敦煌石窟艺术总论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:甘肃教育出版社

作者:赵声良

出品人:

页数:382

译者:

出版时间:2013-11

价格:50

装帧:平装

isbn号码:9787542323903

丛书系列:敦煌講座書系

图书标签:

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壁上千载，风拂禅心：一部中国古代佛教艺术的深度探索 在中国浩瀚的文化长河中，佛教艺术无疑是其中璀璨夺目的一页。它不仅是信仰的载体，更是那个时代社会、政治、经济、文化交流的生动见证。本书旨在深入剖析中国古代佛教艺术的发展脉络、艺术特征及其深远影响，带领读者穿越历史的尘烟，感受那些凝固在石窟、壁画、雕塑中的辉煌与虔诚。 第一章：佛教东渐与艺术之源——佛教艺术的肇始与早期发展 佛教自汉代传入中国，便开始了其本土化的漫长而辉煌的历程。这一章节将追溯佛教传入中国的早期历史，探讨其如何在中国的土地上生根发芽，并与中国本土的哲学思想、艺术传统相融合。我们将重点关注佛教艺术初期的形态，例如早期佛教造像的风格演变，以及早期佛教经典的翻译对艺术形象的影响。 早期经典与图像的传播： 探讨《四十二章经》等早期佛教经典的传入，以及这些经典中描述的佛陀、菩萨形象如何影响了早期的艺术创作。我们将考察一些早期佛教艺术的代表性遗存，如西域的克孜尔石窟、中国的洛阳龙门石窟早期窟龛等，分析其艺术风格、题材选择与早期佛教思想的关联。 汉地佛教艺术的萌芽： 研究汉代以来，中国本土艺术家如何理解和诠释佛教题材。关注当时出现的佛教造像、壁画等艺术形式，分析其受到中国传统艺术，如墓室壁画、铜器纹饰等的影响，以及它们如何逐渐摆脱印度风格，呈现出初步的中国化特征。 丝绸之路的艺术交融： 强调丝绸之路在佛教艺术传播中的关键作用。探讨佛教艺术如何在丝绸之路沿线，特别是河西走廊地区，形成东西方艺术风格交汇的独特景象。分析犍陀罗艺术、笈多艺术等对中国早期佛教艺术的影响，以及中国艺术家如何在此基础上进行再创作。 第二章：金石塑影，绘迹千年——魏晋南北朝时期的佛教艺术 魏晋南北朝是中国历史上一个重要的分裂与融合时期，也是佛教艺术飞速发展的关键阶段。这一时期，随着政权的更迭和民族的迁徙，佛教在民间得到了更广泛的传播，寺院经济日益兴盛，为佛教艺术的繁荣提供了坚实的基础。 佛教造像的革新： 深入剖析北朝时期佛教造像的艺术特征。从云冈石窟的雄浑壮丽，到龙门石窟的精巧细腻，我们将仔细考察不同时期、不同地域的造像风格。分析其脸部造型、服饰纹样、姿态表情等方面的变化，以及这些变化所反映的社会审美情趣和技术进步。重点探讨“秀骨清像”风格的形成与演变，以及其在中国佛教艺术史上的重要地位。 壁画艺术的崛起： 关注北朝时期壁画艺术的成就，特别是敦煌莫高窟早期壁画。分析其题材的多样性，从佛传故事、本生故事到飞天、供养人形象，都展现了当时人们对佛教的理解和对美好生活的向往。考察其色彩运用、线条勾勒、构图布局等艺术手法，以及它们如何逐渐形成了中国化的叙事风格。 寺院建筑与佛教艺术的结合： 探讨当时寺院建筑的特点，以及佛教艺术如何在寺院建筑中得到集中体现。分析佛塔、大殿、禅堂等建筑的空间布局，以及壁画、雕塑如何与之相结合，共同营造出庄严神圣的宗教氛围。 佛教图像学的初步构建： 审视这一时期佛教图像学的发展。分析佛教经典如何指导艺术创作，以及艺术家在遵循经典的同时，如何根据中国人的审美习惯进行艺术化的处理。探讨当时佛教僧侣、艺术家在图像传播中的作用。 第三章：盛世佛光，华夏梵音——隋唐盛世的佛教艺术 隋唐是中国历史上一个开放、自信、繁荣的时代，佛教艺术也达到了前所未有的高峰。