The Andre Hodeir Jazz Reader

The Andre Hodeir Jazz Reader pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:Univ of Michigan Pr
作者:Hodeir, Andre/ Pautrot, Jean-Louis
出品人:
页数:320
译者:
出版时间:2006-2
价格:$ 84.75
装帧:HRD
isbn号码:9780472098835
丛书系列:
图书标签:
  • 爵士乐
  • 音乐史
  • 音乐评论
  • 安德烈·奥德伊
  • 爵士乐理论
  • 音乐文化
  • 法国音乐
  • 音乐家
  • 爵士乐分析
  • 音乐文学
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具体描述

First trained as a violinist, then as a composer, Andre Hodeir began writing about jazz in the 1940s. As editor-in-chief of the French magazine "Jazz Hot," he was an early proponent of bebop and its practitioners, Charlie Parker and Dizzy Gillespie. "Downbeat" called Hodeir's first compilation of jazz writings, " Jazz: Its Evolution and Essence," "the best analytical book on jazz ever written," and Martin Williams named it and Hodeir's second book, "Toward Jazz," "two of the most important critical works ever written on the subject." While Hodeir's ideas sparked widespread debate, his study of jazz improvisation and his use of music theory shed new light on the intricacies of jazz composition and arrangement and helped launch a new era of jazz criticism. This new volume, which collects pieces from Hodeir's three books of jazz writings-and one new essay never before published in English-will introduce Hodeir to a new generation of jazz enthusiasts and scholars alike, and prove his work to be as relevant today as when he wrote it. Jean-Louis Pautrot's introduction to the book, and his preface to each piece, helps put Hodeir's work in its proper context. Andre Hodeir, born in Paris in 1921, is a musical composer, critic, and novelist. He is best known for his studies of jazz, which influenced jazz criticism on both sides of the Atlantic and around the world. A native of France, Jean-Louis J. Pautrot teaches contemporary French literature, film, and culture at Saint Louis University, where he also directs the film studies program. He is the author of" La Musique Oubliee," a psychoanalytical approach to music in the novels of Sartre, Vian, Proust, and Duras.

