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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Hamburger, David

出品人:

页数:72

译者:

出版时间:

价格:0.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9781890490386

丛书系列:

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音乐理论与和声深入探索 书名：和声之径：从巴洛克到现代的音乐语汇 简介： 《和声之径：从巴洛克到现代的音乐语汇》是一部旨在为音乐学习者、演奏家和作曲家提供全面而深入的和声学知识体系的专著。本书超越了传统和声教学中对基本规则的罗列，致力于构建一个连贯、富有历史深度且面向未来的和声思维框架。 全书共分为五个主要部分，逻辑层层递进，既适合作为高等音乐院校的教材，也适合有一定音乐基础的自学者系统性地梳理和提升理论素养。 --- 第一部分：根基的构建——古典和声的再审视 本部分着重于对西方音乐传统和声语言的精确把握，但不局限于死板的“对位练习”模式。我们将以巴赫和莫扎特的实践为例，深入探讨功能和声的内在逻辑。 一、音高体系与调性结构： 探讨十二平均律的物理基础，以及大调和小调的心理声学效应。详细分析调式（Modal）与调性（Tonal）之间的张力与转换，而非简单地将其视为两个独立的系统。 二、和弦的构建与功能分析： 深入解析三和弦、七和弦以及九和弦的内声部配置。重点在于理解“功能”（Tonic, Subdominant, Dominant）如何在不同的音乐语境中产生细微的色彩变化。例如，对次属和弦（Secondary Dominants）的运用，不仅仅是将其视为导向目标和弦的工具，更是探讨其在早期浪漫主义音乐中如何预示情绪的转折。 三、连接与解决的艺术： 传统和声的连接规则被置于“流畅性”和“音乐动机”的语境下讨论。我们着重分析连续的终止式（Cadences）如何构建乐段的呼吸感，以及如何通过变音（Chromaticism）打破僵硬的终止结构，为进入下一阶段的复杂和声做铺垫。 四、声部的独立性与织体： 借鉴对位法思想，阐释在四部和声中，声部进行如何影响和弦的听觉感知。探讨如何通过声部的高低起伏和音域的分配，优化和弦的透明度和厚度。 --- 第二部分：边界的拓展——浪漫主义的色彩与张力 进入19世纪，音乐家开始挑战传统功能和声的界限。本部分聚焦于如何利用和声手段表达更复杂、更具个性的情感表达。 一、远关系转调与调性模糊： 分析李斯特、瓦格纳等人如何通过远关系和弦（如借用和弦、等音异名和弦）实现看似“不合理”却充满戏剧张力的转调。着重讨论“和弦本身的美学价值”如何超越其功能性。 二、半音化与色彩和弦： 深入研究减七和弦（Diminished Seventh Chord）在推动戏剧冲突中的多重功能性（其模糊的属七本质），以及增六和弦（Augmented Sixth Chords）在连接调性上的巧妙机制。本章将大量引用德彪西早期作品中对色彩和弦的探索性使用。 三、固定音型与循环和声： 探讨如帕格尼尼主题变奏中对特定和声进行（Pedal Point）的长期运用，以及舒曼作品中“徘徊不定”的和声进行，这些如何创造出一种持续的、难以解决的心理状态。 --- 第三部分：革命性的视角——印象主义与无功能和声的兴起 20世纪的开端标志着对传统和声框架的彻底颠覆。本部分引导读者理解为何以及如何摆脱调性的束缚。 一、模态和声的回归与再塑： 探讨德彪西和拉威尔如何从民歌和异域音乐中汲取灵感，重新激活中世纪调式。重点分析“调式自由”（Modal Freedom）的应用，即和弦在缺乏明确主导音的情况下，依然能构建出完整的听觉图像。 二、平行和弦与“音响块”（Blocks of Sound）： 分析平行五度、平行和弦进行（如德彪西的《亚麻色头发的少女》）在听觉上带来的“平面化”效果。探讨这种处理方式如何将和声从“时间轴上的运动”转变为“空间中的色彩布局”。 三、非功能性结构与非传统和弦： 详尽介绍“九和弦之上”的和声体系，如十一和弦、十三和弦的实际运用。解析全音阶（Whole-Tone Scale）和布鲁斯音阶如何直接生成结构性的和弦，这些和弦在功能上是“悬浮”的，其意义在于音响本身。 --- 第四部分：严谨的逻辑——序列主义与十二音体系 本部分转向对结构性控制的追求，介绍勋伯格开创的十二音作曲法，以及其内在的严密逻辑。 一、序列的生成与操作： 详细讲解“音列”（Series）的建立、反演（Inversion）、逆行（Retrograde）以及逆行反演（Retrograde Inversion）的矩阵构建。这不是简单的数学游戏，而是对音高关系进行预先设定的艺术方法。 二、序列中的和声含义： 分析如何通过音列的垂直组合（Verticalization）生成具有内在统一性的“无调性”和弦组。探讨如何平衡序列的“可听性”与“结构完整性”。 三、点彩主义与序列的分解： 讨论韦伯恩（Webern）如何将音列的片段化处理，使其在时间和空间上被分离，从而创造出极简而精确的音乐织体。 --- 第五部分：现代视角的整合——爵士与流行和声的语汇 最后一部分将理论应用于当代音乐实践，展示和声学的演变和跨界融合。 一、爵士和声的深入： 不仅仅是“七和弦的延伸”。本书详细分析Bebop到Post-Bop的演变，重点剖析“和弦内音替代”（Chord Substitution）、“和弦外音”（Tension Notes，如升九、降五）的选择与解决，以及和声即兴中的“色彩模态化”（Modal Interchange in Improvisation）。 二、功能对等与替代： 探讨如何在流行音乐的常见和弦进行中，利用更复杂的和声语言（如借用调式的属七和弦）进行“升级”。 三、开放式和声与音响设计： 讨论当代电影配乐和氛围音乐中，如何运用非功能性的、扩展的和弦（如添加了大量色彩音的宽广和弦）来营造宏大或内省的声场，将和声学从“进行”的概念扩展到“声景”的构建。 --- 本书特色： 案例驱动： 每一个理论点都配有详尽的乐谱分析，涵盖从古典到当代的数百个经典范例。 思维导向： 强调“为什么”（Why）而非仅仅是“怎么做”（How），培养读者对和声现象的深层洞察力。 跨学科视野： 将心理声学、物理学概念融入传统和声的解释，提供更具说服力的理论支撑。 《和声之径》旨在帮助读者跨越理论与创作之间的鸿沟，使和声不再是约束创作的规则，而是激发无限可能性的强大工具。

