Excursions in World Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Prentice Hall

作者:Nettl, Bruno/ Turnino, Thomas/ Wong, Isabel

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2003-9

价格:$ 129.64

装帧:HRD

isbn号码:9780131067141

丛书系列:

图书标签:

• 世界音乐
• 音乐史
• 音乐欣赏
• 文化研究
• 民族音乐学
• 音乐地理
• 全球音乐
• 音乐文化
• 音乐教育
• 跨文化研究

好的，这是一份关于一本名为《环球音乐漫游指南》的图书简介，内容详实，不包含您提到的那本书籍信息。 --- 《环球音乐漫游指南：从古老旋律到当代脉动》 一本深入探索全球音乐文化精髓、追溯声音历史演变的权威之作。 导言：声音的地理学 人类文明的进程，无不伴随着音乐的演进。音乐不仅仅是娱乐和艺术表达的载体，更是记录历史、承载信仰、构建社会身份的活化石。《环球音乐漫游指南》 是一次宏大的听觉考古之旅，它带领读者超越熟悉的西方古典与流行音乐范畴，深入到世界各个角落，挖掘那些根植于特定地域、文化和历史背景下的独特声音景观。 本书的架构并非单纯地按地域划分，而是以音乐的功能、结构、仪式和媒介为轴线，构建了一个多维度的音乐知识体系。我们相信，理解音乐，需要理解它所处的土壤——地理环境塑造了乐器制造的材料，气候影响了声乐的风格，而历史变迁则定义了音乐的叙事主题。 第一部：声音的根源——仪式、自然与古代回响 本部分聚焦于音乐在人类社会早期扮演的核心角色，探讨音乐如何从自然界和原始信仰中汲取力量。 第一章：神圣的频率：宗教与仪式音乐的结构 宗教音乐是人类最古老的音乐形式之一，它往往承载着超越日常的、形而上的意义。本章细致分析了从古代苏美尔的赞美诗到中世纪格里高利圣咏的演变历程。我们将探讨： 声部的功能性： 在不同文化中，单音、复调与泛音如何服务于祈祷和冥想的目的。 神圣乐器的象征意义： 例如，西藏的法号（Dung-chen）如何通过其低沉的共鸣来连接现世与彼岸；印度的坦布拉琴（Tambura）如何提供持续的“须弥之音”（Drone Sound），作为精神集中的锚点。 游牧民族的祭祀之声： 考察西伯利亚萨满教音乐中，鼓点和喉音唱法如何模拟灵魂出窍的状态，以及这些声音如何作为一种沟通工具。 第二章：自然的声音景观与本土音乐生态 音乐常常是对自然环境最直接的模仿与呼应。本章考察了地理特征对音乐美学的影响。 高山的回响与山地音乐： 探讨阿尔卑斯山区的约德尔唱法（Yodeling）如何在广阔的山谷中实现声学传递，以及安第斯山脉地区对长号（Sikuris）和排箫（Siku）的偏爱，这些乐器的音色与山脉的空旷感形成对话。 水域的韵律： 分析热带雨林中，鼓点如何模仿雨水和动物的节奏，以及西非水系部落中，水盆和水鼓如何成为乐器，创造出独特的“液态”音色。 风的乐器： 深入研究中东和北非地区各种芦笛（如 Ney）的演奏技巧，这些乐器如何捕捉风的细微变化，产生出极具穿透力的、近似叹息的音调。 第二部：丝绸之路的回声——跨文化交流与乐器变迁 音乐的传播是文明交汇的直观体现。本部分追踪历史上的重要贸易路线和迁移，解析音乐元素的融合与再创造。 第三章：乐器的迁徙与身份重塑 乐器是文化基因的载体。一把乐器在新的土地上，往往会获得新的名字、材料和演奏技法，甚至被赋予全新的文化使命。 弓弦乐器的长征： 追溯源自中亚的马头琴（Morin Khuur）及其分支（如波斯的凯曼切、印度的萨罗德）在欧亚大陆上的演化路径，分析它们如何适应不同民族的审美偏好，从游牧的“嘶鸣”转变为宫廷的“哀婉”。 键盘的东方化： 考察早期西洋键盘乐器（如手摇风琴或手风琴）传入亚洲后，如何被本土音乐家改造，以适应五声音阶和特有的旋律线条。 打击乐的融合： 探讨非洲、古巴和巴西的节奏型如何在跨大西洋贸易中相互影响，最终催生出拉丁美洲和加勒比音乐的复杂鼓点结构。 第四章：口头传统的记录与保存 在文字尚未普及或未被视为正统记录媒介的时代，音乐是唯一的历史档案。 格里奥（Griot）的叙事艺术： 深入西非马里等地的格里奥传统，分析他们如何通过吟诵史诗和家族谱系，扮演“活的历史书”的角色，以及他们手中的科拉琴（Kora）如何提供旋律背景。 民间故事与说唱： 研究东欧的“巴拉德”（Ballads）和中亚的“达斯坦”（Dastan）演唱形式，解析其结构如何允许即兴发挥，同时保证核心历史叙事的准确性。 第三部：现代的交响——城市化、技术与音乐的再定义 进入近现代，工业革命、殖民历史和电子技术彻底改变了音乐的创作、传播和消费方式。 第五章：殖民回响与抵抗之声 殖民化进程对传统音乐造成了巨大的冲击，但也激发了强烈的文化自觉与反抗。 “被强加的”调性： 分析殖民者带来的西方十二平均律与原有音阶体系的冲突与融合，例如在东南亚的爪哇甘美兰音乐中，传统泛音调式如何与引入的欧洲管弦乐元素进行对话。 流散社区的音乐遗产： 聚焦于被强行迁移的族群（如加勒比地区的非洲后裔），研究他们在新的土地上如何通过音乐重建失落的文化联系，以及这种“混血”音乐如何成为身份认同的堡垒。 第六章：电子时代的音景重塑 技术进步为音乐的无限可能性打开了大门，也催生了新的全球性音乐社群。 录音技术的普及与“纯粹性”的消解： 探讨录音技术如何首次使得“非西方”音乐被世界听见，同时也带来一个悖论——被记录的音乐是否已经脱离了其原始的仪式语境？ 合成器与本土节奏的邂逅： 分析从八十年代开始，世界各地音乐家如何将本土的传统乐器音色采样或模仿，并将其与电子节拍（如迪斯科、放克）结合，催生出如“安哥拉放克”（Kuduro）或“印尼电子甘美兰”等新型流派。 数字民族志学： 探讨互联网如何成为“失落”或濒危音乐的保护伞，以及全球听众如何通过网络平台形成对小众音乐的即时反馈圈。 结语：倾听未来 《环球音乐漫游指南》的最终目标，是培养读者一种“全球听觉素养”。音乐的世界广阔无垠，没有一处声音是孤立存在的。通过理解不同文化如何使用音高、节奏和音色来阐释人类的共同经验——爱、失落、信仰与生存——我们才能真正领略到人类创造力的无限深度。本书邀请您打开耳朵，准备好踏上这场永无止境的音乐探索之旅。 --- 本书特色： 深度田野调查记录： 结合了人类音乐学（Ethnomusicology）的前沿研究成果与作者的实地考察笔记。 乐器图谱与音阶解析： 穿插了大量独家的乐器构造图解和特定调式（如印度拉格、阿拉伯玛卡姆）的清晰分析。 互动式学习建议： 每章末尾提供推荐的聆听清单和相关纪录片，帮助读者将理论与实践结合。

