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☆☆☆☆☆

出版者:Palgrave Macmillan

作者:Gunsberg, Maggie

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:2005-3

价格:$ 129.95

装帧:HRD

isbn号码:9780333751152

丛书系列:

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法国电影的百年流光：从默片到新浪潮的探索与革新 图书名称： 法国电影的百年流光：从默片到新浪潮的探索与革新 图书简介： 这部详尽的专著深入剖析了法国电影自诞生之初至20世纪60年代末的百年发展历程，聚焦于法国电影人如何在技术、艺术和社会变迁的浪潮中，不断进行自我革新与风格探索，最终确立其在世界电影史上的独特地位。本书不仅是对一系列重要电影作品的梳理，更是对支撑这些作品诞生的时代精神、哲学思潮以及电影工业结构的细致考察。 第一部分：萌芽与黄金年代（1895-1929） 第一章：光影的诞生与早期实验 法国，作为电影的发源地，其早期的探索充满了对媒介本质的好奇与科学精神的结合。本书首先追溯了卢米埃尔兄弟的“活动电影摄影机”如何将日常生活的瞬间凝固成影像，以及梅里爱如何凭借其魔术师的背景，将电影提升为一种叙事和视觉奇观的艺术。我们将探讨梅里爱的色彩运用、镜头替换技巧，以及他在科幻题材上的前瞻性布局。 第二章：默片时代的叙事成熟与风格分化 进入20世纪第二个十年，随着电影制作的工业化，法国电影开始寻求更深层次的叙事结构和美学表达。本章重点分析了路易·德吕克（Louis Delluc）等理论家对“影像本位主义”的倡导，强调电影应摆脱戏剧的束缚，回归到光影、运动和情感的直接捕捉。在此背景下，我们考察了如雅克·费代尔（Jacques Feyder）在历史题材和室内剧中的精湛技艺，以及早期的超现实主义萌芽——虽然尚处于地下状态，但其对潜意识的挖掘已为后来的先锋运动埋下伏笔。 第三章：先锋电影的哲学冲击：印象派与超现实主义 1920年代，法国电影迎来了其第一次美学高潮——“印象派电影”（L'École française d'avant-garde）。这不是一个统一的流派，而是一群电影艺术家对“纯粹电影”（Cinéma Pur）的追求。让·爱普斯坦（Jean Epstein）对“光线摄影”（Photogénie）的理论阐释，强调镜头如何揭示事物的内在本质，成为这一时期的核心议题。随后，布努埃尔（Luis Buñuel）和萨尔瓦多·达利（Salvador Dalí）合作的《一条安达鲁狗》则标志着超现实主义对理性秩序的彻底颠覆，其对梦境逻辑的直接搬演，挑战了观众对现实的认知边界。 第二部分：有声时代的挑战与重塑（1930-1945） 第四章：有声化的技术过渡与初期探索 有声电影的引入对法国电影工业构成了巨大冲击。本章分析了法国如何应对好莱坞的同步发音技术优势，以及早期的法语对白片是如何在保留默片时代视觉韵律的同时，融入声音的叙事功能。这一时期的导演，如雷内·克莱尔（René Clair），成功地将音乐、歌舞元素与对社会现实的讽刺巧妙结合，创作出如《百万法郎》这样的经典之作。 第五章：现实主义的诗意表达：伟大的传统（La Tradition Poétique） 1930年代中期，一批杰出的导演（让·雷诺阿、马赛尔·卡尔内、雅克·贝克）共同塑造了法国电影史上著名的“诗意现实主义”风格。这一流派的核心在于其对底层小人物命运的深切同情，场景往往设定在港口、酒吧等边缘地带，结局多是悲剧性的浪漫幻灭。