖划过厚重的书页,每一个条目都像是一扇通往过去音乐世界的大门,让我得以窥见那些伟大作品是如何诞生的,那些才华横溢的作曲家和歌唱家又是如何用他们的生命诠释音乐的。我尤其期待能够深入了解那些我相对陌生的时期,比如巴洛克时期的歌剧,以及那些非西方传统中的歌剧形式。这本书不仅仅是一本工具书,它更像是一场跨越时空的音乐朝圣之旅的指南。

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在浩如烟海的音乐文献中,《新格罗夫歌剧词典》以其独特的地位吸引了我的目光。我一直对歌剧的起源和发展史抱有浓厚的兴趣,试图理解从古希腊戏剧到现代歌剧的漫长演变过程。这本书就像一位循循善诱的老师,耐心地为我梳理了这一复杂的历史脉络。我发现,词典不仅仅是对现有歌剧作品的罗列,它更关注的是歌剧这种艺术形式本身是如何形成、如何演变、如何在不同的文化语境中生根发芽的。关于早期的意大利歌剧,比如卡瓦利埃里、佩里和蒙特威尔第的作品,词典的描述让我得以窥见那些开创性的尝试,以及它们如何奠定了歌剧的基础。同时,我也对“歌唱剧”(Singspiel)这一德语区的独特歌剧形式有了更深刻的认识,了解了它与德语文学和戏剧的紧密联系。此外,词典还触及了一些我之前几乎未曾听闻过的歌剧传统,例如俄罗斯和东欧地区的歌剧发展,以及一些小型、实验性的歌剧作品。这种广阔的视野,让我意识到歌剧的魅力远不止于那些西方古典的经典之作,它是一个包罗万象、不断创新的艺术领域。这本书不仅满足了我对历史的好奇,更激发了我探索更多元歌剧世界的动力。

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我一直深信,了解一门艺术,必须要深入其根基,而《新格罗夫歌剧词典》无疑为我提供了这样一个深入了解歌剧根基的绝佳机会。我过去对“歌剧脚本”(Libretto)的重视程度可能不够,以为只要旋律动听,剧情大致清晰即可。但通过阅读词典中关于脚本创作的条目,我才了解到,一个优秀的脚本对于歌剧的成功至关重要。我了解到,许多伟大的歌剧,其脚本本身就是文学杰作,例如罗西尼的歌剧常常改编自著名剧作家如鲍马舍和维克多·雨果的作品。词典还探讨了不同时期脚本作者的创作理念,以及他们如何与作曲家合作,共同创造出一部完整的歌剧作品。我还对“歌剧与文学”、“歌剧与绘画”等跨学科的联系产生了浓厚的兴趣。通过词典的介绍,我得知许多歌剧的题材和灵感都来源于文学作品,甚至影响了当时的绘画和雕塑艺术。这本书,让我看到了歌剧作为一种综合艺术形式的独特魅力,它不仅仅是音乐的集合,更是文学、戏剧、视觉艺术等多种元素的融合。

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当我终于捧起这本《新格罗夫歌剧词典》时,一种庄重而又兴奋的情感油然而生。它厚重的纸张、精美的装帧,无不散发出一种学术的权威感。我首先翻阅的,是关于我最喜欢的作曲家——莫扎特的部分。我原以为自己对莫扎特的歌剧已经相当了解,但词典中的条目却以一种我从未想过的方式,将他的创作生涯、他的音乐语言、他笔下角色的深度,乃至他所处的时代背景,进行了淋漓尽致的剖析。不仅仅是“费加罗的婚礼”或“魔笛”这样耳熟能详的作品,词典还详细介绍了那些相对不那么常演出的早期歌剧,比如《阿波罗与希辛托斯》或是《牧神王》,它们不仅丰富了我对莫扎特创作历程的认识,更让我看到了一位音乐天才的成长足迹。让我印象深刻的是,对于每一部歌剧,词典都不仅仅停留在对剧情的概述,而是深入探讨了其音乐结构、咏叹调的特点、合唱的运用,甚至还包括了不同时期的演出历史和重要的诠释版本。这种细致入微的解读,让我仿佛置身于一个庞大的歌剧博物馆,每个展品都诉说着一段动人的故事。我迫不及待地想继续探索,去了解威尔第是如何将意大利的民族情感融入他的悲歌剧,去解析瓦格纳的“乐剧”理念是如何颠覆传统的,去认识那些在歌剧史上留下浓墨重彩的女性作曲家和歌唱家。这本书,无疑将成为我理解和欣赏歌剧的全新起点。

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当我决定深入研究歌剧,并寻找一本权威的参考资料时,《新格罗夫歌剧词典》无疑是我的首选。它所提供的知识深度和广度,远远超出了我之前的预期。我曾经对某些歌剧的故事情节,例如《尼伯龙根的指环》中的复杂人物关系,感到难以理解。但是,通过词典中对这部巨著的详细解析,我得以理清那些错综复杂的人物关系和象征意义。每一个主要角色,每一个重要的乐章,词典都进行了细致的分析。我还可以通过词典了解这部歌剧是如何在当时引起巨大轰动的,以及它对后世音乐发展产生的深远影响。此外,我对那些不那么为人熟知的歌剧也充满了探索的欲望。比如,我被关于“德国浪漫主义歌剧”的部分所吸引,了解了韦伯《自由射手》的传奇创作过程,以及它如何奠定了德国民族歌剧的基础。词典还详细介绍了许多被遗忘的歌剧作品,它们可能在历史上只昙花一现,但同样具有重要的艺术价值。这本书,不仅满足了我对经典作品的深度探索,更引导我走向了歌剧艺术的更广阔天地。

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我一直认为,欣赏歌剧,不仅是耳朵的享受,更是对知识和文化的深度挖掘。我之所以选择《新格罗夫歌剧词典》,正是因为它承诺提供一种更全面、更深入的视角。在我翻阅的过程中,我尤其被那些关于歌剧理论和美学讨论的部分所吸引。比如,关于“装饰音”(Ornamentation)在不同时代和不同作曲家的作品中的运用,以及“宣叙调”(Recitative)如何发展成为一种叙事和戏剧表达的重要手段。这些细节的分析,让我能够更清晰地理解歌剧的音乐语言是如何构建戏剧张力的。我还可以通过词典了解不同时期作曲家在创作歌剧时所面临的挑战和他们所采用的创新手法,比如格鲁克的歌剧改革,或是瓦格纳对“总体艺术”(Gesamtkunstwerk)的追求。此外,词典对于“歌剧院”(Opera House)的介绍也让我大开眼界,了解了不同时期歌剧院的建筑风格、内部设计以及它们在社会文化中的功能。这些信息,将我过去碎片化的歌剧知识串联起来,形成了一个更加系统和完整的认知体系。我深信,通过这本书的学习,我将能够以一种更专业、更具洞察力的眼光去欣赏每一场歌剧演出。

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