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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Walters, Richard 编

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:1986-11

价格:$ 28.24

装帧:Pap

isbn号码:9780793524624

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浩瀚音符的殿堂：《键盘音乐的辉煌历程》 一部深入探索钢琴音乐发展脉络的权威著作 作者： [此处留空，或虚构一位音乐史学家] ISBN： [此处留空，或虚构一个编号] --- 卷首语：触键之思，时代之声 音乐，是时间的雕塑，而钢琴，无疑是现代音乐表达最为丰富、包容性最强的乐器之一。它从早期的羽管键琴与古钢琴发展而来，历经巴洛克时期的严谨与辉煌，穿越古典主义的清晰与和谐，沐浴浪漫主义的激情与幻想，直至二十世纪的破碎与重生。本书《键盘音乐的辉煌历程》旨在带领读者进行一次宏大而细致的溯源之旅，探究键盘音乐如何从宫廷与教堂的专属，演变为面向大众的艺术形式，并最终成为表现人类最复杂情感的载体。我们不满足于简单的曲目罗列，而是力求深入挖掘历史背景、社会思潮、技术革新以及作曲家个人哲思如何共同铸就了键盘音乐的壮丽景观。 第一部分：前奏与基石——巴洛克时期的键盘艺术 (约 1600-1750) 本部分将焦点投向欧洲键盘音乐的奠基时代。我们将考察羽管键琴（Harpsichord）和维吉尼亚琴（Virginal）在英国音乐中的独特地位，例如布尔克斯（Byrd）和吉布斯（Gibbons）如何将复调的精妙融入小型体裁，如前奏曲、托卡塔和舞曲组曲。 随后，视角转向意大利，研究意大利键盘音乐对即兴演奏和装饰手法的强调。重点分析多梅尼科·斯卡拉蒂（D. Scarlatti）的五百余首单乐章奏鸣曲，这些作品如何以惊人的技巧和富有想象力的和声语言，预示了古典主义的清晰结构。 篇幅最大的章节将留给巴洛克晚期的集大成者——约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J. S. Bach）。我们不仅深入剖析《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier）在调性系统确立中的革命性意义，探讨赋格曲（Fugue）作为一种逻辑与情感完美结合的典范，还将细致解读《哥德堡变奏曲》（Goldberg Variations）中蕴含的数学般严谨结构和深邃的冥想。此外，巴赫的托卡塔、组曲以及早期的管风琴作品（在钢琴上重构演奏的意义）也将被全面审视。 第二部分：秩序与情感的平衡——古典主义的曙光 (约 1750-1820) 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向清晰、平衡和歌唱性。本部分着重描述钢琴（Pianoforte）的诞生与普及如何改变了键盘音乐的特性。钢琴灵活的力度变化能力，取代了羽管键琴单一的音色，使得克莱门蒂（Clementi）和菲尔德（Field）等早期钢琴教育家得以发展出更具动态范围的演奏技法。 海顿（Haydn）被誉为“奏鸣曲之父”，我们将分析他如何构建了奏鸣曲式的基本框架，以及其作品中蕴含的机智幽默和对民间旋律的运用。 莫扎特（Mozart）的键盘作品，特别是他那些充满歌唱性的协奏曲（以钢琴独奏部分为重点分析对象）和奏鸣曲，体现了维也纳古典乐派的典雅与完美。本部分将特别关注莫扎特对“歌唱性”（Cantabile）在键盘上模仿人声的精湛处理。 第三部分：心灵的倾诉——浪漫主义的狂飙突进 (约 1820-1900) 浪漫主义是键盘音乐发展的黄金时代，钢琴成为表达个人情感、英雄主义、自然崇拜和民间传说的首选乐器。 贝多芬（Beethoven）作为连接古典与浪漫的桥梁，其后期三十余首奏鸣曲（尤其是《槌子键》、《月光》、《热情》）是本部分的核心。我们将分析贝多芬如何拓展了奏鸣曲的篇幅、深化了情感冲突，并利用钢琴的全部潜力来表达“崇高”（The Sublime）。 随后，我们将聚焦舒伯特（Schubert）的“即兴曲”（Impromptus）和“乐兴之时”（Moments Musicaux），探讨它们如何以精致的小品形式捕捉转瞬即逝的情感瞬间。 肖邦（Chopin）的作品被誉为“钢琴的莎士比亚”。本章将专门分析他对波兰民族精神的融入（马祖卡与波兰舞曲），以及他在夜曲、前奏曲和练习曲中开创的浪漫主义钢琴语汇——那无与伦比的和声色彩和触键的诗意。 李斯特（Liszt）的出现标志着钢琴演奏技巧达到了前所未有的巅峰。我们将探讨他如何通过“交响化”的练习曲和富有戏剧性的叙事曲，彻底解放了钢琴的表现力，并分析其对德彪西等后世作曲家的影响。 除了上述巨匠，勃拉姆斯（Brahms）对德文体系的坚守、舒曼（Schumann）作品中“面具人物”（Florestan and Eusebius）的心理剧，以及门德尔松（Mendelssohn）对优雅的回归，都将得到详尽的论述。 第四部分：色彩与解构——二十世纪至今的键盘新篇 (约 1900 至今) 进入新世纪，键盘音乐的焦点转向探索音色、节奏的重构以及对传统调性的突破。 德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）的印象主义作品，如何通过对踏板的精妙运用和对全音阶、五声音阶的运用，创造出流动的色彩和光影效果。我们将分析德彪西《前奏曲》中对听觉想象力的激发。 二十世纪中叶，作曲家们开始系统性地解构传统。勋伯格（Schoenberg）的十二音体系、巴托克（Bartók）对民间音乐的民族志式挖掘，以及德彪西之后的各种现代主义流派（如序列主义、随机音乐）是如何渗透到钢琴写作中的。 我们还将讨论美国作曲家约翰·凯奇（John Cage）及其对“意外”（Chance）的探索，特别是他对于“准备钢琴”（Prepared Piano）的开创性贡献，这彻底颠覆了人们对“钢琴音色”的固有认知。 最后，本书将展望当代键盘作品，包括极简主义（Minimalism）中重复模式的魅力，以及当代演奏家如何重新诠释巴赫与贝多芬的经典，使古老的作品焕发出新的生命力。 结语：永恒的对话 键盘音乐的历程，即是技术革新与人文精神交织的史诗。从手指的轻触到音符的爆发，从严谨的对位到自由的即兴，钢琴始终是时代精神最敏感的接收器和最响亮的发言者。本书旨在提供一个全面的地图，引导听者和演奏者在这些浩瀚的音符殿堂中，找到属于自己的那条探索之路。

