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出版者:Yale Univ Pr

作者:Osborne, Charles

出品人:

页数:640

译者:

出版时间:2007-4

价格:$ 31.64

装帧:Pap

isbn号码:9780300123739

丛书系列:

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《歌剧爱好者的指南》 一本深入探索歌剧艺术、历史与实践的权威性著作 导言：跨越时代的舞台魔力 歌剧，这一融合了音乐、戏剧、诗歌、舞蹈和舞台美术的宏大艺术形式，自其诞生以来，便以其无与伦比的感染力和复杂性吸引着一代又一代的观众。它不仅仅是音乐的堆砌，更是人类情感最淋漓尽致的表达。《歌剧爱好者的指南》旨在为所有对歌剧抱有热忱的人士，提供一张全面、深入且引人入胜的地图，引领读者穿越数百年光影交错的歌剧史诗。 本书摒弃了传统的流水账式编年史叙述，转而采用主题式和分析性的结构，力求在清晰梳理历史脉络的同时，深刻剖析歌剧艺术的内在机制与美学特征。我们相信，真正的欣赏源于理解，而理解的深度决定了体验的广度。 --- 第一部分：歌剧的诞生与古典形态的奠基 第一章：起源的迷雾——从佛罗伦萨到早期巴洛克 本章追溯歌剧的哲学根源——文艺复兴晚期佛罗伦萨“ Camerata” 尝试复兴古希腊悲剧精神的努力。我们将细致考察斐迪南多·德·美第奇宫廷的艺术沙龙，重点分析雅各布·佩里（Jacopo Peri）和朱利奥·卡奇尼（Giulio Caccini）在《达芙妮》和《欧律狄刻》等早期作品中的创新，尤其是宣叙调（Recitative）的初步确立。 随后，我们将聚焦于克劳迪奥·蒙泰威尔第（Claudio Monteverdi）的里程碑式贡献。通过详尽分析《奥尔费奥》（L'Orfeo）中音乐叙事手法的成熟，探讨他如何将对白与旋律完美结合，并首次赋予管弦乐团以独立的情感表达能力。本章将深入探讨巴洛克歌剧早期的“结构化咏叹调”（Strophic Aria）与“大咏叹调”（Da Capo Aria）的曲式演变，及其在塑造人物内心世界中的核心作用。 第二章：那不勒斯学派的辉煌与“美声”的黄金时代 17 世纪末至 18 世纪中期，歌剧的中心转移至那不勒斯，这一时期诞生了被称为“正歌剧”（Opera Seria）的成熟体裁。本章将重点研究亚历山德罗·斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti）对咏叹调结构的规范化，以及后来法里内利（Farinelli）等“阉人歌手”（Castrati）所代表的演唱技术巅峰。 我们对“美声唱法”（Bel Canto）的理论基础进行深入剖析，解释其对气息控制、音准、装饰音（Coloratura）和音色纯净度的极致追求。同时，本章也批判性地探讨了那不勒斯正歌剧在叙事上日趋程式化、情节僵化的倾向，为下一章中改革的出现埋下伏笔。 --- 第二部分：改革的浪潮与浪漫主义的激情 第三章：格鲁克的改革——回归戏剧的本质 克里斯托夫·维利巴尔德·格鲁克（Christoph Willibald Gluck）对歌剧形式的革新是歌剧史上一次关键的“文艺复兴”。本章将细致研究格鲁克在《奥尔费奥与欧律狄刻》（Orfeo ed Euridice）中提出的“素雅的音乐”（Musique simple et noble）理念。 我们将分析格鲁克如何削弱了过于炫技的咏叹调的地位，强化合唱团的作用，并使管弦乐的前奏和间奏直接为戏剧冲突服务。探讨的重点在于“行动的音乐”（Music of Action）与“沉思的音乐”（Music of Reflection）之间的平衡，以及他对神话题材进行道德寓言化处理的深刻意图。 第四章：意大利的浪漫交响——罗西尼、贝利尼与多尼采蒂 19 世纪初，意大利歌剧重新回到对抒情性与炫技的追求，但注入了更为强烈的浪漫主义色彩。本章深入考察了“美声”风格在这一时期的继承与发展。 罗西尼（Rossini）： 分析其迅疾的节奏感、机智的对白处理（如《塞维利亚的理发师》）以及对宏大场面（如《威廉·泰尔》）的掌控力。 贝利尼（Bellini）： 聚焦其对长线条旋律（Long-breathed Melodies）的运用，尤其是在《诺尔玛》（Norma）中对人物内心矛盾的抒情性刻画。 多尼采蒂（Donizetti）： 探讨其在正歌剧与喜歌剧间的游刃有余，以及对“疯癫场景”（Mad Scene）的戏剧性深化（如《拉美莫尔的露琪亚》）。 --- 第三部分：威尔第与瓦格纳的对决：德奥与意国的巅峰 第五章：朱塞佩·威尔第——意大利民族精神的颂歌 朱塞佩·威尔第（Giuseppe Verdi）被誉为意大利歌剧的灵魂人物。本章将系统性地梳理其创作生涯的三个阶段：早期（如《纳布科》对解放的渴望）、中期（如《弄臣》、《茶花女》对人性的深刻挖掘）和晚期（如《奥赛罗》、《福斯塔夫》中对音乐戏剧的终极探索）。 重点分析威尔第如何通过对“重唱”（Ensemble Pieces）的革命性处理，实现群像的复杂交织，以及他对“场景”（Scena）结构的不拘一格的创新，使音乐始终紧密贴合戏剧的高潮与转折。 第六章：理查德·瓦格纳——“乐剧”的哲学与建筑 理查德·瓦格纳（Richard Wagner）的理论与实践彻底改变了西方音乐的走向。本章将详尽阐释其“乐剧”（Musikdrama）的核心概念，包括： 1. “总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）： 探讨音乐、文本、舞台、戏剧意图的融合。 2. “主导动机”（Leitmotif）： 详细分析其在《尼伯龙根的指环》中如何作为音乐的“潜意识”，引导叙事和揭示人物隐藏的情感。 3. “无尽旋律”（Endless Melody）： 研究其如何打破传统咏叹调的束缚，创造出持续、流动的音乐织体。 此外，我们还将探讨瓦格纳的拜罗伊特节日剧院的建筑哲学，以及其对后世作曲家的深远影响。 --- 第四部分：世纪之交的探索与现代歌剧的多元化 第七章：法兰西的优雅与现实主义——从古诺到比才 本章考察 19 世纪中后期法国歌剧的独特美学。首先是“正歌剧”（Grand Opéra）的宏大叙事（如梅耶贝尔的作品），随后过渡到更注重情感细腻描写的“抒情歌剧”（Opéra Lyrique）。 重点分析夏尔·古诺（Charles Gounod）的宗教情怀和对法国浪漫主义的贡献。核心篇幅将留给乔治·比才（Georges Bizet）的《卡门》（Carmen），探讨其如何以西班牙风情为背景，成功塑造了对传统道德观念的挑战者形象，以及对意大利“真实主义”（Verismo）的先驱作用。 第八章：真实主义的冲击——普契尼的抒情悲剧 贾科莫·普契尼（Giacomo Puccini）是承接威尔第、迈向 20 世纪的关键人物。本章专注于“真实主义歌剧”（Verismo），探讨其对日常情感、社会底层人物悲剧命运的关注。 通过分析《波希米亚人》、《托斯卡》和《蝴蝶夫人》等杰作，我们将解析普契尼精湛的管弦乐配器技巧——如何用音乐烘托气氛、营造悬念，以及他处理“旋律的即时性”，使旋律仿佛是人物脱口而出的内心独白，实现了情感表达的极致瞬间爆发。 第九章：德语世界的后浪漫与革新 本章关注理查德·施特劳斯（Richard Strauss）的地位。解析其早期的抒情作品（如《莎乐美》）中对瓦格纳传统的继承，以及在《玫瑰骑士》中对莫扎特古典体裁的借鉴与融合。探讨施特劳斯如何利用极其复杂和庞大的管弦乐队，来描绘极端心理状态与复杂的社会讽刺。 同时，我们将触及古斯塔夫·马勒（Gustav Mahler）的歌曲循环在歌剧结构影响下的特殊地位。 --- 第五部分：理解与欣赏的实践工具 第十章：歌剧的语言与“套曲结构” 本章是为初学者提供的实用手册。我们将解析歌剧中的基本音乐类型：宣叙调（区分具说性与咏叙性）、咏叹调（区分抒情性、炫技性与场景性）、重唱与合唱。 同时，对德语歌剧中常见的“导机主题（Motif）”与意大利歌剧中常见的“固定终曲（Finale）”的结构差异进行对比说明，帮助读者识别音乐如何驱动情节发展。 第十一章：舞台的“幕后”——导演、舞美与诠释的自由 歌剧的生命力在于舞台呈现。本章探讨了歌剧制作中的核心角色： 导演的权力： 从传统的“忠于原作”到“前卫重构”的争论（Regietheater）。 舞美设计： 考察布景、灯光、服装如何服务于特定的时代背景和戏剧主题。 版本选择： 探讨同一部作品在不同历史时期和不同艺术家的手中，可能产生的巨大差异性与魅力所在。 结语：永恒的舞台——展望未来 歌剧从未停止发展。本书最后将简要概述 20 世纪中后期至今的现代歌剧实践，包括勋伯格的十二音体系尝试、布里顿（Britten）对新古典主义的回归，以及当代作曲家在电子音乐和跨文化融合中的探索，以此激励读者保持开放的心态，迎接歌剧艺术的下一个百年篇章。 附录：歌剧术语速查表、重要歌剧院历史简览

