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出版者:清华大学出版社

作者:孙傲然

出品人:

页数:178

译者:

出版时间:2013-4

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787302315605

丛书系列:

图书标签:

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《光影的叙事：电影摄影艺术深度解析》 内容简介 本书并非面向漫画初学者的绘画指南，而是一部深入探讨电影摄影艺术原理、技术与美学表达的专业著作。我们聚焦于如何运用光影、构图、运动和色彩，构建具有强大叙事力量和情感共鸣的视觉语言。本书旨在为电影制作人、摄影师、视觉艺术家以及对电影叙事有深刻兴趣的读者，提供一套系统而全面的理论框架与实践指导。 第一部分：光——黑暗中的雕塑家 光是电影的本质，它不仅仅是照明，更是叙事和情绪的载体。本部分将从物理学和美学两个层面，全面剖析光在电影中的应用。 第一章：光的物理属性与电影应用 我们将详细阐述光的色温（开尔文值）、显色指数（CRI）与光质（硬光与柔光）如何影响画面的真实感和情感基调。探讨不同类型灯具（钨丝灯、HMI、LED）的特性、布局与控制。内容包括： 三点布光法的进阶应用： 突破传统三角结构，探讨如何利用“关键光”、“补光”和“背光/轮廓光”的强度比例（Ratio）来塑造人物的体积感和心理状态（例如，高调、低调布光下的情绪差异）。 环境光与自然光的驾驭： 学习如何准确评估和利用自然光，以及使用反光板、旗板、柔光屏等辅助工具，将不可控的自然光源转化为服务于叙事的精确光源。 色彩的物理基础： 深入理解滤色片（CTO/CTB）的运用，以及它们如何配合场景的实际光源，实现既符合逻辑又富有艺术张力的色彩氛围。 第二章：光影的心理学与叙事功能 光影不再只是物理现象，它们是角色的内心投射。本章侧重于光影的隐喻意义： 明暗对比与戏剧冲突： 分析伦勃朗光、蝴蝶光、分离光等经典布光模式背后的心理暗示。例如，侧光如何强调面部瑕疵和角色的矛盾性；完全去除补光（Low-Key）如何烘托悬疑和压抑感。 空间感与体积感的塑造： 探讨光线投射的角度（低位光、顶光）对场景空间感的影响，以及如何通过控制阴影的锐利度来界定场景的材质和环境密度。 动态照明的叙事： 学习如何设计灯光的变化（例如，闪烁、渐隐、跟随运动），使其成为角色情绪变化或情节转折的同步信号。 第二部分：构图——画面的秩序与张力 构图是导演的“骨架”，它决定了观众的视觉焦点和信息接收的优先级。 第三章：经典构图原则的解构与重构 本书不满足于罗列“三分法”等基础规则，而是探讨这些规则背后的视觉平衡原理： 视觉重量与平衡： 分析画面中元素（人物、物体、负空间）的相对“重量”如何影响观众的稳定感或不安感。 引导线与视线流向： 探讨如何利用水平线、垂直线、对角线以及环境元素（如道路、栏杆）精确控制观众的目光路径，确保关键信息在第一时间被捕捉。 负空间（留白）的哲学： 深度解析留白不仅是空白，更是构建孤独感、广阔感或压迫感的强大工具。分析不同比例的负空间对叙事主题的强化作用。 第四章：景别、景深与叙事视角 镜头的使用方式直接决定了观众与角色之间的“距离”和“关系”。 