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这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，色彩的运用大胆而富有层次感，仿佛能从那斑驳的纹理中听到远古的鼓点和异域的歌谣。我拿到手的时候，光是翻阅目录就感受到了一种扑面而来的广阔感，它不像其他音乐史著作那样拘泥于西方古典乐坛的条条框框，而是像一位经验丰富的老旅行家，带着你深入到地球的每一个角落去探寻那些深藏不远的旋律宝藏。作者的笔触极其细腻，对于那些非主流音乐形式的介绍，没有丝毫的敷衍或居高临下的审视，而是充满了真诚的尊重和深入的理解。比如，他对非洲部落音乐中复杂的节奏结构和口头传统的传承方式的描绘，简直让人手不释卷，仿佛身临其境地参与了一场古老的仪式。再者，书中对于不同文化背景下音乐功能的社会学分析也非常到位，音乐不仅仅是旋律和和声的组合，更是社会结构、信仰体系和历史变迁的活化石。阅读过程中，我不断地停下来，查阅那些陌生的乐器名称和地理位置，每一次小小的“意外发现”都极大地丰富了我对“世界音乐”这个概念的认知边界。这本书的排版也十分考究，大量的插图和乐谱摘录，即便是对音乐理论不甚精通的读者，也能从中感受到结构之美和张力所在。总而言之，这是一部充满人文关怀和学术深度的入门与进阶指南，让人对人类声音表达的多样性心生敬畏。

