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出版者:

作者:疯子木

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2014-7-1

价格:0

装帧:精装

isbn号码:9787115364593

丛书系列:

图书标签:

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探秘古籍修复的奥秘：纸张的呼吸与墨色的永恒 图书简介 本书《古籍修复的艺术与技艺》是一部深度聚焦于中国传统古籍保护与修复领域的专业著作。它并非仅仅停留在理论的阐述，而是以一种近乎田野调查和工匠手记的姿态，带领读者深入到古籍修复的每一个精微环节，揭示那些被时间尘封的纸张、墨迹和装帧背后所蕴含的独特工艺、文化价值与历史情感。 本书的结构严谨，内容翔实，旨在为古籍修复领域的初学者、专业人员，乃至对传统工艺与文化遗产保护抱有深厚兴趣的普通读者，提供一个全面而立体的认知框架。全书共分为五大部分，层层递进，从宏观的理念到微观的操作，无不体现出对传统文化审慎而敬畏的态度。 第一部分：古籍的“生命史”与病理诊断 本部分着重于构建读者对“什么是古籍”以及“它们如何衰老”的深刻理解。我们首先追溯了中国古代纸张、墨料、砑花、泥金等关键材料的起源与演变，探讨了不同历史时期（如宋代的麻纸、明清的竹纸）的材质特性如何影响古籍的耐久性。 随后，本书详细剖析了导致古籍受损的内外部环境因素。外部因素包括自然气候（湿热、干燥、光照）、虫蛀（蛀书虫的种类与危害模式）以及人为不当处理（如早期不规范的粘贴、油污污染）。内部因素则深入到纸张本身的化学变化，例如酸性水解、氧化反应导致的书页泛黄、脆化和“霉斑”的形成机理。 特别值得一提的是，本部分引入了“古籍病理诊断学”的概念。通过大量高清的文物照片和显微镜下的图像对比，详细区分了“水渍痕”、“火烤痕”、“霉斑”、“虫蛀洞”等不同损伤类型的形态特征、成因分析及其对后续修复方案选择的决定性影响。这部分内容的详尽，确保了修复工作的基础建立在准确的诊断之上，避免“对症下药”的盲目性。 第二部分：工具、材料与工作环境的哲学构建 古籍修复被誉为“慢的艺术”，对工具和材料的要求极为苛刻。本部分详尽描绘了修复工作坊的理想状态，并系统介绍了必备的传统工具。 工具的传承： 书中详述了如“竹篦子”、“饾板”、“排笔”、“尖头刮刀”等传统工具的形制、材质选择（例如不同木材对刮除病残物的适宜性）以及使用技巧。重点介绍了如何手工制作适应特定纸张厚度的“排笔”，这体现了修复师对材料的个性化定制能力。 材料的精选与炮制： 修复的核心在于“以旧补旧，以和为贵”。本部分花费大量篇幅介绍了修复用纸的选取。我们追溯了数种传统纸张（如皮纸、宣纸、仿古纸）的纤维结构，并指导读者如何通过浸泡、煮、蒸、捶打等工序，将新纸“养”成与古籍原纸在色泽、韧性、吸水性上高度一致的“补笺”。此外，书中还详细讲解了传统糯米浆糊的配制比例与熬制火候的控制，强调了浆糊的粘合力、透明度与返水性对于修复效果的决定性作用。 无污染环境的构建： 修复工作对环境的洁净度要求极高，本书阐述了湿度、温度控制对纸张稳定性的重要性，并强调了在整个修复过程中，如何避免使用任何可能含有酸性残留或活性化学物质的现代材料。 第三部分：核心修复技艺的工序分解与实践指导 这是本书技术含量最高的部分，将复杂的修复流程分解为一系列可操作、可学习的步骤。内容涵盖了从最基础的书页处理到复杂的线装恢复的全过程。 1. 纸张的清理与加固： 重点讲解了“洇化”技术的应用，即如何通过控制水分，使纸张上的陈年污渍和浮尘缓慢渗出，而不损伤墨迹。随后是针对脆弱区域的“衬纸”技术，指导修复师如何用极薄的纤维纸对“漏书”处进行单面或双面渗透加固，保持原样的平整度。 2. 墨迹的保护与补全： 探讨了墨迹的化学性质，如何区分洇散的墨与未洇散的墨。对于缺损严重的墨迹，书中介绍了“以色补色，以墨补墨”的原则，强调补墨时必须使用研磨细腻的传统松烟墨或油烟墨，并以极细的排笔，顺应原书的书写笔意进行“仿写”，而非简单的填色。 3. 卷轴、册页与线装的复原： 针对不同装帧形式，采取不同的复原策略。卷轴的“接裱”需要极高的对齐精度；册页的“托裱”则需要确保受力均匀；而线装书的修复则细致到线绳的选择（如麻线、丝线）与打结方式的复原，确保新装订线与原装订线在视觉和物理性能上保持一致。 第四部分：特殊材质的保护与跨学科视角 古籍的内容包罗万象，除了常见的纸质书，还包括了竹简、木牍、绢本等特殊载体。 绢本与织物的修复： 绢本的脆弱性远超纸张。本部分重点介绍了绢本的“打酸”、“软化”处理，以及使用天然丝线进行“抽丝缀补”的方法，以恢复其原有的垂坠感和光泽。 刻版与拓片的保护： 书中延伸探讨了雕版印刷的技术特点，以及如何对老旧的木刻版进行清洁、上油和防霉处理，以保持其印刷潜能。对于历史拓片，则侧重于其装裱过程中对纸张厚度和拓片纤维的适应性处理。 跨学科的融合： 这一部分还引入了现代科学检测手段（如X射线荧光光谱分析等）在辅助诊断中的应用，但核心思想始终是“科技是为传统工艺服务的”，最终的修复决策仍需遵循传统审美和材料科学的原则。 第五部分：修复的伦理、美学与文化责任 本书的收尾部分，提升至对修复工作的哲学思考层面。 修复伦理的坚守： 我们强调“最小干预”和“可逆性”两大核心伦理原则。任何修复行为都必须是可被识别的，避免“过度修复”对历史信息和文物价值的破坏。书中列举了多例修复前后对比，引发读者对“何为完整”的思考。 修复中的“时间感”与“匠人精神”： 修复工作是对时间流逝的抗争，也是对逝去匠人技艺的致敬。本书通过对数位当代杰出修复师案例的剖析，展示了他们如何将对历史的理解融入到每一个穿针引线的动作中，使修复本身成为一种创造性的文化行为。 结语： 《古籍修复的艺术与技艺》不仅是一本技术手册，更是一部关于文化传承的宣言书。它呼吁我们以敬畏之心对待每一份穿越时空的墨香，确保这些凝结了人类智慧的纸质记忆，能够以最健康、最本真的面貌，继续向未来讲述它们的故事。本书旨在培养新一代的修复人才，让他们不仅掌握“如何修”，更理解“为何修”。