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从结构上来说，这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范，它成功地在“结构化学习”和“自由探索”之间找到了完美的平衡点。前三分之一专注于基本功的建立，如正确的握持姿势、基础音阶的滑奏练习，以及最重要的——如何避免“刮擦”的噪音，这部分处理得极其到位，对于任何想避免养成坏习惯的学习者都是宝贵的财富。但真正让我感到惊喜的是，书中穿插了大量不同风格的乐曲片段分析。它没有直接给出完整的歌曲，而是选取了不同音乐流派（从布鲁斯到乡村，再到一些融合爵士的片段）中最具代表性的滑奏片段进行拆解。例如，在分析一个布鲁斯片段时，作者会特别标注出哪里应该使用更重的压力制造“哭泣”的音色，哪里又需要轻盈地滑过，营造出飘忽不定的感觉。更妙的是，这些片段的难度跨度很大，让我可以根据自己的当前水平选择合适的练习材料，而不是被一套固定的、可能过难或过简单的教材推着走。这种“模块化”的学习设计，极大地增强了学习的自主性和乐趣，我甚至可以根据自己的喜好，挑选感兴趣的流派片段进行重点攻克，而不必被线性叙事束缚。

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阅读这本书的过程，更像是一次与一位拥有丰富现场经验的音乐家的对话。作者在讲解理论和技巧的同时，总是会不经意间透露出一些“台前幕后”的经验之谈，这些看似随笔的叙述，其实包含了大量的实践智慧。比如，在谈到如何在现场演出中快速调整滑棒音准时，作者分享了他个人使用“耳朵记忆法”来校准滑棒位置的窍门，以及如何通过轻微改变滑棒与琴弦的接触角度来微调音高，这都是在普通教材里绝对找不到的“内幕消息”。此外，书中对“音高控制”这一核心难点的讨论，占据了相当大的篇幅，作者甚至提供了一个自制的“音高对照表”，让学习者可以将手指在品格上的大致位置与实际弹出的音高进行关联记忆，这对于初学阶段常常迷失在“滑到哪里是C调”的困惑中的人来说，提供了极大的帮助。这本书的优势在于，它不仅告诉你“怎么做”，更告诉你“为什么这样做好”，这种深层次的理解，能帮助学习者真正内化技巧，而不是停留在机械模仿的层面。

