The G. Schirmer Collection of American Art Song pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Walters, Richard 编

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:2008-3

价格:$ 28.19

装帧:Pap

isbn号码:9780634084355

丛书系列:

图书标签:

• 艺术歌曲
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美国艺术歌曲精选集：二十世纪的先声与回响 一部深入探讨美国艺术歌曲在二十世纪早期至中期的发展历程、风格变迁及其文化意义的权威性研究。本书致力于发掘那些在主流视野中常被忽略，却对美国声乐文学的形成与繁荣起到了关键性作用的作曲家及其作品。 --- 第一部分：黎明前的探索——民族主义的萌芽与欧洲传统的张力（1900-1925） 本卷聚焦于二十世纪初，美国作曲家如何挣脱欧洲古典乐派的强大阴影，试图在本土文化中寻找属于自己的音乐语言。这一时期，艺术歌曲（Art Song）作为一种小型、亲密的室内乐形式，成为了实验新颖和声、自由旋律以及本土题材的最佳载体。 章节一：新英格兰的田园牧歌与波士顿乐派的遗产 探讨了在波士顿音乐圈内，作曲家们如何将英式抒情诗与受勃拉姆斯、沃尔夫影响的浪漫主义和声相结合。重点分析了以霍雷斯·帕克（Horatio Parker）的学生辈为代表的群体，他们尝试在严格的对位法框架内注入美国式的叙事感。此阶段的作品往往偏爱对自然景物和新英格兰历史的描绘，旋律优美但结构相对保守。我们细致考察了早期版本中对歌词与音乐结合的尝试，尤其是在处理美国本土作家的文本时，其语汇选择的微妙变化。 章节二：探寻“美国之声”：从民间素材到严肃艺术的嫁接 本章深入剖析了作曲家们对美国本土音乐资源的初步汲取。这并非指后来的爵士或布鲁斯影响，而是对早期民谣、印第安旋律（受斯通·怀特等早期民族主义者影响）的提炼与“艺术化”处理。通过对欧内斯特·布洛赫（Ernest Bloch）早期作品中那些带有强烈地方色彩的歌曲分析，揭示了将原始素材升华为严肃艺术的复杂过程。同时，也评述了这一时期，词作家与曲作家之间合作的松散状态，许多杰出的诗歌未能及时获得重要的音乐诠释。 章节三：欧洲留学潮的回流与印象主义的涟漪 分析了大量旅欧归来的作曲家，如查尔斯·艾夫斯（Charles Ives）的早期作品（而非其成熟期的实验作品），他们如何将法国印象派（如德彪西）的和声色彩和织体处理，移植到美国本土的诗歌之上。重点讨论了在这一过渡期，歌曲的“清晰度”与“氛围营造”之间的矛盾，以及艾夫斯如何通过模糊的调性中心来预示未来风格的转变。 --- 第二部分：跨越鸿沟——现代主义的冲击与风格的多元化（1925-1945） 两次世界大战之间，美国社会经历剧变，艺术歌曲也随之进入了一个更为多元、更具实验性的阶段。作曲家们开始积极拥抱欧洲现代主义的成果，并将其与美国特定的社会现实相结合。 