评分☆☆☆☆☆

在前期起形时，想好画面的结构构图，画的时候要注意整个画面的布局。 画点法法来画鱼、蝴蝶和藤蔓，用点的疏密来表现明暗关系。整个画面的黑白灰都是用点的疏密来表现。 画线法可以画一些带有毛发的动物，注意层次和方向，还有疏密明暗的节奏安排。 了解生物的骨骼结构，比如要...

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

说实话，刚拿到这本书的时候，我有点担心它会过于学院派，毕竟市面上很多理论书籍都枯燥乏味，读起来像是在啃教材。但这本书的行文风格异常亲切和流畅，读起来就像是听一位经验丰富的前辈在手把手教你经验。最让我惊喜的是，它并没有过度强调那些高深的理论术语，而是将复杂的概念拆解成一个个可以立即上手的“小练习”和“小技巧”。比如，它介绍“情绪板”的构建过程，不是简单地罗列一堆图片，而是深入分析了每张图片选择背后的情感驱动力。这种由内而外的创作思路，对我这个习惯于先画形再考虑内容的“老毛病”来说，简直是醍醐灌顶。另外，书中关于不同媒介特性的讨论也非常到位，无论是传统的铅笔、水彩，还是数字绘画中的笔刷模拟，作者都给出了非常中肯的建议，告诉你如何扬长避短，而不是盲目追求某种“潮流”效果。阅读过程中，我多次停下来，拿起我的画笔，尝试书里提到的那些小诀窍，效果立竿见影，那种进步带来的成就感，是其他任何学习方式都无法比拟的。这是一本真正能让你“动手”起来的书。

