Grateful Dead Gear pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Transition Vendor

作者:Jackson, Blair

出品人:

页数:300

译者:

出版时间:2006-11

价格:$ 39.54

装帧:Pap

isbn号码:9780879308933

丛书系列:

图书标签:

• Grateful Dead
• 摇滚乐
• 音乐
• 乐队
• 文化
• 历史
• 艺术
• 收藏品
• 周边商品
• 音乐会

经典摇滚的舞台进化：舞台设计、灯光与音响技术（1965-1985） 本书聚焦于二十世纪六七十年代至八十年代中期，摇滚乐在舞台技术层面所经历的革命性飞跃。我们深入探讨了如何从早期的简陋布置，发展到构建出具有高度沉浸感和视觉冲击力的现场体验。 --- 第一章：从车库到体育场：空间需求的演变 1960年代中期，随着迷幻摇滚和后来的硬摇滚的兴起，乐队的规模和影响力迅速扩大。最初，演出场地多为小型音乐厅、大学礼堂或酒吧。此时的舞台设计极为基础：一个高起的平台，一些简单的返听音箱，以及可能由乐队成员自己搭建的背景布景。 本章详细剖析了这一转变的驱动力。大型体育场和露天音乐节的出现，对舞台的承重能力、视野遮挡以及后勤保障提出了前所未有的挑战。我们考察了早期巡演管理者和舞台设计师如何应对这些技术难题，例如如何快速搭建和拆卸大型结构，以及如何确保在广阔的户外环境中声音的均匀覆盖。 重点研究了诸如“伍德斯托克”（Woodstock）和“阿姆斯特朗音乐节”（Monterey Pop Festival）等标志性事件的舞台结构。通过详尽的平面图和当时的施工照片，读者可以直观地了解，一个能容纳数万观众的临时舞台，其地基、脚手架和安全规范是如何被逐步确立和完善的。我们特别分析了早期舞台木材的选择、防滑处理以及如何整合临时供电系统，以满足日益增长的设备需求。 第二章：光影的叙事：舞台照明技术的革命 如果说早期的摇滚演出主要依靠自然光或单调的白炽灯，那么从1970年代初开始，灯光开始成为表演不可或缺的一部分。灯光不再仅仅是照明工具，它成为了情感的放大器和叙事媒介。 本章深入介绍了“灯光设计师”这一新兴职业的诞生及其早期实践。我们详细对比了白炽灯、卤素灯到后来的气体放电灯（如PAR灯和聚光灯）的演进。特别关注了摇头灯（Moving Head Lights）在1980年代初的初步应用及其对舞台视觉动态的颠覆性影响。 书中包含对几种关键照明技术的深入解析： 1. 追光系统（Follow Spots）： 早期如何手动操作，如何通过增加操作员数量和提高操作精度，确保焦点始终锁定在主唱或独奏乐手身上。 2. 颜色与效果： 迷幻灯光秀（Light Shows）的发展，如何使用液体投影仪（Lava Lamps和Oil Wheels）创造出流动的、迷幻的视觉纹理，这些纹理与音乐的即兴演奏完美融合。 3. 灯光编程的萌芽： 介绍早期的机械式调光台（Resistance Dimmers）和简单的预设开关系统，这些系统如何为后来的计算机控制奠定了基础。我们考察了灯光设计师如何通过“灯光编程表”（Light Cue Sheets）来同步灯光变化与音乐的特定段落。 第三章：听觉的重塑：音响系统的集成与保真度 摇滚乐的音量需求是推动音响技术进步的核心动力。在没有专业大型PA系统的年代，乐队往往需要依靠场地原有的公共广播系统，效果往往是失真、低沉且不平衡。 本书核心部分探讨了“线阵列”（Line Array）概念出现之前的音响设计哲学——即“堆叠式系统”（Stacking Systems）。我们详细分析了早期大型功放和箱体设计的特点。例如，如何通过堆叠巨大的低音炮（Subwoofers）来制造足够的声压级（SPL），以及如何通过精确调整高频和中频喇叭的角度，来尝试覆盖观众席的不同区域。 我们深入研究了对音质影响至深的几个关键组件： 功放技术： 从笨重的晶体管功放到更高效的固态电子元件的应用，如何使得系统在保持大功率输出的同时，重量得以控制。 混音台的进化： 从早期的四轨、八轨调音台，到可以处理多路输入和分组输出的模拟调音台。重点分析了早期均衡器（EQ）和混响单元如何被用于塑造舞台声音的“现场感”。 返听的艺术（Monitoring）： 早期返听（Wedge Monitors）如何通过倾斜角度和功率分配，解决乐手听不清自己或队友声音的难题。我们还对比了舞台侧返听（Side Fills）与主扩声系统的平衡策略。 通过对1970年代巡演技术规格表的分析，读者可以了解一个顶级摇滚乐团的音响系统在当时是如何被配置的，包括麦克风的选择、布线拓扑结构以及现场调音师的工作流程。 第四章：幕后革命：技术人员的专业化与后勤挑战 舞台技术的复杂化催生了专业技术团队的诞生。本章关注的是那些在聚光灯之外工作的人员：舞台经理、音响工程师、灯光程序员和卡车司机。 我们探讨了“技术契约”（Rider）的起源。随着乐队名气的增长，他们开始对场地提出详细的技术要求清单。这迫使场地和推广人必须在技术标准上进行投资，否则将无法承办大型演出。 后勤学是本章的另一重点。大型巡演的物流管理，如何将数百箱设备安全、及时地从一个城市运送到另一个城市。我们研究了早期的集装箱化运输实践、卡车编队管理，以及如何设计易于装载的定制设备箱（Road Cases），确保设备在运输过程中的抗震和防盗保护。 此外，书中还描述了早期巡演中“一体化”工作模式的瓦解——即音响、灯光和舞台结构人员开始分离，形成专业分工，这极大地提高了效率和安全性。 结语：通往现代演出的桥梁 本书旨在清晰地描绘出1965年至1985年间，摇滚乐舞台技术如何完成从“业余爱好”到“工业化”的质变。这些早期的创新和妥协，奠定了今天所有大型现场演出的技术基石。它不仅仅是一部设备史，更是一部关于激情、工程智慧和不懈追求完美现场体验的人类奋斗史。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

