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出版者:木馬文化事業股份有限公司

作者:莎拉·貝葛娜

出品人:

页数:176

译者:連緯晏

出版时间:2013-7-4

价格:100HKD

装帧:平装

isbn号码:9789865829278

丛书系列:

图书标签:

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雕塑的呼吸：从泥土到永恒的物质对话 图书简介 书名： 雕塑的呼吸：从泥土到永恒的物质对话 作者： 艾莉丝·凡德堡 (Alice Van Der Bilt) 页数： 480页，内含120幅高清全彩图版与20余份珍贵历史文献复印件 开本： 16开，精装，附赠艺术家访谈录音链接卡 --- 第一部分：触觉的起源——物质的原始记忆 《雕塑的呼吸：从泥土到永恒的物质对话》并非一本关于特定艺术流派的断代史，而是一部深入探索物质性、触感与时间在三维艺术形式中所扮演核心角色的哲学与实践论著。本书聚焦于雕塑创作过程中，艺术家如何与构成世界的“基本元素”——泥土、石头、木材、金属乃至合成材料——进行一场跨越世纪的、持续的“对话”。 作者艾莉丝·凡德堡，一位以其对材料本性和空间感知研究而闻名的艺术史学家与实践者，带领读者回溯到雕塑艺术的最早形态。她认为，雕塑的诞生，即是人类试图将瞬间的感知转化为可触摸、可感知的永恒形态的原始冲动。 本部分首先探讨了“泥土的记忆”。泥土，作为最古老、最谦卑的雕塑材料，它承载着生命与腐朽的双重叙事。书中细致分析了从新石器时代陶俑到近代奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin）作品中，泥土的塑性如何映射出人类形体的脆弱与力量的张力。凡德堡并未停留在表面的形态模仿，而是深入挖掘了材料在干燥、烧制、风化过程中所经历的“内在形变”，并将此视为雕塑生命周期的一部分。例如，她对古希腊陶土祭器的裂纹分析，揭示了其非故意的“时间标记”，这比任何精心雕琢的细节都更能传达历史的厚重感。 紧接着，本书转向了“石头的意志”。石头——大理石、花岗岩、玄武岩——代表着雕塑材料中“抵抗力”的极致体现。传统的雕塑教育往往强调“解放形体”于石块之中，但凡德堡提出了一个颠覆性的视角：石头本身即拥有其内在的“意志”或“纹理结构”。艺术家并非单纯地移除冗余部分，而是在与石头的抗争中，发现并顺应其天然的断裂面与晶体排列。书中特别配有高清微距摄影图，对比了米开朗基罗（Michelangelo）对卡拉拉大理石的“精雕细刻”与康斯坦丁·布朗库西（Constantin Brâncuși）对粗砺石头表面的“抛光保留”，展示了艺术家如何利用材料的内在阻力来界定最终的边界。 第二部分：工具与时间的交织——工艺的深度与广度 第二部分将焦点投向了创作行为本身，探讨了工具作为艺术家延伸的感官器官，如何塑造材料的最终命运。这部分内容是对传统“艺术史”中对技术描述的超越，它关注的是工具在材料上留下的“物理签名”。 凡德堡详细分析了“凿痕的语言”。一把凿子、一把錾子，在木材或石头上留下的每一道痕迹，都是一次能量传递的记录。这些痕迹构成了雕塑的“第二皮肤”，影响着光线在其表面的折射与反射。