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出版者:Alfred Pub Co

作者:Barret, A. M. R./ Schuring, Martin (EDT)

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:232.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9780757977961

丛书系列:

图书标签:

• 双簧管
• 乐器教程
• 音乐教育
• 乐谱
• 演奏技巧
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• 乐器方法

《管弦乐合奏艺术探讨》 第一章：管弦乐队的起源与发展 本章将追溯管弦乐队的源头，从巴洛克时期的宫廷乐队，到古典主义时期形态的初步确立，再到浪漫主义时期规模的空前扩张和功能的分化。我们将深入剖析不同历史时期，指挥艺术与乐队编制之间的相互塑造关系。重点探讨了文森佐·伽利略的早期歌剧实践对早期管弦乐编制的影响，以及克里斯托弗·维利巴尔德·格鲁伯格的《论乐队配器法》如何成为早期组织管弦乐团的理论基石。 我们将详细考察早期乐团在编制上的不确定性，例如，早期巴洛克乐团中，弦乐组的成员数量和乐器选择（如中提琴的缺失或早期维奥尔琴的使用）如何影响了整体音响的色彩和力度。随后，我们将对比分析海顿和莫扎特时期管弦乐团在乐章结构、配器法上的标准化趋势，特别是双簧管、圆号等木管和铜管乐器开始拥有固定席位，并承担起色彩和和声支撑作用的关键转折点。 进入贝多芬时代，管弦乐队的规模开始显著扩大，管乐组的作用被提升到与弦乐组并驾齐驱的地位。本章会详细分析贝多芬在《第三交响曲》和《第九交响曲》中如何首次引入长号、短号，以及对定音鼓音域的拓展使用，这些革新如何为后来的浪漫主义交响乐奠定了配器基础。 第二章：管弦乐配器的色彩学与音响心理 本章聚焦于管弦乐配器法中的“色彩”维度，这远超简单的乐器叠加，而是关于声音的混合、对比与相互渗透。我们将引入一套基于听觉感知和声学原理的色彩分析框架，用以解构不同乐器组在特定音区、特定力度下所产生的心理效应。 2.1 木管乐组的色彩层级： 深入探讨长笛、双簧管、单簧管和巴松管在四个八度范围内的音色特性。例如，长笛在高音区的“穿透力”与中音区的“抒情性”如何区分；单簧管在低音区产生的“温暖”或“幽暗”的音色，与双簧管在中高音区特有的“鼻音感”或“穿刺感”形成的对比。本章会提供具体的配器实例，解析作曲家如何利用木管乐器的齐奏（Unison）和和弦（Chordal writing）来描绘特定的场景或情感。 2.2 铜管乐组的力度与空间感： 重点分析圆号、小号、长号和大号在管弦乐配器中的功能定位。圆号因其柔和的泛音列和宽广的音域，常被用作连接弦乐与木管的“桥梁乐器”，在本章中，我们将分析其弱奏时如何“包裹”其他声部，以及强奏时如何提供“英雄式”的支撑。小号的高频特性和长号的中低音支撑力，将通过对瓦格纳和布鲁克纳作品的分析来具体阐述，如何构建宏大的空间感。 2.3 弦乐组的内部张力与纹理： 弦乐组不仅仅是乐队的基础，其内部声部的交织更是配器艺术的精髓。本章细致区分第一小提琴、第二小提琴、中提琴和大提琴、低音提琴的特定音域功能。讨论拨奏（Pizzicato）、泛音（Harmonics）、揉弦（Vibrato）等技巧如何改变弦乐的音质，从“丝绸般的光泽”到“粗砺的颗粒感”。