坦白说，如果你只是一个想找几张酷炫吉他照片的普通摇滚乐迷，这本书可能会让你感到有点“过载”。它不仅仅是“Gear Book”，更像是一本“摇滚乐技术工程手册”。我花了整整一个周末，才算勉强消化了其中的三分之一，因为每一页的文字密度都非常高，充满了技术术语和特定的硬件名称缩写，需要经常查阅附录或者在网上做额外的功课来理解它们在特定时代的意义。比如，书中对特定年份SS-50功放的内部电容更换对音色造成的细微影响的讨论，已经到了近乎学院派研究的严谨程度。但正是这种不妥协的深度，让这本书具备了长久的价值。它不是那种看完就束之高阁的“一次性读物”，而是那种需要被反复翻阅，每次都能从中发现新细节的工具书。对我而言，它提供了一个前所未有的窗口，让我得以一窥那群音乐怪才是如何用这些精密的、有时甚至是原始的工具，搭建起那个不断流动的、充满生命力的迷幻世界。这是一份献给所有痴迷于“声音的物理构成”的硬核乐迷的珍贵礼物。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验是极其有层次感的，它并非是按照时间顺序机械地罗列设备，而是采取了一种主题性的划分，这非常适合那些已经对乐队有一定的了解，并希望进行深度挖掘的乐迷。例如，它会将所有关于“Bass Tone”（贝斯音色）的探索集中在一起，从Les Claypool时代的早期尝试，到Phil Lesh标志性的“Wall of Sound”（声音之墙）的构建，再到后期对数字处理的谨慎接入，形成了一个完整的技术哲学发展脉络。这种梳理方式的优势在于，它允许读者根据自己的兴趣点，在不同的“技术流派”中穿梭。我个人对他们的PA系统（公共广播系统）的历史演变特别感兴趣，这本书详细讲解了他们如何从早期的简单配置，逐步发展到那个著名的、以声音投射距离和均匀性著称的“Wall of Sound”，以及后来因为技术进步和巡演便利性所做的妥协与创新。阅读过程中，我常常停下来，试图在脑海中重构那个声音的画面，仿佛能听到那低频的震动和高频的清澈穿透空气的感觉。它成功地将那些抽象的声学概念，通过具体的硬件设备具象化了。

