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出版者:Suzuki Method International

作者:Shinichi Suzuki

出品人:

页数:24

译者:

出版时间:1999-7

价格:USD 6.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780874871500

丛书系列:

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• 小提琴教材
• 小提琴学习
• 铃木教学法
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• 音乐技巧
• 弦乐

《精通巴赫：从初学者到演奏家》 一卷完整、深入的巴赫小提琴作品学习指南 本书特色： 全面覆盖巴赫小提琴核心曲目： 从《G弦上的咏叹调》到《恰空》，系统梳理巴赫音乐的精髓。 基于历史演奏实践的深入解析： 结合巴洛克时期演奏技巧和风格，提供最贴近原作精神的指导。 分阶段、渐进式的技术突破方案： 专为不同水平的学习者设计，确保每一步提升都坚实可靠。 注重音乐性与表达力的培养： 引导学习者超越技巧层面，深刻理解巴赫的复调思维和情感深度。 --- 导言：穿越时空的对话——巴赫与现代演奏者 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）的音乐，是西方古典音乐宝库中一座永恒的丰碑。他的小提琴独奏作品，尤其是那六首奏鸣曲与组曲（BWV 1001-1006），被誉为小提琴文献的“新约圣经”，是检验一位小提琴家技术、理解力和艺术成熟度的试金石。 然而，巴赫的音乐并非仅仅是炫技的舞台，它更是一场结构与灵性的对话，一次对音响逻辑的极致探索。本书的目的，是作为一位经验丰富的导师，陪伴您系统地、有深度地、充满热情地走进巴赫的世界，避免成为技巧的奴隶，而是成为思想的传达者。 本书并非对任何既有教程的简单重复，而是聚焦于巴赫作品本身的独特性，并结合最新的历史演奏实践（HIP）研究成果，提供一套完全独立、侧重于结构分析、音色塑造以及演奏哲学的深度指南。 --- 第一部分：巴洛克基础与巴赫的心灵地图（The Foundation） 在深入乐谱之前，理解巴赫所处的时代背景至关重要。我们必须放下浪漫主义时期对音色和速度的固有偏见，重新校准我们的听觉和触觉。 1. 历史乐器与现代琴弦的张力平衡： 巴赫时代的琴弦多为羊肠弦，音色温暖、颗粒感强，延音相对有限。现代钢弦虽然提供了更饱满的音量和更持久的延音，但这使得演奏者更容易陷入“过度歌唱”的陷阱。本章详细探讨如何在现代乐器上模拟出巴洛克时期音色的清晰度（Clarity）与重量感（Weight）的平衡点。我们将分析不同弓法对“弦间振动”的影响，而非仅仅追求“弓毛的抓力”。 2. 节奏的脉动与“巴洛克式呼吸”： 巴赫的音乐是建筑学的，其节奏驱动力是内在的、不间断的。我们将深入分析巴赫乐谱中小节线（Bar Lines）的功能——它们是分割，还是仅仅是视觉上的引导？通过对“节拍重音”的精确控制，学习如何在不对速度进行大幅度调整的情况下，保持乐曲的推进力和清晰的结构层次感。 3. 调性与和声的逻辑： 巴赫是位严谨的对位法大师。理解他如何构建和声关系，远比单纯记住指法重要。本书将提供和声分析工具，帮助您识别主导声部、副属声部以及模模仿（Imitation）的起点。这使得那些看似复杂的十六分音符跑动，不再是音符的堆砌，而是逻辑的必然。 --- 第二部分：独奏奏鸣曲与组曲的深度剖析（The Core Works） 本书将逐一、深入地解析每一首奏鸣曲（Sonata）和组曲（Partita），重点在于“单旋律中的复调实现”这一核心挑战。 