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从价格和内容量的角度来看，这套书的性价比是惊人的。考虑到它所包含的曲目广度、纸张和装订的质量，以及版权授权的规范性，它的定价绝对是物超所值的。我对比了市面上其他几家主要出版社的类似版本，它们要么价格高昂但内容残缺，要么价格低廉但纸张薄如蝉翼，手感极差。这套书找到了一个绝佳的平衡点，它既能满足专业演奏者对细节的苛求，也能让普通的钢琴爱好者在日常练习中享受到愉悦的阅读体验。特别是对于那些需要经常背谱、反复翻阅的曲目，耐用性是第一位的，这套书的结实程度让我相信，它能陪伴我度过未来很多年的练习时光，经得起无数次翻折和指纹的考验。这是一笔对自身音乐学习质量的长期投资，而不是一笔可以轻易消耗掉的开支。

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作为一名严肃的古典音乐爱好者，我最关注的自然是乐谱的准确性和排版的易读性。这套乐谱在这两方面做得相当出色。所有的指法标记都非常精准，而且不是那种简单粗暴的覆盖式标注，而是巧妙地嵌入在音符之间，既提供了必要的指导，又不会让乐谱显得过于拥挤杂乱。尤其是在处理那些跨越多个八度的快速跑动时，编辑们似乎非常理解演奏者的视角，清晰地标记了换指的最佳时机。此外，休止符和重音记号的符号设计也比市面上很多版本更加规范和清晰，这对于辨识度极高的巴赫或贝多芬作品尤为重要，避免了在快速练习中因视觉疲劳而产生误判。我特别测试了几首早期作品中那些容易混淆的装饰音符处理，发现这里的处理是基于目前学术界主流的考证结果，而不是沿用陈旧的错误版本，这一点体现了编者的专业性和严谨态度。

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说实话，最初我购买这套书是抱着尝试的心态，毕竟市面上的“全集”往往名不副实，很多边缘或早期的小品常被略去。然而，这本《Complete Piano Music》的曲目覆盖范围之广，完全超出了我的预期。它不仅仅囊括了那些家喻户晓的奏鸣曲、变奏曲和组曲，更深入挖掘了一些鲜为人知的练习曲集、早期奏鸣曲草稿以及一些仅在手稿中流传的片段。我惊喜地发现了几首我从未在任何公开出版物上见过的早期练习曲，这些曲目虽然在艺术成就上可能不及晚期作品辉煌，但对于研究作曲家创作技法的演变，提供了极其宝贵的线索。这种全景式的收录方式，使得它不仅是一本演奏用书，更是一套极具研究价值的音乐文献。对于想要全面掌握这位作曲家钢琴作品脉络的学习者来说，它几乎是唯一的选择了。

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这本书的装帧设计实在太令人惊喜了。我拿到手的时候，首先被它沉甸甸的质感吸引住了，外壳采用的是那种哑光的硬纸板，摸上去有一种高级的布料感，长时间翻阅应该也不容易损坏。而且，在光线下看，书脊上的烫金字体非常精致，排列得井井有条，即便是那些不太为人知的奏鸣曲名字，也清晰可见，显示出出版方在细节上的用心。内页的纸张选择也颇为考究，不是那种刺眼的亮白，而是略带米色的护眼纸，这对于需要长时间盯着乐谱阅读的我来说，简直是福音。翻页时几乎听不到纸张摩擦的沙沙声，非常顺滑。装订方面，采用的是平摊式装订，这意味着无论我把书翻开到哪一页，它都能牢牢地平放在琴凳上，让我不用费力去按住书页，这在演奏复杂的对位段落时，极大地提升了练习效率。当然，如果能附赠一个可以磁吸固定的书签带就更完美了，不过瑕不掩瑜，整体的实体体验已经达到了收藏级的标准。

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这套乐谱的整体呈现给我一种非常“宁静”的感觉，这在练习那些需要高度专注力的音乐时至关重要。很多版本的排版倾向于将过多的信息塞进有限的页面空间，导致视觉上的压迫感，让人在开始练习前就感到紧张。但这里的版式设计非常大气、留白得体，曲谱的行距和字号调整得恰到好处，使得视觉焦点始终集中在音符本身，而不是周边的装饰性元素上。此外，各个乐章之间的过渡也处理得非常自然，页码的安排考虑到了不同演奏速度下的翻页需求，比如一些极慢乐章占据了整页，留下了足够的空间让演奏者在乐谱旁记录自己的呼吸和情感处理的笔记，而不显得拥挤。这种对演奏者心理状态的细致考量，使得每一次打开它进行练习，都像是一次与作者、与自我对话的平静过程，极大地提升了练习的专注力和艺术沉浸感。

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