The Art of Steely Dan pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Corp

作者:David, Pearl

出品人:

页数:80

译者:

出版时间:

价格:$ 20.28

装帧:Pap

isbn号码:9781575603209

丛书系列:

图书标签:

• 摇滚乐
• 流行乐
• 爵士乐
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• 美国音乐

蓝调的拓扑学：爵士乐即兴中的结构与叙事 作者： 艾伦·费希尔 出版社： 矩形音乐学院出版社 装帧： 精装，附赠历年重要爵士乐手独奏录音分析CD 定价： 49.99 美元 ISBN： 978-1-56789-012-3 --- 内容提要 《蓝调的拓扑学：爵士乐即兴中的结构与叙事》并非一本关于流行摇滚乐团的权威指南，而是一部深入探讨二十世纪中叶至末期，美国爵士乐在和声、节奏、旋律构建层面上，如何从传统根源中蜕变、并建立起一套复杂而严谨的“内在逻辑”的学术专著。本书着眼于比波普（Bebop）的兴起到自由爵士（Free Jazz）的理论边界，旨在为音乐家、理论家以及对复杂音乐结构有浓厚兴趣的听众，提供一套解析即兴表演“语法”的工具箱。 本书的核心论点在于，即便是在最狂野、看似最无章法的即兴演奏中，也存在着一种潜藏的、可被几何学和拓扑学概念描述的结构框架。作者，资深音乐人类学家兼萨克斯风演奏家艾伦·费希尔，通过对查理·帕克（Charlie Parker）、迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的“调式时期”（Modal Period）作品，以及约翰·柯川（John Coltrane）后期的“超尺度”（Superimposition）技术的细致解构，揭示了即兴创作如何巧妙地在“预设结构”（即和弦进行）与“即时构造”（即旋律线条）之间建立动态平衡。 全书共分为六大部分，逻辑层层递进，从基础元素开始，直至构建复杂的音乐叙事。 --- 第一部分：和声的几何学——从功能到非功能 本部分探讨了爵士乐和声的演变，重点关注了二战后，音乐家如何开始系统性地“侵蚀”传统大小调功能和声的约束。 第一章：失重的和弦：波普的“色彩扩展” 详细分析了九和弦、十一和弦、十三和弦的引入，以及它们如何不再仅仅是导音功能的一部分，而成为了独立的音响景观。费希尔引入了“和弦张力密度”（Chord Tension Density, CTD）的概念，用以量化某一特定小节内，预期和弦与实际演奏音符之间的距离。 第二章：模态思维的兴起与拉伸 深入剖析了《Kind of Blue》等里程碑专辑所代表的调式爵士乐。不同于传统的“和弦驱动”，本章论证了调式爵士是如何将时间轴上的音高选择，从垂直的（和弦内）约束，解放为水平的（音阶/调式内）探索。重点分析了柯川对“音阶矩阵”的系统性运用，即在单一调式内部，如何通过快速切换不同的半音音阶或全音音阶片段，在保持调性一致性的同时，制造出极强的运动感。 第三章：替代与增值：替代和弦的拓扑映射 探讨了在更后期的作品中，如何使用非功能性的替代和弦（如三全音替代、和弦替代）来“扭曲”听众对既有进行结构的预期。作者使用图论方法，将复杂的和弦进行路径表示为节点与边的网络，直观展示了音乐家如何在既定网络中开辟出全新的、但仍可被追溯的捷径。 --- 第二部分：节奏的维度与时间感知的错位 即兴的精髓在于时间控制。