这一时期的佛教艺术，不仅在技艺上达到了炉火纯青的境界，更在思想内涵和艺术表现力上展现出博大精深的特质。 长安与洛阳的艺术中心： 聚焦隋唐时期作为佛教艺术中心的长安和洛阳。分析这一时期寺院建筑的宏大规模，以及其艺术装饰的精美绝伦。考察长寿命量佛像的制作，以及大型壁画的创作，如大明宫、兴庆宫等皇家寺院的艺术风格。 密宗艺术的兴盛与发展： 重点关注密宗佛教在唐代的传播及其对艺术的影响。分析密宗造像的复杂性，如多面、多臂形象，以及密宗仪轨对壁画构图、色彩运用的影响。考察长安青龙寺、大兴善寺等密宗道场的艺术遗存。 高僧大德与造像艺术： 探讨高僧大德的形象如何被纳入佛教艺术创作。例如，玄奘西行取经的故事如何被描绘在壁画和雕塑中，以及具有代表性的高僧的造像如何体现其精神风貌。 中外文化的辉煌交融： 再次强调丝绸之路的持续影响。分析唐代佛教艺术如何吸收了波斯、印度、中亚等地的艺术元素，并将其融入中国本土的艺术体系，形成了兼容并蓄、独具风格的艺术成就。考察敦煌莫高窟唐代壁画中更为成熟的叙事手法、更为丰富的色彩运用以及更为生动的人物形象。 佛教音乐与舞蹈的艺术呈现： 简要触及佛教音乐和舞蹈在唐代的繁荣，以及它们如何通过图像化的方式，如壁画中的乐舞场面，得以永恒。 第四章：禅意流转，俗韵渐浓——宋元时期的佛教艺术 宋元时期，中国社会经历了深刻的变革，佛教艺术也随之呈现出新的面貌。这一时期，佛教艺术更加注重人性化的表达和世俗化的倾向，禅宗的兴起更是对其产生了深远影响。 禅宗艺术的审美转向： 探讨禅宗哲学对佛教艺术的影响。分析禅宗山水画、禅茶图等题材的兴起，以及这些作品如何体现“写意”、“留白”、“意境”等东方美学特质。考察宋代画家如何通过笔墨的挥洒，传达禅宗的空灵与超脱。 民间佛教艺术的繁荣： 关注宋元时期民间佛教艺术的兴盛。分析民间的雕塑、绘画、刺绣等艺术形式，如何将佛教题材与民间的审美情趣相融合，创造出更为通俗易懂、贴近生活的艺术形象。例如，各地寺庙中更为生动的罗汉、菩萨造像。 佛教艺术的地域特色： 探讨宋元时期不同地区佛教艺术的地域性差异。例如，南方佛教艺术的精致秀丽，北方佛教艺术的粗犷有力，以及佛教艺术在少数民族地区的独特发展。 元代藏传佛教艺术的影响： 关注元代藏传佛教艺术在汉地的传播。分析藏传佛教造像的独特风格，如其繁复的装饰、鲜艳的色彩，以及它如何与汉地佛教艺术产生互动。 第五章：信仰的传承与艺术的生命——中国古代佛教艺术的价值与启示 本章将对前文的论述进行总结，并升华到对中国古代佛教艺术的整体价值和深远影响的探讨。 文化交流的载体： 再次强调佛教艺术在中国古代文化交流中的重要作用，它不仅是宗教的传播，更是东西方文明互鉴的生动实例。 社会生活的折射： 佛教艺术是那个时代社会、政治、经济、生活方式的生动记录。通过对艺术作品的解读，我们可以窥见古代社会的风貌、人们的精神世界和审美追求。 精神信仰的象征： 佛教艺术是古代中国人精神信仰的集中体现。它们以无声的语言，诉说着对生命、宇宙、解脱的思考与追求。 艺术史上的里程碑： 中国古代佛教艺术，特别是石窟艺术、壁画、雕塑等，在世界艺术史上占据着重要的地位。它们不仅代表了中国古代艺术的最高成就，也为后世艺术创作提供了不竭的灵感。 当下价值与启示： 探讨中国古代佛教艺术对当代社会的意义。它们所蕴含的慈悲、智慧、和谐等精神，对于当下社会具有重要的启示作用。同时，它们也是中华优秀传统文化的重要组成部分，是值得我们珍视和传承的宝贵财富。 本书力求以严谨的学术态度，结合翔实的史料和丰富的图像资料，为读者呈现一幅中国古代佛教艺术的壮丽画卷。我们希望通过对这些艺术瑰宝的解读，让读者深刻理解佛教艺术在中国文化中的独特地位，感受其穿越时空的艺术魅力和精神力量。