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这部作品的音韵之美，简直像是被施了魔法一般，每一个字词的跳跃都带着舞台灯光下丝绸般的光泽。我本来以为这会是一本枯燥的乐理解析，或者充其量是历史资料的堆砌，但它完全超出了我的预期。作者对于歌剧角色内心世界的捕捉，细腻得令人心惊。读到那些关于女高音咏叹调高潮部分的描写时，我仿佛真的能听到空气中颤动的声波，皮肤上甚至泛起了鸡皮疙瘩。尤其是对“悲剧性弧线”的探讨，绝非教科书式的分析，而是融入了一种深刻的人文关怀。他没有仅仅停留在音高和音色的技术层面，而是深入挖掘了作曲家在创作特定段落时所经历的情感风暴。比如，某一段哭腔的渐强处理，书中描绘的那种“将破碎的心脏碾磨成最纯净的乐音”的比喻，让我久久不能释怀。它让我想起多年前在米兰斯卡拉歌剧院看《茶花女》时，那个瞬间的震撼，那种音乐直接穿透了理性防线，直达灵魂深处的体验。这本书成功地将冰冷的乐谱转化成了有血有肉的戏剧体验，即便是对歌剧不甚了解的新手，也能感受到其中蕴含的巨大情感能量。它更像是一位资深歌剧迷，在你耳边低语，分享他多年来对舞台魅力的痴迷与理解，而不是一本高高在上的学术著作。

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坦白说，最初我被书名吸引，以为这是一本面向“入门级”爱好者的实用指南，期待能找到“如何选择第一个歌剧院”、“如何分辨男中音和男高音”之类的基础知识。然而，这本书的深度和广度远超这种设想。它更像是一部献给“老饕”的饕餮盛宴，里面充满了大量只有长期浸淫其中才能体会到的行家术语和典故，虽然对新手稍有门槛，但一旦被其独特的魅力捕获，便会发现自己被带入了一个全新的、更深邃的领域。特别是关于“次要角色”命运的章节，这个角度非常新颖。作者花了大量篇幅去挖掘那些经常被忽略的配角——那些侍女、信使或者小贵族——他们在剧中的音乐功能和象征意义。这种对“边缘叙事”的关注，极大地丰富了歌剧的解读维度。我仿佛突然明白了，歌剧的伟大不仅在于主角的辉煌，更在于那些烘托光芒的、沉默的背景。它教会我，真正的欣赏，是将目光从聚光灯下移开，投射到舞台的每一个角落，去聆听那里的细微和声。