特别关注中提琴在中低音区的“隐藏功能”，即如何填补和声的空隙，并提供必要的“重量感”。 2.4 打击乐组的节奏引擎与偶然音响： 打击乐组不再只是节奏的工具。本章探讨定音鼓、小军鼓、大鼓以及各种金属乐器的“非功能性”使用，即它们如何作为声音的“斑点”或“闪光点”出现，打破常规的音乐结构，制造戏剧性的紧张感或解脱感。 第三章：指挥学在管弦乐排练中的实践策略 本章是面向实践的指导，专注于指挥家如何有效地将乐谱上的指示转化为乐队统一的、富于表现力的声音。这要求指挥家不仅要理解音乐本身，更要理解乐器发声的物理限制和合奏的心理学。 3.1 预备性分析与指示传达： 详述指挥家在接到新作品后，如何进行细致的配器分析——包括识别声部冲突点、力度不平衡区以及独奏乐器的技术难点。阐述如何通过清晰、经济的肢体语言来预先传达对特定乐段“色彩意图”的理解，避免在排练中进行冗长解释。 3.2 解决声部平衡的工程学方法： 乐队排练中最大的挑战是平衡。本章提供一套系统性的平衡调整流程。首先，通过隔离测试确定每个声部的“自然音量”；其次，分析乐谱标记（如 f 与 mf 之间的细微差别）与实际演奏效果的差异；最后，利用空间布局（如指挥台与乐手之间的距离）和指挥手势的“引导性”来微妙地修正音量对比，而非简单地要求“拉大声”或“拉小声”。 3.3 节奏的统一与“时间感”的塑造： 成功的合奏依赖于共同的“时间感”。本章深入探讨如何使用不同的节拍手势来控制不同音乐的“流动性”——例如，如何用更明确、更紧凑的手势来处理严格的巴赫赋格，同时用更舒展、更具包容性的手势来引导浪漫主义时期的自由速度（Tempo Rubato）。特别关注如何处理管乐组与弦乐组在换气和乐句收尾处的时间差问题。 第四章：室内管弦乐与二十世纪的声学实验 本章探讨了管弦乐队在二十世纪所经历的结构性变革，以及作曲家对传统配器规范的挑战。 4.1 室内管弦乐的回归与清晰度追求： 分析斯特拉文斯基等作曲家对大型浪漫主义乐队的“反动”，转向更小规模、更注重声部独立的室内管弦乐编制。探讨在小乐队中，每个乐器的独特性如何被放大，以及对演奏者技术和准确性的更高要求。 4.2 电子媒介与非传统乐器融入： 讨论录音技术、磁带音乐以及电子合成器对管弦乐配器的影响。分析作曲家如何将“噪音”和“非音乐性”的声音融入管弦乐结构中，例如使用预先录制的音轨、或是将传统乐器置于不寻常的演奏位置（如钢琴背部、琴码上方）。本章将分析利盖蒂·捷尔吉和克塞纳基斯等先驱者如何将声学物理学原理直接应用于管弦乐的组织和配器。 4.3 乐谱的视觉革命： 考察图形记谱法和开放式记谱法如何挑战指挥与演奏者的传统关系。探讨这些非传统记谱如何要求指挥家扮演“过程引导者”而非“时间执行者”的角色，以及这如何影响了最终演出的不可预测性和即兴性。 第五章：管弦乐曲目分析：风格与技术交汇点 本章选取一系列跨越三个世纪的经典管弦乐作品作为案例研究，剖析作曲家如何运用特定的配器手法来服务于其音乐思想。 案例分析一：海顿《惊愕交响曲》： 分析其配器如何为喜剧效果服务，特别是弦乐组的突发强音如何利用了当时乐队配置的局限性。 案例分析二：德彪西《牧神午后前奏曲》： 深入解析德彪西如何使用长笛和双簧管的交织，以及弦乐弱音的“模糊化”处理，以营造印象派的“氛围”而非明确的“线条”。 案例分析三：肖斯塔科维奇《第五交响曲》： 研究其如何在一个看似传统编制下，通过极端力度对比和乐器组合（如长号与小提琴的对位）来表达强烈的政治和社会情绪。 本章旨在为读者提供一个理论与实践相结合的视角，理解管弦乐合奏是一门融合了历史、声学、心理学和精湛指挥技艺的复杂艺术。