章节四：进步的节奏与清晰的叙事：格什温的跨界影响 本章重点探讨了乔治·格什温（George Gershwin）的歌曲创作，特别是那些虽然起源于音乐剧，却因其成熟的结构和对美国口语的精准捕捉，而被纳入艺术歌曲范畴的作品。分析其如何成功地在布雷特·哈特和多萝西·帕克等作家的歌词中，找到了既有爵士乐根基又符合传统声乐美学的表现方式。这部分内容细致区分了“音乐剧歌曲”与“艺术歌曲”的界限在当时语境下的模糊性。 章节五：新古典主义的回归与结构化的严谨 聚焦于一批拒绝彻底实验，但又力求摆脱晚期浪漫主义泥沼的作曲家。沃尔特·皮斯顿（Walter Piston）和道格拉斯·摩尔（Douglas Moore）等人的歌曲，展现了清晰的、新古典主义的结构感。他们的作品往往结构工整，旋律线清晰可辨，是对当时过度碎片化音乐倾向的一种平衡回应。本章着重分析了他们如何使用较为传统的曲式（如三段体）来承载更为现代的和声语言。 章节六：对美国戏剧文本的深度挖掘 在这一时期，美国剧作家和诗人的崛起为歌曲创作提供了丰富的“本土剧本”。本章关注了那些将目光投向美国历史事件、西部传说以及移民经历的作曲家。例如，对约翰·奥尔德姆（John Alden Carpenter）后期作品中对美国工业化景观的音乐描绘，以及对亚历山大·希尔文斯基（Alexander Tcherepnin）（虽然是俄裔，但在美活动颇多）对美国文学文本的独特诠释的探讨。这标志着艺术歌曲开始承担起更具社会历史意义的表达功能。 --- 第三部分：战后的反思与声音的解放（1945-1960） 二战结束后，美国音乐界开始更自信地面对世界舞台。艺术歌曲开始展现出更强烈的个人主义倾向，并在技巧和表现力上达到了新的高度。 章节七：十二音体系与无调性在声乐中的实践 本部分探讨了阿诺德·勋伯格和安东·韦伯恩的十二音技法对美国作曲家的渗透。然而，与欧洲纯粹的序列主义不同，本章强调的是美国作曲家如何“选择性地”使用这些技巧，将其融入到对更具情感张力的文本（如艾米莉·狄金森的诗歌）的诠释中。分析了在无调性背景下，作曲家如何维持人声旋律的可唱性和戏剧性。 章节八：诗歌与音乐的真正融合：对语气的极致捕捉 本书的最后一部分，将焦点放在了那些在歌曲创作中达到了“完美平衡”的艺术家身上。他们不再是简单地为诗歌配乐，而是通过音乐的起伏、重音和音色变化，揭示了诗歌中隐藏的心理层面。深入分析了在这一时期涌现出的那些对人声技巧要求极高、同时又极具内心力量的作品，它们预示了六十年代后现代主义艺术歌曲的复杂性，但仍保持着二十世纪中期对清晰表达的追求。 --- 本书的特色与贡献： 本书侧重于对二十世纪上半叶至中叶的美国艺术歌曲进行系统梳理，尤其关注那些在“欧洲影响”与“本土特色”的张力中寻求突破的作品。它不仅仅是一份作品目录，更是对一个国家在寻求艺术身份认同过程中，声乐文学所扮演角色的深度考察。书中收录了大量原始文献的引用，并对早期录音版本进行了声学分析，旨在为研究者和演唱者提供一个全面、详尽且具备批判性的参考框架。本书不涉及后来的极简主义或后结构主义时期的歌曲创作，而是聚焦于“现代主义美国艺术歌曲”的奠基与成熟阶段。