马赛尔·卡尔内与编剧雅克·普雷维尔的合作，以其尖刻的对白和宿命感，成为这一美学高峰的代表。我们尤其深入分析了让·雷诺阿对景深镜头和移动镜头的大胆运用，预示着未来现代主义电影的技法。 第六章：战争阴影下的抵抗与逃逸 二战期间，法国电影工业陷入分裂。一方面，维希政府控制下的电影制作力求平庸化，以转移民众对时局的关注；另一方面，地下电影和流亡国外的导演，如让·雷诺阿在美国的创作，则成为文化抵抗的火种。本章探讨了法国电影制片体系在德军占领下的艰难维系，以及这种压力如何催生了后来对“纯粹电影语言”的迫切回归。 第三部分：战后重建与现代主义的孕育（1946-1958） 第七章：意大利新现实主义的回响与“品质电影”的对立 战后，法国影坛对意大利新现实主义的真实性与道德关怀深表赞赏。然而，占据主流的“品质电影”（Cinéma de Qualité）则倾向于投资高昂的文学改编和宏大叙事，这在一定程度上导致了电影语言的保守化。本章对比分析了法国电影人对“作者论”（Auteur Theory）的萌发——即认为导演应是作品的唯一作者——与当时制片体制之间的紧张关系。 第八章：克里蒂卡与理论的觉醒：卡希耶杜影院与《电影手册》 战后巴黎的知识分子群体，聚集于卢浮宫旁的卡希耶杜咖啡馆（Café du Cinéma），他们对好莱坞的类型片、欧洲的“品质电影”进行了无情的批判。本书详细梳理了安德烈·巴赞（André Bazin）奠定的现实主义美学基础，特别是他对“时间深度”和“多重焦点”景深镜头的推崇，反对蒙太奇对现实的过度干预。这些理论上的论战，为即将到来的革命积蓄了强大的理论势能。 第九章：早期作者的初步尝试 在理论成熟之前，一批年轻的导演已经开始在自己的作品中实践新的观念。如雅克·塔蒂（Jacques Tati）对语言的疏离和对声音景观的独特处理，以及罗贝尔·布莱松（Robert Bresson）对“偶然性”和“素人演员”的坚持，都显示出对传统叙事模式的偏离。 第四部分：新浪潮的爆发与革命（1958-1968） 第十章：从批评家到导演：新浪潮的诞生 1958年前后，以特吕弗（François Truffaut）、戈达尔（Jean-Luc Godard）、夏布洛（Claude Chabrol）、朗格鲁瓦（Henri Langlois）为核心的一代人，正式将他们的理论付诸实践。《四百击》、《精疲力尽》等影片的出现，标志着法国电影新浪潮（La Nouvelle Vague）的全面爆发。本章分析了新浪潮对传统制片厂制度的冲击，以及他们对“场面调度”（Mise-en-scène）的极端重视。 第十一章：叙事解构与电影语言的激进化 新浪潮的核心在于对电影语言的彻底“去中心化”：跳接（Jump Cuts）、即兴对白、手持摄影、直接对镜头讲话（Breaking the Fourth Wall）成为常态。戈达尔的作品尤其体现了对叙事完整性的故意破坏，以此来提醒观众他们正在观看的是“电影”这一人工制品。本书将详细解析新浪潮作品中对爵士乐、哲学文本和流行文化的引用，揭示其如何成为对僵化社会和传统美学的批判。 第十二章：新浪潮的后续影响与欧洲电影的呼应 新浪潮的影响迅速扩散至欧洲乃至全球。本章考察了新浪潮的“第二梯队”，如阿涅斯·瓦尔达（Agnès Varda）对女性视角和纪录片边界的探索，以及克里斯·马尔凯（Chris Marker）对时间、记忆和旅行的哲学思辨。最后，本书总结了新浪潮如何结束了法国电影在20世纪上半叶建立的“诗意传统”，开启了更加个人化、更具实验性的现代电影阶段。 结语：永恒的创新遗产 法国电影在百年间的不断自我审视与推翻重塑，使其成为世界电影艺术思想的永恒源泉。本书旨在为读者提供一个全面、深入且富有洞察力的视角，理解法国电影如何从技术的初级尝试，蜕变为深刻反思人类生存境遇和艺术可能性的强大媒介。

