具体描述
From cinema's beginnings, the film image of the "Jew" has closely followed the fortunes and misfortunes of Jews. Analyzing more than 70 films made in the Soviet Union, Poland, Hungary, Czechoslovakia and the Czech Republic, East and West Germany, France, Italy, the United States, and Israel from 1920 to the 1990s, noted historian Omer Bartov argues that depictions of the "Jew" in film have been fed by, or have reacted to, certain stereotypical depictions of Jews arising from age-old prejudices. These images, in turn, both reflected public attitudes and helped to shape them. He points to Mel Gibson's film The Passion of the Christ as one of the most recent examples of the phenomenon. In trenchant discussions of individual films, Bartov develops four basic cinematic representations of the "Jew": as perpetrator (especially in antisemitic films), as victim (especially in films about the Holocaust), as hero (especially in films about the state of Israel), and as anti-hero (especially in films about the Arab-Israeli conflict). This absorbing book reveals the ways in which powerful images remained deeply embedded in the creative imagination, even as the circumstances that originally engendered them underwent profound changes. Bartov concludes that some of the fundamental prejudices about Jews, which predate cinema, persisted in cinematic depictions throughout the 20th century, although they have been reinterpreted according to changing political regimes, ideologies, and tastes. Covering a range of traditions and periods, The "Jew" in Cinema provides original and provocative interpretations that often contradict conventional views. Placing cinematic representations of the "Jew" within their historical context, Bartov demonstrates the powerful political, social, and cultural impact of these images on popular attitudes.
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用户评价
老实说，这本书的封面设计和书名其实有点误导性，它给人的感觉更像是一本聚焦于某个特定群体的文化符号分析集。但实际内容远比书名所暗示的要广阔和复杂得多。它更像是一本关于“电影中身份认同的构建与解构”的百科全书式的探讨。我发现作者在处理敏感议题时，展现出了极高的克制和学术风范，没有陷入简单的标签化或道德审判。他更专注于描述“如何被建构”和“为何被接受”的过程，而不是简单地评判“对”与“错”。特别是关于那些在不同历史时期被边缘化的电影创作者群体，是如何通过幕后工作来间接影响银幕形象的呈现，这部分内容提供了大量令人耳目一新的案例。全书的语言风格偏向于学院派，但得益于作者扎实的叙事功底，整体阅读下来并不会感到枯燥，更像是在进行一场高质量的学术对话。
评分说实话，我本来是抱着一种比较轻松的心态拿起这本书的，期待着能看到一些关于电影幕后八卦或者经典场景解析之类的内容，但很快我就发现我完全误判了。这本书的基调非常严肃，它更像是一部电影史学著作，而非影评集。我最欣赏的地方在于它对“观看”这一行为本身的解构。作者似乎对“观众”这个模糊的群体有着一套自己独特的定义和观察路径，他探讨了镜头语言是如何巧妙地塑造和引导我们的情感投射，以及这种引导在特定叙事语境下产生的社会效应。那些关于早期默片时代，演员面部表情的夸张与内敛之间的微妙平衡，被分析得入木三分。我尤其喜欢其中关于不同文化背景下，叙事节奏差异对观众接受度的影响这一章节，那种跨文化比较的视野，让这本书的格局一下子打开了。它让我开始留意那些平时容易忽略的、潜藏在电影画面之下的结构性力量。
评分这本书的叙事方式非常具有个人色彩，读起来有一种与作者并肩漫步在电影历史长廊中的感觉，他时而像一个热情洋溢的向导，指点江山，时而又像一个沉思的哲人，对某些现象提出深刻的质疑。我必须承认，全书的逻辑链条有时跳跃得比较大，有些地方的过渡显得有些仓促，这使得初次阅读的体验不算完全流畅。不过，正是这种略显“跳脱”的结构，反而营造出一种知识分子思绪奔涌的现场感。例如，在讨论到某位导演的创作转型期时，作者突然插入了一段关于当时制片厂制度瓦解的宏观分析，这种看似不相关的连接，最终却被证明是理解导演个人困境的关键钥匙。这种将微观的艺术分析与宏观的社会经济背景紧密编织在一起的能力，是这本书最值得称道之处。它不是在孤立地评价作品，而是在重构一个完整的时代切片。
评分我花了很长时间才消化完这本书，主要是因为作者的论证往往是多层次叠加的，你需要不断地在不同的分析维度之间切换。这本书最让我感到震撼的是它对“凝视”（gaze）理论的深入应用和拓展。它不仅分析了谁在看，更深入地探讨了“被看”的角色是如何反向作用于“观看者”的心态和期望的。在比较不同国家电影工业在处理特定主题上的手法差异时，作者的对比分析极为犀利，他清晰地指出了文化偏见是如何内嵌于电影制作流程的每一个环节，从选角到剪辑，无一幸免。这本书的参考书目简直是一座宝库，我已经列了好几份后续的阅读清单。对于任何严肃的电影研究者或者对文化权力结构感兴趣的读者来说，这绝对是一本具有里程碑意义的参考书，它提供了一个极其坚实的分析框架，足以支撑后续多年的独立研究和思考。
评分这部作品给我带来了极其深刻的思考，它不是那种快餐式的娱乐读物，而是需要你沉下心来，慢慢咀嚼才能体会其中滋味的学术力作。作者显然是花费了大量的精力去梳理和构建他心目中的那套理论框架。我特别欣赏的是他对论据的选取和铺陈，那种严谨到近乎吹毛求疵的考据态度，让人在阅读过程中完全被带入到一种探索真相的氛围中。书中的某些章节，尤其是在探讨特定历史时期电影制作的幕后运作时，那种细腻的笔触和对档案材料的精确引用，简直就像是为历史爱好者打开了一扇私密的后门。它迫使我重新审视了许多过去习以为常的银幕形象，那种被构建、被投射、再被接收的过程，远比我们想象的要复杂得多。尽管有些段落的专业术语密度稍高，需要偶尔停下来查阅资料，但这反而更凸显了作者的专业深度，它不是在迎合大众，而是在构建一个更具洞察力的视角。读完合上书的那一刻，我感觉自己的知识地图上被标记出了好几个新的、需要深度探索的区域。
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