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这本书的语言风格，简直像极了一位才华横溢的剧作家在为自己的作品写“导演阐述”。它充满了强烈的个人色彩和近乎哲学的思辨，读起来让人有一种与作者进行深度对话的错觉。作者对于“寂静”在歌剧中的作用的分析，尤其让我感到震撼。他认为，歌剧中的休止符（rests）与音符本身一样重要，是戏剧张力的真正蓄水池。他用了极具画面感的语言描述了一场关键对白结束后的“停顿”，那种“连空气都在等待下一声呼吸的窒息感”，比起任何激烈的唱段都更具穿透力。这种对“非声音元素”的关注，体现了作者超越一般乐评人的敏锐洞察力。此外，书中对“声音的物理性”和“情感的非理性传递”之间的辩证关系进行了探讨，讨论了声带振动如何转化为观众内心的巨大情感波动，这部分内容具有很强的启发性，甚至可以应用到其他表演艺术领域。整本书读下来，感觉不仅仅是充实了歌剧知识，更像是经历了一场智力与情感的双重洗礼，让人对艺术的本质有了更深一层的敬畏。

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我必须指出，本书在文化背景的阐述上做得极为深入，它超越了单纯的艺术评论范畴，触及到了歌剧艺术诞生的社会土壤。作者没有将歌剧视为孤立的艺术形式，而是将其置于十九世纪欧洲社会变革、民族主义兴起乃至工业革命的宏大背景下进行剖析。例如，对于瓦格纳作品中日耳曼神话的运用，书中详细考据了当时普鲁士的政治气候如何潜移默化地影响了其史诗般的宏大构思。这种社会学视角的引入，使得那些曾经觉得遥不可及的宏大叙事变得可以被理解、被感知。更令人称道的是，作者在处理地域性差异时表现出的审慎和尊重。他详细对比了意大利美声学派与德奥学派在处理“德语的歌唱性”与“意大利语的旋律性”时的核心矛盾，论述清晰有力，绝无偏袒。这种平衡的论述方式，让读者能够构建一个多维度的世界观，明白歌剧艺术的丰富性正是源于其文化根基的多元共存。读完之后，再听那些耳熟能详的咏叹调，我的脑海中浮现出的不再只是舞台上的华服，而是背后那些复杂的历史暗流。

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这本书的排版设计简直是一场视觉上的小型歌剧。装帧的厚重感和内页纸张的微黄处理，营造出一种古典而又值得珍藏的氛围。我尤其欣赏其中穿插的一些罕见的剧照和手稿复印件，那些黑白影像中定格的表情，仿佛有魔力，能瞬间将你拉回百年前的某个首演之夜。作者在叙事节奏的把握上也显示出非凡的功力。他并没有采取严格的编年史顺序，而是像一位技艺高超的指挥家，时而快板般地切入一个特定剧目的幕后轶事，时而又慢板般地沉浸于某个歌唱家的艺术生涯巅峰。这种非线性叙事结构，使得阅读过程充满了探索的乐趣，每一次翻页都像打开了一个新的道具箱。比如，其中有一章专门讨论了不同时代对同一部歌剧舞台服装的诠释差异，这种跨越时空的对比分析，极大地拓宽了我对“经典重塑”的理解。它让我意识到，歌剧的生命力恰恰在于其不断被解读、被重新演绎的过程，而不是被僵化地供奉起来。对于热衷于收集稀有版本资料的爱好者来说，这本书提供的视觉和触觉体验本身就是一种享受，远超普通平装书所能给予的满足感。

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