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坦白讲，我一开始抱着相当怀疑的态度去阅读这本书的，毕竟“世界音乐”的范畴太过庞大，任何试图涵盖它的尝试，最后往往沦为蜻蜓点水、徒有其表的巡礼。然而，这本书彻底颠覆了我的预期。它的叙事脉络处理得极其巧妙，没有采用简单的地域划分，而是采取了一种主题式和关联性的结构，将地理上相隔万里的音乐风格，因为某种相似的哲学观念或社会功能而被巧妙地串联起来。这种处理方式，极大地提升了阅读的连贯性和思想的深度。我尤其欣赏作者在探讨音乐的“边缘地带”时所展现出的敏锐洞察力，比如那些在殖民主义和全球化浪潮中挣扎求存的民间音乐形式，它们如何在抵抗与融合中寻找新的生命力。书中对技术革新对传统音乐影响的分析也极为深刻，它没有简单地将电子合成器视为洪水猛兽，而是探讨了现代技术如何被本土音乐人“驯化”和再创造，使其既能保留核心精神，又能获得新的传播媒介。这本书的语言风格是极其知识分子化的，逻辑严密，论证充分，但绝不晦涩难懂，它提供的是一把钥匙，让你能够开启理解不同文化声音密码的大门，而不是直接塞给你一堆现成的答案。阅读完后，我感觉自己看待世界的方式都产生了一种微妙的转变，更加注重声音背后的“为什么”而非仅仅是“是什么”。

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这本书的阅读体验，用“震撼”二字来形容或许都不足以概括，更像是一场被精心编排的、跨越时空的听觉“朝圣”。我最大的感受是它对音乐本体论的探讨，远超出了通常意义上的音乐史或民族音乐学范畴。作者似乎总能找到那个最核心的问题，比如“是什么让一段旋律在特定的文化中拥有神圣的地位？”或者“非西方的音阶结构如何反映了不同的宇宙观？”这种哲学层面的追问，使得这本书的阅读体验不再是被动接收信息，而是一个主动参与构建理解框架的过程。更令人称道的是，它并没有过度沉溺于对古代或“纯粹”传统的怀旧，而是勇敢地拥抱了现代性和混杂性，对融合（Fusion）现象的分析尤为精彩，没有简单地将之标签化，而是深入探究了跨文化交流中张力的产生与消解。书中引用的案例之丰富，覆盖面之广，让人不禁怀疑作者是否真的走遍了地球的每一个角落，亲身聆听了这些声音。对于那些希望从音乐的角度去理解人类文明发展脉络的读者来说，这本书提供的视角是独一无二且不可替代的。它迫使你跳出习惯性的听觉框架，去拥抱那些不和谐但却真实存在的、充满生命力的声音。

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这本书的篇幅相当可观，但阅读起来却有一种“意犹未尽”的感觉，这大概是优秀作品的共同特征吧。它最成功的一点，是它对音乐与权力、音乐与身份认同之间复杂关系的揭示。作者并没有将世界音乐视为一个静态的、等待被记录的“博物馆藏品”，而是将其置于动态的政治和社会结构中进行考察。例如，书中对特定民族音乐在国家构建或身份冲突中的作用分析，视角既有宏观的历史演变，也不乏微观的个体叙事。这种双重视角的切换，让整个论述充满了辩证的张力。书中对“真实性”这一概念的探讨也相当尖锐，作者质疑了“传统音乐”这个标签背后可能隐藏的文化挪用和刻板印象，提醒读者保持一种批判性的审美距离。全书的论证逻辑层层递进，从最基础的音高和节奏系统，逐步过渡到复杂的仪式音乐和社会功能，构建了一个逻辑自洽且极富启发性的知识体系。对我而言，这本书更像是一次思维的淬炼，它不仅传授了知识，更重要的是塑造了一种更为宽容、更具深度和更具历史感的聆听世界的方式。我强烈推荐给任何一个对人类文明多样性抱有好奇心的人。

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我通常阅读学术书籍会伴随着大量的提神饮料，但这本书却像有一种奇特的魔力，让我的注意力保持在一种高度集中的状态。我注意到这本书的学术严谨性体现在其注释和参考文献的巨大体量上，这为那些想要进行更深层次研究的读者提供了坚实的后盾，看得出作者在资料搜集和交叉验证上付出了常人难以想象的努力。但最吸引我的，反而是那些看似不经意的“轶事”和“田野笔记”式的片段。比如，描述某一乐器制作过程中的复杂工序，或是某位音乐家在特定历史时期面临的困境与选择，这些细节极大地丰满了宏大的叙事，使得抽象的音乐理论变得有血有肉，充满温度。它成功地将人类学家、社会学家和音乐学家的视角融为一炉，没有让任何一个领域显得多余或喧宾夺主。阅读过程中，我多次产生一种冲动，想要立刻去寻找书中提及的那些音乐片段去聆听验证，这正说明了作者文字感染力的强大——他不仅在描述音乐，更是在唤醒你内在的聆听欲望。这本书的真正价值，在于它建立了一个强大的知识框架，让你在面对任何新的、陌生的音乐形式时，都能迅速找到理解它的切入点。

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