景别的心理学效应： 区分特写（ intimacy）、中景（ action）与全景（context）如何建立观众的情感代入感或疏离感。分析超广角镜头对空间感的扭曲与主观感受的强化。 景深的叙事控制： 深入讲解大景深（深焦）如何将多个角色或情节元素置于同一视觉层面上，暗示复杂的关系或平等的叙事权重；浅景深（焦外虚化）如何将焦点锁定在特定元素上，剥离干扰信息。 轴线、越轴与镜头对位： 详细阐述空间连续性的建立与打破，以及在何时故意“越轴”以制造视觉上的不安或角色的迷失感。 第三部分：运动——时间的塑形艺术 相机的运动是电影区别于其他视觉艺术的核心要素，它赋予画面以时间感和生命力。 第五章：平移、推拉与稳定运动 本章聚焦于物理运动对观众感知的影响： 摇摄（Pan）与俯仰（Tilt）的节奏： 如何利用镜头的侧向或垂直运动来揭示环境、跟随角色或建立悬念。探讨其速度变化与背景音乐、对话节奏的匹配。 跟拍与主观运动： 分析稳定器（Steadicam/Gimbal）运动如何实现无缝、沉浸式的跟拍体验，模仿角色的行走或感知过程，增强代入感。 推轨（Dolly）与推进/拉远（Zoom）的区别： 从光学原理上区分推轨（改变物理位置，保持景深不变）与变焦（改变焦距，影响景深），以及它们各自适合的服务于叙事的场景。 第六章：复杂运动设计与时间压缩/拉伸 探讨更高级的运动设计，如何处理复杂的场景： 旋转镜头与失重感： 分析环绕式摄影（Orbit Shot）在表现庆祝、疯狂或空间错乱场景中的效果。 航拍与上帝视角： 探讨无人机和其他高空拍摄技术如何服务于宏大叙事，以及如何在宏大与微小之间进行平滑的运动过渡。 时间流逝的视觉表达： 结合高速摄影和慢动作，探讨运动节奏对感知时间长度的操纵，以及如何通过运动的突然停止来制造戏剧性的停顿。 第四部分：色彩与质感——情感的编码 色彩不仅仅是色调的统一，更是潜意识的情感编码系统。 第七章：色彩理论在电影中的实践 本书将电影色彩分为三大层面进行解析： 原生色彩（Source Color）： 场景中物体本身的固有色彩，以及如何通过选择美术指导（Set Decoration）来奠定基调。 照明色彩（Lighting Color）： 通过滤光片和光源选择实现的色彩倾向（例如，蓝色代表冷静，琥珀色代表怀旧）。 后期调色（Diopter Color）： 学习如何使用色彩分级（Color Grading）工具，在保持场景物理真实性的基础上，强化整体的情感主题。探讨互补色对比、单色调叙事以及色彩饱和度对画面信息密度的影响。 第八章：电影质感与纹理的呈现 质感（Texture）是光影和镜头的共同产物，它决定了画面的触感和历史感。 镜头选择对质感的强调： 分析长焦镜头如何压缩空间并柔化前景/背景，突出中间主体的细腻纹理；广角镜头如何夸大近处物体的粗粝感和细节。 胶片与数字的质感差异： 探讨胶片颗粒（Grain）在视觉叙事中的作用，以及数字后期如何模拟或创造特定的纹理效果（如磨损、雾化）。 运动与质感的交织： 讨论快速运动中，如何通过运动模糊来“模糊”不需要的细节，同时保持关键纹理的锐利性，从而引导观众的注意力。 结语：视觉语言的整合 本书的最终目标是教会读者，如何将光影、构图、运动和色彩这些看似独立的元素，有机地整合成一个服务于核心叙事目的的、和谐统一的“视觉语言”。真正的电影摄影艺术，在于对每一个视觉选择背后的“为什么”的深刻理解和精确执行。