好的,这是一本关于爵士乐历史与理论的深入探讨,名为《爵士乐的脉络与和声:从蓝调根源到自由即兴的演变》。 《爵士乐的脉络与和声:从蓝调根源到自由即兴的演变》 导言:爵士乐的诞生与时代精神 爵士乐,这一诞生于美国新奥尔良的独特艺术形式,不仅仅是一种音乐流派,更是二十世纪美国社会变迁、种族融合与个人表达的缩影。本书旨在带领读者穿越时空,系统梳理爵士乐自其萌芽、发展直至爆炸性创新的漫长历程。我们将从蓝调的深沉根基、拉格泰姆的活泼节奏中探寻其源头,理解二十世纪初的社会环境如何催生了这种前所未有的音乐语言。 爵士乐的精髓在于即兴、摇摆(Swing)以及对和声的独特处理。它是在特定历史背景下,非裔美国人文化与欧洲音乐传统碰撞出的火花。本书将聚焦于那些奠定爵士乐基础的关键人物和关键时刻,展示音乐家们如何利用有限的资源,创造出无限的音乐可能性。我们不仅关注音乐的“听感”,更深入剖析其背后的文化逻辑与技术构建。 第一部分:根基的建立——新奥尔良与早期摇摆 第一章:蓝调的低语与拉格泰姆的步调 爵士乐的血脉源于非洲的节奏模式与欧洲的乐器配置。本章将详细考察蓝调(Blues)在结构、情感表达和即兴传统中的核心地位。蓝调的十二小节结构及其独特的“蓝调音符”(Blue Notes)如何渗透到后来的爵士乐所有分支中,是理解其情感深度的关键。同时,我们将审视拉格泰姆(Ragtime)——特别是斯科特·乔普林(Scott Joplin)的作品——如何为爵士乐带来了精确的、切分的节奏感,并将其与即兴创作区分开来,为后来的大乐队风格奠定框架。 第二章:新奥尔良的熔炉:集体即兴的诞生 新奥尔良,这个充满多元文化的港口城市,是爵士乐的摇篮。我们探讨了在“故事城”(Storyville)等地的娱乐场所中,早期爵士乐队是如何运作的。这里的关键特征是“集体即兴”(Collective Improvisation),即小号(或短号)演奏主旋律,单簧管进行高音装饰,长号提供低音和和声支撑,而鼓和贝斯则负责节奏框架。本章将分析巴迪·博尔登(Buddy Bolden)等先驱者的传说,以及金·奥利弗(King Oliver)乐队中展现出的早期布鲁斯乐队的组织形式。 第三章:大乐队时代的来临:摇摆乐的黄金十年 随着爵士乐向芝加哥、纽约等北方大都市迁移,乐队规模逐渐扩大,音乐的编排也日益复杂。摇摆乐(Swing Era)的兴起,标志着爵士乐首次成为美国主流流行音乐。本章深入分析本尼·古德曼(Benny Goodman)、杜克·艾灵顿(Duke Ellington)和卡伯·凯洛威(Cab Calloway)等领军人物的贡献。我们将解析大乐队的“AABA”标准曲式结构,以及“对位段”(Call and Response)在编曲中的应用。重点探讨了摇摆节奏的物理学——那种既稳定又充满弹性、令人无法抗拒的律动是如何通过精确的乐器分工实现的。 第二部分:和声的革命与即兴的深化 第四章:从摇摆到波普的过渡:节奏的解放 二十世纪四十年代初,年轻的音乐家们对摇摆乐的过度商业化和固定编排感到不满,他们渴望更复杂的表达方式和更高的技术挑战。本部分聚焦于波普(Bebop)的诞生。查理·帕克(Charlie Parker)和迪兹·吉莱斯皮(Dizzy Gillespie)如何通过提高演奏速度、引入远距离和声进行、以及更加碎片化的旋律线条,彻底改变了爵士乐的语言。本章详细分析了波普乐句的构建,特别是其对和弦内音和外音(Tensions)的重新定义,以及如何将原本用于伴奏的和弦进行转化为即兴的主题。 第五章:冷爵士与酷派的内敛:情绪的调色板 作为对波普激烈性的回应,冷爵士(Cool Jazz)在五十年代初兴起,尤其是在西海岸。麦尔斯·戴维斯(Miles Davis)的早期作品和莱斯特·杨(Lester Young)的影响力是本章的核心。冷爵士强调更柔和的音色、更克制的动态,以及对室内乐编曲技巧的借鉴。我们将对比分析波普的“热烈”与冷爵士的“冷静”,探讨其背后的哲学差异,特别是对于旋律线条的线性发展而非垂直和声的侧重。 第六章:硬波普的回归:根源与技术融合 硬波普(Hard Bop)是对冷爵士“过于学术化”的反动,它重新强调了福音音乐(Gospel)和蓝调的情感张力与节奏力度。阿特·布莱基与爵士信使(Art Blakey & The Jazz Messengers)是这一流派的代表。本章深入探讨硬波普如何保持波普的复杂和声,同时回归到更具灵魂感和叙事性的音乐表达上。我们将分析其节奏部分的强化,以及对布鲁斯和放克(Funk)元素的吸收。 第三部分:边界的拓展与未来的回响 第七章:调式爵士的宁静空间 五十年代末期,调式爵士(Modal Jazz)的出现,标志着爵士乐对传统功能和声的又一次重大突破。麦尔斯·戴维斯的《Kind of Blue》是里程碑式的作品。本章详细解析了调式爵士的核心原理:从基于快速和弦转换的即兴,转向在单一或少数几个调式音阶上长时间停留,从而创造出更为广阔、冥想式的音乐空间。这要求即兴演奏者从音符选择的复杂性转向音色、节奏细微差别和动机发展的深度探索。 第八章:自由即兴的解放与先锋探索 自由爵士(Free Jazz)或称前卫爵士(Avant-garde Jazz),是爵士乐中最具争议也最富实验性的阶段。奥奈特·科尔曼(Ornette Coleman)和约翰·柯川(John Coltrane)后期的作品是分析的重点。本章探讨音乐家们如何系统地打破所有既定规则——无固定调性、无固定和声进行、无固定节拍。我们将分析这种“声音景观”的构建逻辑,理解这种音乐对社会和政治语境的强烈呼应,以及它如何挑战听众对于“音乐结构”的传统认知。 第九章:融合与跨界:爵士乐的当代形态 进入七十年代,爵士乐开始大规模地与摇滚乐、放克、电子乐等元素结合,催生了融合爵士(Fusion)。赫比·汉考克(Herbie Hancock)和气象乐队(Weather Report)的工作展示了如何将电声乐器、复杂的节奏模式与爵士乐的即兴精神相结合。本章最后将展望后融合时代,爵士乐在当代世界音乐、嘻哈采样以及数字技术影响下的持续演变,论证爵士乐作为一种开放的、不断自我更新的艺术形式的生命力。 结语:永恒的对话 爵士乐的历史是一部关于创新、反叛与重塑的史诗。本书通过对和声语言的细致解读和对历史脉络的梳理,旨在为读者提供一个全面、深入的理解框架,使听众不仅能欣赏爵士乐的动人旋律,更能理解其内在的结构逻辑与文化意义。爵士乐的对话从未停止,它仍在继续书写着属于我们这个时代的乐章。