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这本书的选曲范围令人惊喜，它远超出了传统教科书上经常提到的那几位“常青树”作曲家。我发现其中收录了不少在音乐史的边缘徘徊的作曲家的作品，例如那些在特定地区享有盛誉，却未能在全国范围内获得广泛认可的音乐家。这使得整部作品集更具全景式的历史视野，展现了美国艺术歌曲创作的多元与丰富。更重要的是，编者在选择曲目时，似乎非常注重“演唱性”与“音乐性”的平衡。有些歌曲的钢琴伴奏部分复杂到令人咋舌，极具挑战性，但同时，它们又完美地捕捉到了歌词的韵律和情绪，即便是纯粹的文本阅读，也能感受到旋律的张力。我尤其喜欢其中收录的一些基于W. B. Yeats和Robert Frost诗歌的早期作品，它们在保持德奥美声传统的同时，又融入了一种特有的清冷和内敛的美国式情感表达，这种微妙的平衡感，是很多其他选集难以企及的。

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从实用性的角度来看，这本书对于演唱者和钢琴伴奏者来说，简直是一座金矿。我主要关注的是那些随附的伴奏谱的清晰度和准确性。通常情况下，这类合集为了节省成本，常常会使用低质量的复印件，导致很多细微的力度记号和指法提示模糊不清。然而，这本《G. Schirmer 合集》的乐谱部分，即使是那些古早的印版，其清晰度也高得惊人。钢琴声部的复杂度和层次感被完美地保留了下来，尤其是在处理那些需要高度合作的二重奏段落时，每一个和弦的铺陈、每一个节奏的推进都清晰可见。我试奏了几首难度较大的曲目，发现钢琴声部的记谱准确无误，没有出现那种让人在演奏中途不得不停下来纠正错误的低级失误。对于任何一位准备在音乐会上呈现美国艺术歌曲的艺术家而言，这种高度的可靠性是至关重要的，它极大地减少了排练中的不确定性，让我们可以更专注于艺术表达本身。

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深入阅读之后，我发现这本书的引言部分简直是为严肃的音乐学者量身定做的“开胃菜”。作者没有采用那种枯燥的流水账式的编年体叙事，而是巧妙地运用了对比和映衬的手法，将19世纪末到20世纪中叶美国艺术歌曲的发展脉络，置于欧洲美声传统与本土民间叙事张力的交汇点上进行剖析。他对于“美国性”在声乐作品中如何被建构和解构的探讨，尤其精妙。我记得有一段分析，将早期作曲家对田园牧歌式的描绘与后来爵士乐和布鲁斯元素融入声乐曲目的演变进行了横向对比，这种跨越风格藩篱的洞察力，极大地拓宽了我对美国艺术歌曲边界的认知。书中引用的那些音乐学文献的注释系统也做得极为扎实，每一处关键论点都有据可查，这对于我后续进行深入研究时，无疑提供了坚实的学术支撑。总体而言，这本书的学术基调把握得极为精准，它既是对历史的忠实记录，更是一种富有批判精神的艺术评论，而非仅仅是简单的作品汇编。

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这本书的整体编排结构，似乎是经过了精心设计的，旨在引导读者进行一种“沉浸式”的探索体验，而非简单的资料查阅。每一组曲目或作曲家条目之后，往往会附带一小段非常精炼的“背景注解”，这些注解不是冗长的传记，而是聚焦于该组作品在特定历史时期所扮演的角色，或者作曲家在创作该系列时所面临的文化冲击。这种“小切口、深挖掘”的叙事手法，非常适合当代读者快节奏的阅读习惯，同时又保证了信息的密度。我发现，这种结构鼓励我不断地进行“横向阅读”——读完某个作曲家的作品后，会立刻被引导去翻阅另一位风格迥异的作曲家的相关评论，从而在脑海中构建起一张动态的、相互影响的美国音乐网络图。它不仅仅是一本“书”，更像是一个精心策划的“数字策展体验”的实体版本，让历史的碎片以一种富有逻辑和美感的方式重新组合起来，非常耐人寻味。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种深沉的墨绿色配上烫金的标题，立刻就给人一种庄重而典雅的感觉。我是在一家老式的独立书店里偶然发现它的，当时它静静地躺在“美国音乐史”那一栏的书架上，与其他那些平装本形成了鲜明的对比。拿到手上，那种厚重感和纸张的质地就让人心生敬畏，仿佛触摸到了时光的纹理。我立刻被它那种沉淀了历史的厚重感所吸引，迫不及待地翻开了扉页。内页的排版非常考究，字体选择既保证了清晰度，又带着一丝复古的味道，让人在阅读时仿佛能听到一百年前作曲家在钢琴旁沉思的声音。特别是那些早期作品的乐谱扫描件，虽然有些边缘已经泛黄，但那种手稿的气息扑面而来，简直是无价之宝。这本书的装帧工艺无疑是顶级的，每一个细节都透露出对内容本身的尊重与珍视，而不是那种粗制滥造、追求快速周转的商业气息。仅仅是作为一件艺术品摆在我的书架上，它就已经值回票价了，更别提它所承载的那些珍贵音乐遗产了。我花了整整一个下午，只是在书房里细细端详它的外在美学，尚未深入到内容本身，就已经被深深地折服了。

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