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我本以为这本《Italian Cinema》会是那种平铺直叙、枯燥乏味的学术梳理，毕竟涉及一个国家近百年的电影史，内容必然庞杂。然而，作者的叙事功力令人惊艳。他似乎有一种魔力，能将那些看似冰冷的历史事实和电影理论，转化成一个个鲜活的故事。比如他描述马斯楚安尼在《甜蜜的生活》中的那种迷惘与优雅时，那种文字的张力，仿佛能让你闻到罗马夏日午后的尘土味和香水味。这本书的结构安排也非常巧妙，不是简单地按时间轴推进，而是穿插了许多主题性的章节，比如“战争的伤痕与重建”、“对资产阶级的讽刺”等等，使得不同时期的作品之间产生了有趣的对话。对于初涉意大利电影的读者来说，它提供了一个极佳的入口，既有广度，又不失深度，让你既能了解那些“必看”的经典，也能发现一些被低估的遗珠。这本书绝对值得放在案头，随时翻阅品味。

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坦率地讲，这本书的排版和装帧确实非常精美，纸张的质感拿在手里就很舒服，但内容上的惊喜才是真正的核心。我最欣赏的是它对后新现实主义时期，尤其是那些“通俗化”倾向电影的处理方式。很多评论家喜欢贬低那些试图走向市场、娱乐大众的作品，但这本书却能挖掘出这些商业尝试背后依然存在的社会批判性和艺术追求。它提供了一个更全面、更宽容的视角来看待一个国家的电影发展轨迹，不搞“唯美学论”的傲慢。通过详尽的案例分析，我发现许多被我过去忽略的意大利喜剧片，原来暗藏了对社会阶层固化的辛辣嘲讽。这本书真正做到了“为历史立传”，它让意大利电影不再仅仅是几个大师的名字的堆砌，而是一个完整、有血有肉的文化生态系统。

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这本书的阅读体验非常“情绪化”。它不像很多电影史书籍那样保持一种超然的、旁观者的姿态。相反，作者的笔触中充满了对意大利电影人复杂情感的共鸣。当你读到关于二战后，那些导演们面对破碎的国家如何拿起摄影机，试图记录真实的痛苦和希望时，你会真切地感受到那种创作的紧迫感和道德责任感。文字的节奏感把握得极好，时而慷慨激昂，时而低沉内敛，与它所探讨的电影风格形成了完美的互文关系。我甚至能想象，如果我带着这本书去罗马或米兰的电影资料馆，它会是我最好的向导。它教会我的，不仅是“谁拍了什么”，更是“他们为什么那样拍”，以及“那对后世产生了什么涟漪”。这是一种浸入式的学习，让人觉得每一个章节都是一封写给黄金时代的深情情书。

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这本关于意大利电影的巨著，我实在挑不出什么毛病。从默片时代的先驱，到新现实主义的辉煌，再到后来的类型片探索，作者几乎是带着显微镜在审视每一个重要的转折点和代表人物。特别是对费里尼和安东尼奥尼的分析，简直是教科书级别的。那种对镜头语言的细致剖析，对光影哲学的深入挖掘，让人不得不停下来，重新回顾那些经典的片段。我尤其欣赏作者在处理意识形态变迁对电影创作影响时的那种平衡感，既不落入空洞的政治说教，又能清晰地勾勒出时代背景的脉络。它不是那种走马观花的导览手册，而是一部真正想让你沉浸其中，去理解意大利民族性格如何在光影中自我投射的深度研究。读完后，我感觉自己像是上了一堂为期数月的欧洲电影史大师课，视野被极大地拓宽了。唯一的遗憾，也许是篇幅过于厚重，需要投入大量的时间和精力去消化，但这份辛苦绝对是物超所值的。

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老实说，我购买这本书时，主要冲着那几张高清的剧照插页去的，本想着内容可能就是网上随便拼凑的评论集合。结果大跌眼镜！这本书的学术严谨性简直是变态级别的。引用的文献列表长得吓人，每一个论断都有据可查，让你不得不对作者的研究态度肃然起敬。它不仅仅关注那些奥斯卡获奖作品或者国际影展上的宠儿，对于那些在特定时期具有社会意义，但在国际上传播度不高的地区性电影，也给予了详尽的分析。我特别喜欢其中关于意大利恐怖片（Giallo）的章节，作者没有将其简单归类为B级片，而是深入探讨了其美学特点与社会潜意识的关联，这种打破常规的视角，让这本书的价值立刻提升了一个档次。如果你是一个想真正深入研究电影美学和文化背景的学者或者铁杆影迷，这本书的资料密度和分析深度是无可替代的。

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