书中通过对比不同时代、不同文化背景下雕塑表面的处理方式，如早期哥特式雕塑的细密刻划与现代抽象派雕塑的粗粝刮痕，阐释了如何通过触觉反馈来控制观众的视觉体验。例如，她对古代中国玉器打磨工艺中“苏工”与“扬工”的细微差别进行了近距离的文献分析，揭示了工艺的细微变异如何影响了玉石在不同光照下的“温润度”。 在处理“金属的温度与流动”时，本书引入了对铸造过程的深入剖析。熔化的青铜或铝，是短暂的液态，记录着最快的瞬间。凡德堡着重讨论了铸造缺陷——气泡、砂眼——如何从“失败”转变为“特征”。她认为，铸造工艺中不可避免的随机性，是艺术家与金属“意图”之外的共同创作。书中收录了多位当代铸造师的访谈记录，他们谈论的不再是模型制作的步骤，而是如何“引导”金属液体的冷却速度，以期望获得特定的表面张力与色彩斑斓的铜锈（Patina）。 此外，本部分还辟出一章专门探讨了“有机材料的消逝与重建”，关注木材、蜡、乃至骨骼等易逝材料在雕塑中的运用。这些材料的特性是“时间性”与“生物性”，它们的形态变化是雕塑经验不可分割的一部分。 第三部分：空间、重量与空无的共振 《雕塑的呼吸》的高潮部分，超越了对具体材料的描述，转而探讨雕塑如何与它所处的环境，即“空间”，进行不可分割的互动。雕塑不再是孤立的物体，而是定义空间的媒介。 作者深入阐述了“重量的感知错觉”。尽管雕塑的物理重量是恒定的，但人类对其重量的感知却极易受到形态、支撑结构以及周围环境的影响。她分析了阿尔贝托·贾科梅蒂（Alberto Giacometti）笔下那些纤细、仿佛随时可能倒塌的人物形象，并非仅仅是二战后焦虑的象征，更是对“支撑”与“重量”之间关系的主动解构。与之相对，书中也研究了理查德·塞拉（Richard Serra）那些巨大的、似乎违反物理定律的钢板作品，它们如何通过自身的体量，迫使观众重新评估自己的位置与身体的尺度。 最引人入胜的章节之一是关于“空洞的创造力”。雕塑的本质是实体与空间的辩证关系。凡德堡认为，艺术家雕刻的“空”，与被保留的“实”，具有同等的叙事权重。她运用建筑学中的空间理论，分析了亨利·摩尔（Henry Moore）作品中的穿孔结构，以及古埃及神庙中门楣上方的负空间（Negative Space）如何引导目光流向天空。这些“空”，是邀请观众进入雕塑内部世界的通道，是呼吸得以产生的空间。 全书的论述风格严谨而不失诗意，结构清晰且逻辑缜密。它不仅为艺术史学者提供了深入的材料学与现象学视角，也为当代创作者提供了一份触觉与物质哲学的深度指南。通过对泥土到永恒的物质旅程的细致梳理，《雕塑的呼吸》最终指向一个核心命题：雕塑艺术的生命力，源于艺术家对世界最基本元素的敬畏与持续的物质探问。本书旨在唤醒读者沉睡的触觉记忆，重新审视那些我们习以为常的固体形态。 --- 作者简介： 艾莉丝·凡德堡（Alice Van Der Bilt），出生于阿姆斯特丹，现任教于苏黎世联邦理工学院艺术与材料科学交叉研究中心。她的研究重点是工业革命后材料美学的转变、触觉感知在现代艺术中的作用，以及非西方雕塑传统中对“惰性材料”的激活方式。她曾在巴黎市立现代艺术博物馆和伦敦维多利亚与阿尔伯特博物馆担任客座研究员。她的著作《结构之影》（Shadows of Structure）曾获欧洲艺术评论学会年度大奖。