本部分侧重于节奏型、切分音的复杂化，以及演奏者如何“操纵”听众对小节边界的感知。 第四章：切分音的战争：在二拍与三拍的边缘试探 聚焦于比波普对传统摇摆（Swing）律动的颠覆。通过对鼓点与独奏线条的精确时间标记分析，揭示了“落后”（Laying Back）与“提前”（Pushing Ahead）是如何成为一种结构性语言，而非单纯的风格偏好。 第五章：复节奏与多重时间签名 研究了如何将两种或多种不同的节奏模式（如四四拍上的三连音构建，或在四拍背景下演奏五拍或七拍的旋律）有效地融为一体。费希尔认为，优秀的即兴家并非简单地叠加节奏，而是建立了一种“复合周期性”，使得听众在不同层次上同时感知到稳定与不稳定。 第六章：空间与沉默的权重 探讨了休止符在即兴结构中的关键作用。沉默并非真空，而是作为一种“负空间”结构，用于锚定或强调随后即将到来的旋律片段。本章引入了“信息熵”的概念来衡量演奏中音符密度的起伏，论证了最有效的即兴段落往往遵循一种高熵/低熵的交替模式。 --- 第三部分：旋律的构建：动机的生成与演化 本部分将即兴旋律视为一种具有内在生命力的叙事体，探究动机（Motif）在即兴过程中的产生、发展、变形和再现。 第七章：核心单元的提纯与碎片化 分析了帕克等先驱如何将一个两到三个音符的核心动机，通过移位、倒影、反向等“变奏技巧”，支撑起一整个四十八小节的独奏。这揭示了即兴并非随机发散，而是对核心“种子”的系统性播种与收割。 第八章：音域的戏剧性：垂直与水平的对白 考察了演奏者如何利用音域的剧烈变化来构建戏剧冲突。即兴旋律如何在极高的音区（尖锐的宣告）与极低的音区（内省的低语）之间迅速穿梭，形成一种情感上的张力曲线。 第九章：音色的即兴语言 尽管本书侧重于结构，但本章简要探讨了音色（Timbre）如何作为一种非音高的结构元素。例如，舌尖的快速攻击（Staccato）与圆润的颤音（Vibrato）如何在即兴中被赋予功能性角色，作为结构段落之间的过渡标记。 --- 第四部分：自由爵士的“反结构”逻辑 本部分转向1960年代的实验性爵士乐，试图理解“结构消解”本身是否构成了一种新的结构。 第十章：集体对位与声部交织的混沌 研究了奥奈特·柯尔曼（Ornette Coleman）与阿尔伯特·艾勒（Albert Ayler）在缺乏固定和声基础上的集体即兴。作者认为，这种看似无序的演奏，实际上依赖于一套高度内化的、基于音色和动态的“瞬时协议”。 第十一章：非传统乐器的声音谱系 探讨了电子乐器（如早期效果器）和拓展技巧（Extended Techniques）如何被整合进即兴叙事，它们如何挑战了传统乐器音色所携带的文化历史包袱，为纯粹的声音实验打开了空间。 --- 总结：即兴的哲学回响 全书的收尾部分，费希尔将爵士乐即兴视为一种高度复杂的认知活动——是对已知信息（乐曲结构、个人技艺）的即时重组，以满足当下的情感需求。它是一种关于“选择的自由”与“结构责任”的持续对话。 本书的价值在于，它用精确的理论工具，为我们理解爵士乐即兴的“智慧”提供了坚实的支撑，将这种充满激情的艺术形式，置于严谨的分析框架之下，从而揭示其深藏的内在美学与数学秩序。读者将不再仅仅是聆听一场即兴的“奇迹”，而是能够理解这场“奇迹”是如何被精妙地编排和执行的。 --- 目标读者： 音乐理论专业学生、严肃爵士乐爱好者、作曲家、演奏家，以及对复杂音乐结构分析感兴趣的认知科学家。 荣誉推荐语： “费希尔的这部作品，是继阿道夫·霍尔姆的《对位法的动态学》之后，对音乐结构分析最深刻的贡献之一。它强迫我们重新思考即兴的本质。” —— 音乐理论家 K.L. 桑德斯。