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在乐曲选材方面，这本书的品味非常传统，甚至可以说是保守。我期待能看到一些20世纪中叶以后，为双簧管创作的、更具现代和实验性质的独奏曲目片段，哪怕是几小节的引用，也能让读者感受到乐器在当代音乐语境下的可能性。然而，书中提供的练习曲目和示范乐段，几乎全部集中在巴赫、莫扎特早期协奏曲的某些片段，以及一些非常基础的练习曲集。这无疑保证了“经典性”，但也牺牲了“拓宽视野”的机会。对于一个希望将双簧管运用到爵士乐、当代室内乐或者电影配乐的年轻音乐家来说，这本书提供的声音样本库太窄了。而且，书中对这些经典曲目的解读，也显得过于教科书式，缺少了演奏家对音乐情绪和结构理解的个人洞察。比如，在处理一段慢板时，它只会告诉你“这里要慢，力度要弱”，但不会探讨如何运用口型和舌头的位置变化来创造出那种如歌的、拉丝般的音色质感。它给的是“做什么”，而不是“怎么做出那个效果”。

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这本书的难度梯度设置，老实讲，让我这个有一定基础的演奏者感到有些困惑。它似乎在努力迎合从零开始的新手，花了相当大的篇幅去讲解如何正确地“发声”，如何找到第一个稳定的音符。这对于真正的小白来说或许是救命稻草，但对于已经能吹奏简单音阶的我来说，这种重复性的基础内容显得冗余，我不得不跳过大量的章节才能找到我真正需要的进阶内容——比如复杂的三连音组合、快速换指时的平衡控制，或是如何处理快速的、跨越两三度的大跳音程时，气流的平稳性。书中后半段对一些高级技巧的介绍，比如装饰音的演奏规范和颤音的力度变化，往往是一笔带过，没有提供足够多的练习曲目来支撑理论。我期望能看到大量的“分层练习”，即针对某一特定技术难点，提供从慢速到快速、从单一音型到复杂乐段的递进练习。遗憾的是，这里的内容更像是一个简短的摘要，需要我自行去其他教材或老师那里寻找相应的实战练习材料。这使得这本书的价值更偏向于“参考手册”而非“系统训练工具”。

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这本书的装帧和纸张质量，让我不禁怀疑它的设计初衷是作为一本可以经受住高强度练习折磨的工具书，还是一本放在书架上落灰的纪念品。乐谱印刷的墨色有时不够均匀，在光线不佳的练习室里，一些小音符和连线会显得有些模糊不清，尤其是在处理那些密集的三十二分音符段落时，视觉疲劳感会迅速增加。更实际的问题是，这本书的装订方式似乎是那种传统的胶装，我试着将它平铺在谱架上进行练习，结果书页总是试图自动合拢，需要我用沉重的书立或者手去压住。对于一个需要双手操作乐器、无法分心去按住书本的演奏者来说，这种设计简直是灾难性的。一本专业的乐器方法书，理应采用那种可以完全平摊、甚至可以三折的精装或环装设计，以确保演奏者能够流畅地阅读和跟随乐谱，而不必担心书页突然翻页带来的尴尬和中断。从这个角度看，这本书在实用性上，明显输给了一些专注于耐用性和易用性的竞争对手。

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这本书的封面设计，说实话，一开始有点让人摸不着头脑。那种深沉的蓝色调配上略显复古的字体，给我的第一印象是，这大概是一本非常严肃、可能略显枯燥的乐理教材。我抱着“也许能从中挖出点新东西”的心态翻开了它。首页的排版很规整，但插图似乎有点少，这对于初学者来说可能不太友好。我特别关注了目录部分，希望看到一些关于早期双簧管演奏技巧，比如巴洛克时期指法差异的深度讨论，或者至少是对不同时期乐器演变的清晰梳理。然而，目录的结构显得有些过于线性化，更像是按照音阶和基本指法口诀的顺序堆砌而成，缺少了那种能让人眼前一亮的结构性创新。比如，如果能有一个章节专门探讨气息在不同音区控制上的物理学原理，哪怕只是用非常形象的比喻来解释，都会大大提升阅读的趣味性和实用性。翻阅前几页，我发现它在介绍持琴姿势和口型时，用了大量传统的描述性语言，缺乏现代教学法中强调的，通过视频或图表来直观展示肌肉群运动的细节。这让我开始怀疑，这本书的内容是否紧跟了近几十年来管乐教学理念的发展前沿。整体感觉，它像是一位老派、德高望重的老师在课堂上的口述记录，信息量是有的，但缺乏与时俱进的教学设计。

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关于指法图示的清晰度，我必须提出一个相当大的保留意见。既然这本书的目标是提供一个完整的学习路径，那么视觉辅助就至关重要。我发现，书中提供的指法表，虽然覆盖了基本的音阶，但它们大多是黑白印刷的简单线条图。在描述那些需要同时使用舌头和手指进行复杂协调的“交叉指法”（Cross-Fingering）时，这些图示显得力不从心。特别是对于一些需要轻微调整舌位才能吹出清晰半音的指法，仅仅依靠一个固定的图表是远远不够的。理想情况下，一本现代教材应该提供至少两套指法图：一套是标准的、安静的指法，另一套是用来快速演奏或解决特定音准问题的“备用”或“技巧性”指法。这本书在这方面的缺失，使得我在学习一些不太常用的升降记号时，不得不频繁地在网上搜索其他资源来交叉验证指法的准确性和最优性。这无疑打断了沉浸式的学习体验，让原本应该一气呵成的学习过程变得支离破碎。

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