A. 奏鸣曲（BWV 1001-1003）：结构与对话的典范 1. 第一首 奏鸣曲 g小调 (BWV 1001)： 柔板 (Grave)： 探讨如何通过“音高差”（Vertical Spacing）来暗示和声的厚度。重点解析如何处理重音，使其服务于整体的庄严感，而非仅仅是重音记号本身。 赋格 (Fugue)： 这是对位法的精髓。我们将拆解主题的进入点，研究不同的连奏处理如何区分主导声部与跟随声部。特别关注中提琴声部（即四度音程的声部）的“声音定位”，确保其与高音声部和低音声部形成清晰的三维结构。 2. 第二首 奏鸣曲 A小调 (BWV 1002)： 双奏鸣曲 (Double)： 如何在保持速度的同时，清晰地区分双音（Double Stops）中的两个独立声部？本书提出了一套基于“弓速的微小变化”来实现声部分离的技巧练习，而非仅仅依赖手指的力度。 B. 组曲（BWV 1003-1006）：舞蹈的灵魂与自由的演绎 1. 第三首 奏鸣曲 C大调 (BWV 1005) 与《荣耀之歌》： 升G大调拉尔戈 (Largo)： 这一乐章常被单独演奏。本书将其置于整个组曲的语境中分析，强调其作为连接前两个乐章的“精神锚点”。解析如何使用“宽广的弓位”来塑造咏叹调的连续感。 2. 第五首 奏鸣曲 C小调 (BWV 1005) 与技巧的考验： 赋格： 挑战技术极限的赋格。我们着重讨论如何在高把位快速段落中保持清晰度，并提供专门针对“三度和弦的快速划分”的训练模块。 3. 第六首 组曲 E大调 (BWV 1006) 与光明的终章： 前奏曲 (Prelude)： 这是一首充满活力的“织体练习”。重点在于“运动的惯性”——如何让连续的琶音听起来充满动力，而不是机械的重复。我们将分解不同把位之间的换把动作，使其在听觉上平滑过渡。 嘉雅舞曲 (Gigue)： 分析其二部复调结构，学习如何通过弓法的轻盈感来体现巴洛克舞蹈的“跳跃性”。 --- 第三部分：超越指法——巴赫演奏的哲学高度（The Philosophy） 巴赫音乐的真正魅力，在于其超越时代和技术限制的普遍性。 1. 关于“装饰音”的再思考： 巴赫留下的装饰音记号极少，这给予了演奏者极大的自由，但也带来了极大的困惑。本书不提供固定的“装饰音谱”，而是提供一套“装饰音的语境分析法”： 结构必要性分析： 装饰音是为了强调和声转折，还是为了平滑旋律线？ 速度适应性测试： 在极慢或极快的乐段中，装饰音应如何被“压缩”或“拉伸”？ 调性色彩的增强： 如何利用装饰音来突显特定调性色彩（如半音阶的引入）。 2. “无伴奏”的真正含义： “无伴奏”（Sonatas and Partitas for Solo Violin）并非指“没有伴奏”，而是指“所有的声部都由同一乐器来承担”。这意味着演奏者必须时刻扮演三个角色：旋律家、和声基础构建者，以及节奏的守护者。我们将探讨如何通过弓速、弓压和音色的细微变化，在同一时间轴上清晰地呈现这些角色的转换，让听众能“听见”被隐藏的声部。 3. 演绎的自由度与忠诚度的界限： 我们必须明确，对巴赫的“忠诚”并非指盲目模仿某一位已故大师的录音。真正的忠诚在于对巴赫“结构意图”的深刻理解。本书鼓励学习者在充分掌握技术和分析的基础上，发展出自己对作品的独到见解，但所有的“创新”必须能经得起巴赫严谨的对位法逻辑的检验。 --- 结语：持续的探索 学习巴赫是一个终生的过程。本书所提供的分析框架和技术路径，旨在为您打开大门，而非提供终极答案。愿您在这场与巴赫的深刻对话中，不仅磨砺了指尖的技艺，更拓展了心灵的疆界。您的琴弓落下之处，即是您的理解所在。 本书推荐阅读对象： 已具备基本小提琴演奏能力，希望系统深入学习巴赫独奏作品的进阶学习者。 音乐学院学生及专业小提琴教师。 对巴洛克音乐风格及历史演奏实践感兴趣的音乐爱好者。