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这本关于敦煌石窟艺术的著作，简直是一场穿越时空的视觉盛宴，尽管它主要聚焦于那个宏伟的艺术宝库，但我从中窥见的，却是更广阔的文化交融与信仰变迁的脉络。我尤其被作者在叙述中展现出的那种对细节的执着所打动，仿佛他不是在写一部学术论著，而是在亲身讲述那些壁画与塑像背后的故事。书中对丝绸之路上不同文明的碰撞与融合的描绘，特别是犍陀罗艺术对中原佛教造像风格产生的微妙影响，令我深思。我能清晰地感受到，敦煌并非一个孤立的存在，它是世界艺术史长河中的一个关键节点，承载了印度的虔诚、中亚的健硕以及中土的含蓄。如果说以往我对敦煌的认识停留在“精美绝伦的佛像与飞天”的表层，那么通过阅读，我开始理解那些繁复的图案背后，蕴含的哲学思辨和政治气候。那种跨越千年的静默对话，通过文字被重新激活，让人对“文化遗产”这四个字有了更深刻的敬畏。

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读完这部作品，我最大的感触是它在构建历史叙事时的宏大格局，完全跳出了传统美术史的窠臼。作者的笔触雄健而又不失细腻，尤其是在探讨敦煌艺术如何反映不同朝代统治者的意识形态时，那种穿透力令人叹服。例如，书中对北魏时期佛教造像中那种“秀骨清像”到隋唐时期“丰腴圆润”的演变过程的分析，不仅仅是风格的描述，更是对社会经济基础、审美风尚乃至统治者心态变化的深刻洞察。这种将艺术置于宏大历史背景下考察的视角，让我对艺术史研究有了全新的认识——它远不止是图录的堆砌，而是一种深邃的社会学和人类学研究。这种将艺术事件与国家命运紧密结合的叙事手法，使得整本书读起来酣畅淋漓，充满了历史的张力，让人仿佛置身于那个风云激荡的时代洪流之中，感受文化的澎湃力量。

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这本书的编排结构，体现了极高的专业素养和匠人精神。它不是简单地按照洞窟编号或者年代顺序堆砌材料，而是根据主题、功能甚至绘画技法进行了巧妙的归类和对比分析，使得读者在阅读时能够建立起清晰的知识框架。这种结构化的叙事，让原本浩如烟海的敦煌图像，有了一个条理分明的“检索系统”。尤其是书中关于色彩运用和晕染技法的对比章节，作者仿佛化身为一位现场的工匠，用文字细致地描绘了不同时期画师们如何调配矿物颜料，如何运用“晕染法”来增加立体感。这种对工艺细节的关注，将冰冷的艺术品转化为鲜活的创作过程，极大地增强了阅读的现场感和沉浸感。这本书无疑是深入理解敦煌艺术的必备工具书，其严谨性与启发性并重，令人受益匪浅。

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这本书的行文风格极其凝练，用词考究，透露出一种老派学者的严谨与深厚。它没有过多地使用那些华丽辞藻来渲染敦煌的神秘感，而是通过扎实的考据和严密的逻辑推理，将那些晦涩难懂的佛教仪轨和图像学知识，梳理得井井有条，易于理解。我欣赏作者对文献资料的驾驭能力，那种信手拈来却又精准无比的引用，体现了长年累月积累下的学养。特别是对某些壁画主题的图像学溯源，作者展现了惊人的耐心和跨学科的知识储备，将印度、波斯乃至更远方的文化源头追溯得清清楚楚。这种“剥茧抽丝”式的研究方法，让原本面目模糊的古代艺术形象变得立体而清晰，为我们这些非专业读者搭建了一座通往专业知识的坚实桥梁，读来既感到知识的充实，又不会有被术语淹没的焦虑。

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如果非要挑剔一点，我认为这本书在涉及对敦煌艺术的“当代解读”方面似乎稍显克制，但或许这恰恰是其价值所在。它更像是一份珍贵的“原著档案”，专注于挖掘和呈现历史本身的面貌，而不是急于去贴合现代的某种思潮。这种专注于“本体论”的研究态度，保证了作品的恒久生命力。我读到关于那些供养人画像的描述时，深感震撼，那些并非佛像，却有着比佛像更具体的人间烟火气。作者通过对这些供养人服饰、面貌的细致描摹，无意中为我们打开了一扇观察中世俗人生活的侧窗。这种对“非主流”艺术细节的关注，恰恰折射出一种人文主义的光辉——艺术的伟大，不仅在于神圣的殿堂，更在于普通人在历史长河中留下的微小印记。

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南图。没图你说个毛线。

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简述 敦煌艺术

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赵院长这部书以敦煌壁画艺术为主干，兼及石窟流变、窟型结构、彩塑艺术以及现代画家的临摹与创新等内容。全书篇章结构合理，文笔优美，特别适合一手捧着敦煌画册，一手研读此书。最值得称道的是，赵院长对不同类型壁画的细部描述，经常有绝妙的佳句评析，读起来真是畅快。

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赵院长这部书以敦煌壁画艺术为主干，兼及石窟流变、窟型结构、彩塑艺术以及现代画家的临摹与创新等内容。全书篇章结构合理，文笔优美，特别适合一手捧着敦煌画册，一手研读此书。最值得称道的是，赵院长对不同类型壁画的细部描述，经常有绝妙的佳句评析，读起来真是畅快。

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平实之作，第7章谈人物画和第8章谈山水画精彩。其他部分有的平平，有的内容不感兴趣。