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读后感

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用户评价

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这本书最让我感到惊喜的地方,在于它对“乐手个体声音”的捕捉能力,简直达到了出神入化的地步。作者对于不同乐手的音色特点有着近乎偏执的敏感度。他能用非常形象的比喻来描绘出特有的音质——比如,某位小号手的音色被形容为“像是在阳光下的黄铜,带着一丝微不可察的沙哑”,而另一位钢琴家的触键则被描述为“如同在丝绸上轻轻滑动的冰块,精确而冰冷”。这种文字描绘能力,成功地弥合了纯文字与听觉艺术之间的巨大鸿沟。通过他的描述,我重新审视了那些我自认为已经非常熟悉的录音,仿佛是第一次戴上高清眼镜去观看一样,每一个细微的情感波动和技巧处理都变得清晰可见。这种对“声音指纹”的深度挖掘,是这本书最具个性和生命力的部分。不过,这种高度主观化的描述也意味着,它带有强烈的作者个人倾向。有些读者可能会发现,自己对某位乐手的理解与作者的描述产生了冲突,这在所难免。但即便如此,这本书提供了一套极具启发性的分析工具和词汇库,帮助我们更有效地去尝试表达那些难以言喻的音乐感受。它教会我的,是如何更敏锐地倾听。

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阅读这本书的过程,对我来说更像是一场关于“文化语境”的深入田野调查。作者不仅仅是在谈论音符和技巧,他似乎更热衷于将爵士乐置于其诞生的社会土壤中进行考察。他深入挖掘了禁酒令时期地下酒吧的生存哲学,探讨了种族隔离政策如何影响了乐手们的创作心态与表演风格,甚至细致描述了录音室技术在不同年代如何塑造了音乐最终呈现的面貌。让我印象深刻的是他对战后欧洲爵士乐场景的描述,那份在废墟中重建艺术的激情与迷茫,被作者描绘得淋漓尽致,让人读来感慨万千。这种宏大的叙事视角,使得这本书的厚度远超了一般的音乐评论。它迫使你思考:音乐是如何成为特定时代和群体的声音的?然而,这种对历史背景的过度侧重,有时会稍微稀释了对核心音乐内容的关注。在某些章节,理论分析的篇幅被大量的历史背景资料所占据,虽然这些资料本身很有价值,但对于那些只想深入钻研演奏技巧的读者来说,可能会觉得有些冗余。总而言之,如果你想通过这本书理解爵士乐“为什么是这样”,而不仅仅是“它是什么”,那么这本书的价值是无可替代的。