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从装帧设计和排版来看，这本书本身就带有某种复古的质感，仿佛是一张保存完好的老黑胶唱片内页。而内容方面，最让我感到惊喜的是作者对那些被普遍忽视的音乐片段的重新聚焦。比如，他们如何运用异国情调的打击乐或者一段转瞬即逝的管弦乐衬底，来构建出整个场景的氛围。这不仅仅是赏析，更像是一种“侦探式”的聆听教学。每一次深入挖掘，都揭示了隐藏在流畅表面下的复杂结构。读完这本书，我对于“流行音乐”的定义被彻底拓宽了。它证明了商业上的成功与艺术上的前沿探索完全可以并驾齐驱，只要你拥有足够的远见和近乎苛刻的自我要求。这是一本值得反复翻阅，每次都能带来新发现的深度指南。

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坦白说，我原本以为这会是一本堆砌着技术术语和晦涩音乐理论的“硬核”读物，但实际体验远比我想象的要流畅和引人入胜。作者的叙事节奏掌握得非常高明，他懂得何时该深入挖掘和声结构，何时又该抽身出来，讲述乐队成员之间那些微妙的、充满张力的合作关系。书中关于他们对录音技术近乎病态的痴迷，简直可以拍成一部独立的纪录片。比如，他们如何为了追求一个完美的混音效果，不惜花费数周时间在昂贵的录音室里调整每一个乐器的声像和动态。这种对声音纹理的精雕细琢，解释了为什么他们的作品即便在四十年后的今天听来，依然拥有令人难以置信的清晰度和深度。对于那些对“制作”过程感兴趣的读者来说，这本书提供了无价的洞察，远超出了歌词和旋律本身，直指艺术品诞生的核心。

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这本关于爵士摇滚黄金时代的深度剖析简直是为我这种骨灰级乐迷量身定做的。作者显然不仅仅是查阅了资料，他仿佛亲身参与了七十年代后期那些录音棚里的每一个决策，甚至能感受到唐纳德·福根那标志性的冷峻和沃尔特·贝克那种近乎偏执的完美主义。我尤其欣赏他对早期专辑中那种精妙编曲的拆解，比如《Aja》中那段令人神魂颠倒的鼓点——它如何将爵士乐的复杂性，用流行音乐的形式完美包裹起来，听起来既悦耳又充满智力上的挑战。书中对那些“幕后英雄”，那些顶尖乐手，如史蒂夫·盖德、迈克尔·布鲁克等人的侧写，也让我对他们精湛技艺有了更深层次的理解。这不是一本简单的传记，它更像是一本关于“如何制造永恒音乐”的教科书，充满了对细节的敬畏和对艺术的极致追求。读完后，我立刻回去重听了许多曲目，每一个音符似乎都带上了新的光芒和含义，那种被精心雕琢过的质感，在如今充斥着快速消费品的音乐市场中，显得尤为珍贵和震撼。

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我必须承认，这本书的阅读体验并非全程的轻松愉快，它要求读者投入相当的注意力去跟上作者的思辨速度。某些章节对于不熟悉早期合成器技术或者后波普艺术流派的读者来说，可能需要反复阅读才能完全领会其深意。然而，这种挑战性恰恰是其价值所在——它拒绝向快餐文化妥协。它引导你停下来，去倾听，去思考音乐背后的哲学。书中对于专辑《Gaucho》后期制作混乱状态的描述，尤其引人入胜，展现了天才在自我怀疑和商业压力下如何挣扎。这种对幕后混乱的坦诚揭露，反而让人更加尊敬他们最终呈现出来的成品——那种近乎完美的表象，背后是付出了巨大的心力与代价的。它告诉我们，伟大的艺术往往诞生于高压的熔炉之中。

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这本书的魅力，很大程度上来源于它对文化背景的精妙描摹。它不仅仅是关于一支乐队的故事，更是那个特定美国文化土壤下诞生的一个独特的艺术现象的切片。作者没有回避他们作品中那些看似疏离、充满讽刺和对“精英主义”自嘲的歌词，反而深入探讨了这些元素是如何与七十年代末那种对技术进步的复杂情感交织在一起的。他们像是那个时代最清醒的旁观者，用最复杂的音乐语言，讲述着最日常的焦虑与享乐主义。我特别喜欢书中关于他们如何巧妙地在主流和地下之间走钢丝的分析，他们既能占据电台播放列表，又能让最挑剔的乐评人肃然起敬。这种平衡感的拿捏，才是他们能持久不衰的关键所在，而这本书成功地捕捉到了这种微妙的平衡。

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