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我是一个视觉学习者，对那些大段的文字描述非常不耐烦，但这本书的编排逻辑简直是我的救星。它大量使用“Before & After”（修改前与修改后）的对比图来阐述修改的要点。例如，在讲解如何绘制动态姿势时，它先展示了一个生硬的、失去平衡的初始草图，然后通过几条简单的修正箭头和线条的调整，立刻就让人物“活”了起来。这种直观的视觉冲击力，远胜过长篇累牍的文字说明“增加脊椎的S形曲线”之类的术语。我发现，很多我过去认为需要“天赋”才能掌握的技巧，在书中被拆解成了几个可执行的小步骤。这让我坚信，漫画创作并非遥不可及的神技，而是可以通过系统学习达成的技能。我甚至带着这本书去咖啡馆进行户外速写练习，书里的“抓形”技巧让我能在极短的时间内捕捉到人物的大致轮廓，效率提升非常明显。

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这本书简直是为我这种连火柴人都画不好的人量身定做的！我一直对漫画抱有极大的热情，梦想着自己也能创作出那种充满张力的故事和生动的人物，但每次打开画笔，面对空白的纸张，那种无从下手的恐慌感瞬间就能浇灭所有的热情。市面上很多教程都默认读者已经具备一定的绘画基础，上来就是复杂的透视和人体结构讲解，听得我云里雾里。然而，这本教材完全不同，它非常细致地从最最基础的部分讲起，像是手把手带着你认识画笔和纸张，告诉你如何正确地握笔，如何用最简单的线条勾勒出基本的几何形状。我特别欣赏它对“观察”的强调，作者没有急于让你去“画”，而是先教你如何“看”这个世界，如何将三维的现实世界转化为二维的画面。那种循序渐进的讲解方式，让我感觉每走一步都走得非常扎实，没有一步是多余的，也没有一步是跳跃太快的。我已经开始尝试书里教的那些基础练习了，虽然成果还很稚嫩，但那种“我正在进步”的感觉真的太棒了，极大地增强了我的自信心。

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我本来对“透视法”这个概念敬而远之，觉得那玩意儿是建筑师才需要掌握的高深学问，和我的漫画梦八竿子打不着。然而，这本书处理这个话题的方式彻底颠覆了我的看法。它没有直接抛出复杂的“消失点”理论，而是从一个非常生活化的场景——比如坐在桌子前画画——入手，让你体会到“近大远小”的自然规律。它用非常直观的方式解释了单点透视和两点透视的应用场景，并通过绘制一个简单的房间内部场景，让我们明白这些规则是如何帮助画面建立空间感的。最妙的是，它强调了“打破规则”的重要性，告诉你只有先熟练掌握了规则，才能在创作时有意识地去扭曲透视，以达到夸张或强调视觉焦点的艺术效果。这种“先建立，后打破”的教学思路，让我对看似枯燥的几何学产生了浓厚的兴趣，感觉自己不再是机械地套用公式，而是在用数学工具为我的想象力服务，这真是太棒了。

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这本书的叙事风格非常亲切，读起来就像是有一位经验丰富的漫画家朋友在旁边耐心地指导你。我最欣赏它在讲解过程中，经常穿插一些“过来人”的经验和“避坑指南”。比如，它会提醒初学者在尝试画长发时，千万不要一根一根地画头发丝，而是要把它当成一个整体的“块面”去处理，这一下子就解决了困扰我很久的“画头发像戴了假发”的问题。这种基于实战经验的建议，比那些纯理论的书籍要有效率高出百倍。而且，它对于工具的选择也给出了非常中肯的建议，没有一味地推销昂贵的设备，而是根据不同预算给出了可行性的方案，这对于还在摸索阶段的我来说，经济压力小了很多。总而言之，它教会我的不只是“如何画”，更重要的是“如何像个漫画家一样思考”，这种底层逻辑的建立，才是真正的价值所在。

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说实话，我过去也尝试过几本号称“零基础入门”的漫画书，结果发现它们要么内容浮于表面，讲了等于没讲，要么就是强行塞入大量理论知识，读起来枯燥乏味，根本无法激发学习的动力。这本《零基础学画漫画》给我的惊喜在于它的实用性和趣味性达到了一个完美的平衡。它的排版设计非常出色，大篇幅的彩图和步骤分解图清晰明了，完全没有那种传统教材的死板感觉。我尤其喜欢其中关于“表情捕捉”那一章节的讲解。作者没有仅仅停留在“画一个笑脸”的层面，而是深入剖析了构成情绪的关键点——眼睛的神态、嘴角上扬的角度、甚至脸颊肌肉的细微变化。通过对比不同情绪下的面部特写，我竟然能体会到原来画一个“惊讶”的表情远比我想象的要复杂，但也因此知道了如何避免画出“僵硬”的面孔。这种对细节的深入挖掘，对于希望创作有灵魂角色的我来说，简直是醍醐灌顶，让我对后续的创作充满了期待。

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很简单的一本书，适合零基础 小朋友

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很简单的一本书，适合零基础 小朋友

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很简单的一本书，适合零基础 小朋友

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