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这本书的结构布局非常独特,它似乎故意避开了传统的时间线叙事,而是选择了一种主题化、碎片化的组织方式。你可以从任何一章开始读,却不会感到迷失方向,因为每一部分都是一个相对独立而完整的论述单元。这种非线性叙事策略,恰恰反映了爵士乐本身那种即兴、多层次的本质。比如,书中有一章专门探讨“静默在节奏构建中的作用”,这绝不是一般乐评会关注的焦点。作者通过大量案例分析,展示了大师们是如何利用休止符来增强张力,或者如何在看似平淡的演奏中,通过短暂的空白来突出下一个音符的冲击力。这种对“负空间”的深刻洞察,极大地拓宽了我对音乐表现力的理解。然而,这种结构也意味着你需要自己在大脑中搭建起知识的桥梁。你不能指望作者帮你把所有线索串联起来,更多的时候,你需要依靠自己已有的知识储备去进行联想和归纳。这本书更像是提供了一堆高品质的积木,而如何搭建最终的宏伟蓝图,则取决于读者的主动性。我发现自己经常需要在阅读时,频繁地切换到播放器,对照着文字去验证那些抽象的理论,这种互动式的阅读体验,反而让我对书中的观点信服度更高。

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老实说,这本书的文字密度高得惊人,它更像是一部高度浓缩的学术论著,而非大众意义上的“读物”。如果期待的是那种轻松愉悦、带你“入门”的口吻,那你可能会失望。这本书的语言风格极其克制和精准,充满了音乐理论术语,每一个句子都像被精确计算过,旨在最大化信息承载量。例如,它在分析特定的和声进行时,会毫不犹豫地引用复杂的乐理术语,要求读者具备一定的音乐基础,否则阅读过程会变得异常艰涩。我个人认为,这本书的真正价值在于它为专业人士提供了一个重新审视自己知识体系的平台。我尤其喜欢它对特定流派内部细微差别的区分,比如在讨论冷爵士(Cool Jazz)时,它能清晰地勾勒出东西海岸风格在音色选择和节奏处理上的哲学差异,这种层层递进的剖析,令人叹为观止。但同时,这种学术化的严谨性也带来了一个副作用:情感的疏离感。它像一台精密的仪器,冷静地解剖音乐的结构,却很少流露出作者个人的狂热或偏爱,读者更多的是在进行智力上的攀登,而非情感上的共鸣。对于初次接触爵士乐的人来说,这本书可能会像一座难以逾越的高山,但对于那些已经深耕多年的乐迷或学者而言,它无疑是一份不可多得的宝贵财富,提供了一个更深、更具辨识度的视角。

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这本书简直是音乐鉴赏的饕餮盛宴,我花了整整一个周末才勉强啃完,但每一次翻阅都像是踏入了一个全新的听觉宇宙。作者对爵士乐历史的梳理细致入微,绝不仅仅是罗列年代和人物,而是将音乐的演变脉络描绘得如同史诗般宏大。他擅长捕捉那些稍纵即逝的演奏细节,比如某个萨克斯手在即兴段落中,如何巧妙地运用半音阶来制造紧张感,或者某个低音提琴手如何在传统节拍中埋下微妙的切分音,让整个乐队的律动发生奇妙的化学反应。读起来,我仿佛能听到那些黑胶唱片上细微的电流声和乐器的呼吸声。对于那些习惯了碎片化信息吸收的现代读者来说,这本书的深度可能会带来一些挑战,因为它要求你全身心地投入,去理解和感受音乐背后的文化张力和艺术追求。更让我欣赏的是,作者在评论那些公认的“大师”时,丝毫没有陷入盲目的崇拜,而是保持了一种批判性的眼光,指出他们创新之处的同时,也毫不留情地剖析了他们作品中可能存在的局限性或重复性,这种平衡感,让整本书的论述显得既有温度又不失专业锐度。它不是一本用来快速通读的指南,更像是一本值得反复摩挲、每次都能从中提炼出新领悟的案头书。每次读完一个章节,我都会立刻放下书,去重温那些被提及的经典录音,那种“书本中的声音与真实声音的重叠”体验,是其他任何音乐评论都难以企及的。

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