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这本书简直是灾难，我真是受够了。当我满怀期待地打开它，希望能找到一些关于小提琴演奏技巧的深入见解或者一些能够真正提升我的演奏水平的练习方法时，我得到的却是一堆平庸到令人发指的内容。首先，它的结构混乱得让人抓狂，章节之间的逻辑跳跃毫无预兆，仿佛是把一堆零散的笔记随意堆砌在一起。我花了大量时间试图理解作者的“核心思想”，结果发现根本就没有什么核心思想，只有一些陈词滥调和过时的教学理念。更别提那些配图了，模糊不清，完全看不出作者想要表达的指法或者运弓的细节，这对初学者来说简直是致命的误导。我尝试按照书中的指导练习了几周，结果我的音准不仅没有提高，反而好像更糟了，不得不请我的老师帮忙纠正，而她对这本书的评价比我还要刻薄。我真不明白，为什么市面上会有如此粗制滥造的教材能够流传。这本书浪费了我宝贵的练习时间，更打击了我学习小提琴的热情。如果有人问我推荐什么教材，我一定会把这本书列入“绝对不要碰”的清单，因为它不仅无用，简直是有害的。我宁愿自己对着镜子瞎琢磨，也比看这本书强一万倍。

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从教学法的角度来看，这本书暴露出了严重的时代脱节问题。它似乎是基于上个世纪某个特定阶段的僵化教学模式构建的，完全没有融入现代音乐教育的最新研究成果，比如对听觉训练的重视、对手指精细运动的科学分析，或者对不同文化背景学习者需求的考量。书中的练习曲目选择也极其保守和单调，很多曲目听起来枯燥乏味，缺乏音乐性和趣味性，这对于保持学习者的兴趣是极大的挑战。我尝试用它来指导我的孩子学习，结果不出所料，他很快就表现出强烈的抵触情绪，认为小提琴是一种枯燥的折磨，而不是一种探索音乐美妙的途径。现代的教学法都强调“寓教于乐”，而这本书似乎信奉的是“先受苦，后成才”的古老信条，这在信息爆炸的今天简直是不可理喻。我更倾向于那些能够启发学生主动思考、鼓励他们探索自身音乐潜能的教材，而不是这种填鸭式、命令式的教条主义的产物。这本书的作者显然活在了自己的象牙塔里，对当下音乐学习者的真实需求一无所知。

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这本书的排版和符号标注简直是一场视觉迷宫。我不是指设计风格，而是指其功能性上的混乱。指位标记、换把提示、揉弦的指示，都用了一些非标准或者极其不明确的符号，让我不得不频繁地停下来，查阅其他参考资料来确认这些符号到底意味着什么。更要命的是，同一段落中，作者可能在前面用A符号表示一个技巧，而在后面却用B符号来表示完全相同甚至更简单的技巧，这种不一致性让人摸不着头脑，极大地拖慢了我的学习进度。如果这是一本面向专业人士的高阶理论书籍，我可以理解其复杂性，但这是一本面向初学者的基础教材啊！基础教材的首要任务应该是清晰、简洁、易于理解，它却做到了恰恰相反。我感觉自己不是在学习小提琴，而是在进行一场艰苦的符号破译工作。我甚至怀疑作者在编写时是否对自己的符号系统进行过任何校对或测试，这简直是对学习者智力和耐心的双重考验。任何一个负责任的教育者都不会选择这样一本充斥着歧义和矛盾的指南。

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我必须说，这本书的装帧设计简直是对艺术的亵渎。封面设计得毫无美感可言，那种过时的字体和土气的配色，让人一看就提不起兴趣。更糟糕的是内页的纸张质量，粗糙得简直像是回收的牛皮纸，油墨印得也极不均匀，有些地方模糊不清，有些地方又浓得化不开，阅读体验极差。作为一本需要反复翻阅和标记的学习用书，这样的制作工艺简直是草率到了家。我甚至怀疑印刷厂是不是刚从停工状态恢复，质量控制完全是零。而且，它的开本也设计得非常不合理，拿在手里感觉很别扭，无论是在琴架上还是在膝盖上都难以稳定放置，练习时老是要分心去扶正它，严重影响了我的专注度。对比我以前买的其他乐器教材，那份用心和对读者的尊重是显而易见的。这本书的出版方显然是把所有的成本都花在了营销上，却完全忽略了产品本身的物质体验。一本好的教材，除了内容，其物理形态也承载着传递知识的媒介责任，这本书在这方面完全失职。我现在对这本书的任何翻阅都带着一种物理上的不适感，每次拿起它都像是在完成一项令人不愉快的体力劳动。

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最令人沮丧的是，这本书中关于乐理知识的阐述极其肤浅和片面。它似乎认为只要把音符写在谱子上，学习者就能自动领悟音乐的精髓。然而，真正的音乐学习远不止于机械地模仿指法和音高。它需要对和声的理解、对曲式结构的感知、对作曲家意图的揣摩。这本书在这些方面几乎是空白的，它提供的乐理知识点零散且缺乏系统性，就像是食谱里只告诉你放了盐和糖，却没告诉你为什么要放，以及放多少会产生什么风味。我需要的是一本能够拓宽我音乐视野的工具书，而不是一本只能教我如何拉出“正确”音高的操作手册。音乐是情感的表达，而这本书似乎热衷于将音乐降格为一门纯粹的物理运动。每次练习完，我感觉自己的手指好像动起来了，但我的音乐灵魂却依然处于饥饿状态。这本书错失了将技术训练与深层艺术理解结合起来的黄金机会，最终沦为了一本冰冷的、缺乏温度的技术手册。

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