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阅读的过程，我感觉自己像是在跟随一位经验老到的建筑师在城市中穿梭，但这位建筑师的视角又极其个人化，充满了对生活细节的偏执。那些关于“如何打破既有界限”的论述，简直是为所有感觉被困在条条框框里的创意工作者敲响了一记警钟。书中很多关于“功能服从于情感”的观点，让我对“实用性”这个概念有了颠覆性的认识。它不是简单地罗列了多少种创新的技巧，而是探讨了为什么需要创新，以及创新背后的精神内核是什么。让我印象深刻的是其中一处关于“材料的诚实性”的论述，作者坚持认为，材料不应该被过度包装或掩饰其本性，这种对真实性的追求，贯穿了全书的每一个章节。阅读到深夜时，我经常会合上书本，盯着对面的墙壁发呆，脑子里自动将书中的理论框架代入到我自己的居住空间里，这种即时的、具有强烈互动性的学习过程，是很多枯燥的理论书籍无法给予的。它不仅仅是知识的传递，更是一种思维的激发。

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对于那些追求极致效率的读者而言，这本书的价值可能需要耐心去挖掘，因为它拒绝提供速成的秘诀，它售卖的是一种看待世界的全新滤镜。我发现，阅读这本书的过程，很大程度上是在修正我过去固有的“经验陷阱”。很多我自认为已经解决得很好的问题，在作者的剖析下，才发现只是触及了表皮。书中对“时间的维度”在设计中的体现的探讨尤其深刻，它提醒我们，一个好的设计不应该只在完工的那一刻是完美的，更要在日晒雨淋、时间流逝中展现出它迷人的生命力。我尝试着将书中关于“流动性”的观点应用到我最近的一个小项目上，效果立竿见影，那种从僵硬到灵动的转变，让我对作者的洞察力深感敬佩。总而言之，这本书不是用来“读完”的，它是用来“消化”和“融入”到你的创作血液中的，它提供的，是一种持续更新的内在驱动力。

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这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，那种触感，仿佛能感受到纸张在指尖的呼吸。光是翻开扉页，就能被那种沉稳而又充满生命力的排版所吸引。我特意找了一个阳光充足的午后，泡上一杯香浓的伯爵茶，才敢郑重其事地开始阅读。它给我的第一印象是，作者对于“视觉表达”的理解已经超越了单纯的图文并茂，而是一种近乎哲学的思考。那种对空间、色彩和材料之间微妙关系的捕捉，让人不禁停下来，反思自己平时对身边环境的漠视。书中很多案例的呈现方式都非常大胆，它们没有遵循传统的“是什么、怎么做”的教科书式结构，反而更像是一场精心编排的视觉漫步。尤其是在讨论到光影如何塑造纹理的那几个章节，作者的文字就像是一位技艺精湛的雕塑家，用词精准而富有诗意，让人仿佛能“听”到光线击打在不同材质上的声响。这种阅读体验，远超出了我对于一本工具书或案例集的基本期待，更像是在进行一次深层次的美学熏陶。

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不得不提的是，这本书的语言风格中蕴含着一种近乎浪漫主义的激情，但这种激情又被高度理性的结构所制衡，形成了独特的张力。它没有那种高高在上的精英主义口吻，反而像是一位经验丰富的朋友，在热切地分享他行走江湖多年悟出的独家秘籍。我尤其欣赏作者在关键转折点上所使用的那种富有画面感的比喻。比如，将一个成功的创意比喻为“在既定的河流中开辟出一条新的溪流”，这个形象的比喻立刻将“在限制中寻求突破”的难度和美感展现得淋漓尽致。这本书的阅读体验，更像是进行了一场智力上的冒险，每一次翻页都伴随着“原来可以这样想”的顿悟感。它挑战了我们对“固定”和“稳定”的固有认知，鼓励我们将目光投向那些被我们习惯性忽略的、充满可能性的边缘地带。对于长期处于审美疲劳期的人来说，这本书无疑是一剂强心针。

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这本书的叙事节奏掌控得非常高明，它不是一气呵成的线性叙事，而是像音乐的变奏曲，时而舒缓如清晨的薄雾，时而又骤然紧凑，抛出极具冲击力的观点。我特别喜欢作者在处理那些复杂的设计难题时，所展现出的那种从容不迫的解构能力。他似乎总能找到那个最关键的“阿基米德点”，然后所有的创意和解决方案便顺理成章地找到了落脚处。例如，在描述如何利用高差来划分功能区域时，作者所采用的类比手法，将物理空间的划分与人类心理的疏离感巧妙地联系起来，这种跨学科的借鉴能力，显示了作者深厚的文化底蕴。读完后，我立刻去翻阅了书中引用的那些艺术家的作品集，发现书本本身就是一个极好的索引，它打开了一个更广阔的、充满对话性的知识网络，而不是一个封闭的知识孤岛。这种引导读者主动探索的模式，是它最宝贵的价值之一。

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满满的墙面，很有杂货风的赶脚，我喜欢看这一类的书，但是也仅仅是喜欢看而已

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“艾萨在她乡间住所附近的跳蚤市场买了两个千斤顶。她被这两个千斤顶深深吸引，但当时她甚至都还不知道该拿它们来做什么。就在她把它们带回家的那天，她在垃圾箱里发现了一块厚木板。木板的宽度恰到好处，现在千斤顶与木板放在一起，成了卧室里的层架。有时会觉得，你的家具似乎本来就该是这个模样。”

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满满的墙面，很有杂货风的赶脚，我喜欢看这一类的书，但是也仅仅是喜欢看而已

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