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从装帧和细节处理来看，这本书的用心程度可见一斑。纸张的质量非常厚实，即使我经常在练习时把书摊开放在吉他架上，也不用担心它会因为频繁翻动而损坏。更值得称赞的是，书中包含了一个很棒的在线资源链接（虽然我不会在这里提及具体内容），但这个配套资源将原本静态的教材内容进行了动态化补充，极大地提升了学习效率。在讲解到一些需要快速移动和精确时值控制的段落时，如果仅仅依靠书面文字，是很难掌握其精髓的。而配套资源的音频和视频演示，则完美地解决了这一痛点。我特别喜欢作者在视频演示中，经常会切换到“特写视角”，清晰地展示滑棒施加压力和移动时的手部细节，这让我在对照书本图解时，能够形成更立体的空间认知。总而言之，这本教材在物理实体和数字辅助之间搭建了一个非常成功的桥梁，让学习体验变得既扎实又灵活，非常适合那些习惯于多媒体辅助学习的现代乐器爱好者。

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这本书的深度和广度远超出了我预期的“入门”级别，它不仅仅是教你如何用滑棒（Slide）弹奏，更像是一部关于声音哲学的探讨。我特别喜欢其中关于“音色塑造”的一章，作者深入剖析了滑棒的材质（玻璃、金属、骨头）对音色带来的根本性差异，并提供了大量的听觉对比描述，虽然我无法直接在书上听到声音，但作者的文字描述极具画面感，让我可以带着预设的听觉目标去尝试不同的滑棒。更让我印象深刻的是，作者探讨了如何利用指板上的各种装饰物（Inlays）来辅助定位，这是一种非常高级的演奏技巧，通常在更专业的教材中才会提及。对于已经掌握了基础技巧，渴望提升表现力的进阶玩家来说，这本书提供了很多可以深挖的内容。例如，书中对“颤音”（Vibrato）的讲解非常到位，它不是简单地告诉你“上下移动滑棒”，而是细致地分解了手腕、手臂、指尖施加压力的不同组合方式如何产生细腻的情感变化，并且配有非常详细的图解说明手指施加力度的箭头方向和大小。我试着按照书中建议的“半音微颤”练习，发现自己对音准的敏感度都有了显著提高，这表明作者不仅关注技术本身，更关注技术背后的音乐性表达。

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这本书的封面设计得相当有吸引力，那种复古的木纹和醒目的字体一下子就抓住了我的眼球，让我对内容充满了期待。翻开内页，首先映入眼帘的是清晰的排版和高质量的插图，这一点对于学习乐器来说至关重要。我尤其欣赏作者在基础概念介绍上的耐心和细致，他没有急于展示那些炫酷的技巧，而是花了大量的篇幅去讲解如何正确地握持拨片、如何调整拨片的角度，甚至细致到不同材质拨片对手感和音色的微妙影响。初学者往往最容易忽略这些“基础中的基础”，但这本书却把它们提升到了一个重要的地位，这让我感觉作者真的是从一个零基础学习者的视角出发的。比如，关于右手拨弦的节奏练习部分，作者设计了一套循序渐进的练习曲目，从最简单的四分音符到复杂的切分音型，每一步都有详细的示范指法和节奏标注，非常实用。而且，作者在讲解时使用的术语都非常口语化，没有那种高高在上的学术腔调，读起来非常轻松愉快，仿佛身边有一位经验丰富的朋友在手把手地教你。我之前尝试过其他几本入门教材，总觉得要么内容过于理论化，要么就是图片模糊不清，无法准确模仿动作，但《Acoustic Guitar Slide Basics》在这方面做得非常出色，光是看图就能大致了解动作的要领，这一点对于自学者来说简直是福音。

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