评分☆☆☆☆☆

这张厚厚的图册，光是捧在手里就能感受到一种沉甸甸的历史感，封面的设计很复古，那种带着磨损感的字体和照片组合，一下子就把我拉回了六十年代末加州那片充满迷幻色彩的土地。我本来就是那种对音乐周边、尤其是老牌乐队的装备细节有着偏执研究的乐迷，所以当我翻开这本《Grateful Dead Gear》时，那种满足感简直无以言表。它不是那种浅尝辄止的“明星同款”罗列，而是深入到每一个旋钮、每一块木板、甚至每一根连接线上，去剖析那些音色是如何被塑造出来的。比如，关于Jerry Garcia那把标志性的“Wolf”吉他，书里竟然详细描绘了不同时期琴体的木材选择、拾音器（Pickups）的型号迭代，甚至连他偏爱的音箱头（Amplifier Head）的功率和箱体（Cabinet）的配置变化，都有图有真相地进行了对比分析。这些资料的详实程度，远超出了我过去在任何其他Dead文献中看到的记载，让人不禁感叹，这背后的考据工作量是多么惊人，简直就是一份摇滚乐技术档案级的圣经。我尤其欣赏作者没有局限于Garcia，而是花了大量的篇幅去解读Bob Weir和Phil Lesh的设备，那种对整个乐队声音结构层次的立体呈现，让人对Dead的现场声响有了全新的理解。

评分☆☆☆☆☆

我带着一种近乎朝圣的心态打开了这本关于“死之周边”的宝典，说实话，最初我对它的期待值是设定在一个比较高的水平，毕竟“Grateful Dead”这个名字本身就承载了太多神话色彩。但真正沉浸进去之后，我发现这本书的价值远超出了单纯的“器材展示”。它更像是一部关于“实验与演变”的视觉人类学报告。Dead的音乐之所以难以被简单定义，很大程度上就在于他们现场的即兴性和设备上的不断调试。这本书巧妙地捕捉到了这一点，它不仅仅是“What they used”，更重要的是“Why they used it”。书中对特定演出场合下设备调整的描述，比如在大型体育场和小型剧院里，他们如何根据空间声学特点来调整混音台（Mixing Console）的配置，简直是教科书级别的案例。我记得有一章专门讨论了他们对效果器踏板（Effects Pedals）的狂热使用，那不是简单的失真或哇音，而是创造出那些飘渺、延绵不绝的声场空间感的关键。作者用了大量的篇幅去展示那些老式模拟效果器的内部电路图，这种对“声音制造过程”的尊重和深入挖掘，让这本书摆脱了普通发烧友读物的肤浅，上升到了艺术创作工具论的高度。

评分☆☆☆☆☆

说句实在话，这册书的装帧和排版设计，完全配得上它所记录的主题——那种自由不羁又带着一丝迷幻的复古美学。拿到手时，我就被那种厚实的纸张质感和色彩还原度给震住了。很多照片都是我从未在公开场合见过的，它们不是那种经过过度修饰的商业宣传照，而是带着现场汗水和舞台灯光残影的“原始记录”。更让我惊喜的是，书中对那些非主流的、几乎快要被遗忘的辅助设备，比如早期的数字采样器、定制的接口设备，甚至是他们巡演卡车里的简易维修工具，都有着细致入微的描绘。这让整本书读起来不像是一本官方传记，更像是一个经验丰富、脾气古怪的巡演技术人员留下的私密日志。我甚至可以想象，那些设备工程师在那些漫长的巡演夜晚，是如何在昏暗的灯光下，用螺丝刀和万用表，一点点将这些冰冷的金属和线路，打造成了能承载数万人灵魂共振的乐器。这种“幕后英雄”视角的切入点，给了我一个全新的维度去理解Grateful Dead的音乐生命力。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