评分☆☆☆☆☆

天呐，这本书简直是视觉盛宴！我本来以为这只是一本普通的入门指南，没想到里面的内容深度和广度都超出了我的预期。尤其是关于色彩理论的那几个章节，作者的讲解细致入微，简直就像是把一个复杂的数学公式用最直观、最艺术的方式呈现了出来。我以前总是在调色板前感到迷茫，不知道该如何搭配出那种既和谐又富有冲击力的色彩组合，但这本书提供了一整套行之有效的思路和大量的案例分析。那些关于光影和构图的讲解，更是让我茅塞顿开。以前我总是机械地模仿别人，现在我能理解为什么某些构图会让人感到舒适或紧张，这完全是基于对观众心理的精准把握。书里的插图质量毋庸置疑，每一张都像是精心挑选的艺术品，不仅仅是展示技法，更是在传达一种情绪和故事。我特别喜欢其中一节关于“叙事性线条”的探讨，作者通过对比不同风格的线条，展示了线条是如何塑造角色性格和推动情节发展的。读完之后，我感觉自己对“看”和“画”的理解都有了质的飞跃，不再是单纯的模仿，而是真正开始思考如何用画面语言进行有效的沟通。这本书对于任何想在视觉艺术领域深耕的人来说，都是一本不可多得的宝典，我已经迫不及待地想把学到的东西应用到我的下一个项目中去了。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的价值远超其标价。我关注到它在探讨“商业插画的生命力”这一部分时，提出的观点非常前瞻。它没有停留在传统的商业应用，而是深入讨论了在当前多媒体交互界面日益普及的背景下，插画如何更好地融入动态叙事和用户体验设计中。这对于我们这些需要适应市场变化的创作者来说，提供了非常宝贵的战略指导。书中关于“视线引导流线”在信息图和信息设计中的应用，让我对商业项目中的视觉传达有了全新的认识，它不再是简单的装饰，而是驱动用户行为的关键要素。阅读过程中，我发现作者的视野非常开阔，他不仅分享了自己的经验，还引用了许多不同文化背景下的视觉传统，让整个内容更加丰富和立体。这本书的阅读体验是沉浸式的，它激励我跳出自己固有的舒适区，去探索那些我此前一直回避的、看起来“难度很高”的创作领域。它真正做到了，不仅教你如何用画笔，更教你如何用眼睛和头脑去看待世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事结构处理得非常巧妙。它没有采用传统的“从基础到高级”的线性结构，而是将理论知识穿插在对一系列“大师案例”的剖析之中。每一次分析一个案例，都会立刻引出相关的技术要点，比如如何处理复杂背景下的焦点集中，或者如何通过环境光来烘托人物情绪。这种“问题导向”的学习路径，让我觉得学习过程非常聚焦和实用。我之前在学习如何处理复杂场景时，总是找不到切入点，总觉得画面哪里都想画，结果哪里都画不好。而这本书直接给出了几个处理这种困境的“过滤器”，让我学会了取舍和聚焦。此外，书中对“角色设计中的动态平衡”的讨论，简直是神来之笔。它不只是教你如何画出动态的姿势，更深入探讨了如何通过角色的服装、道具甚至发丝的走向，来暗示其内在的性格和即将采取的行动。这种对细节的极致追求，是真正区分“技工”和“艺术家”的关键所在，这本书恰恰在教我们如何成为后者。

评分☆☆☆☆☆

我作为一个已经工作了几年，但总感觉自己停滞不前的插画师，这本书对我来说就像是一剂强心针。我最欣赏它处理“创意枯竭”问题的方式。很多教程只教你如何画得更好看，却很少有人教你如何找到“新东西”来画。这本书里专门开辟了一个章节，探讨了如何从非艺术领域（比如历史、科学、哲学甚至烹饪）中汲取灵感，并将其转化为独特的视觉元素。这种跨学科的视角，极大地拓宽了我的创作边界。我尤其喜欢其中关于“象征主义”的案例分析，作者通过解构几个经典神话故事的插图，展示了如何利用符号和隐喻来增加作品的层次感和解读空间。这让我意识到，好的插画绝不仅仅是漂亮的图形堆砌，它更是一种深层次的文化表达。而且，这本书的排版设计本身就是一件艺术品，大开本的尺寸、精良的纸张，阅读体验极佳，让人忍不住想珍藏。它不是那种读完就束之高阁的工具书，更像是可以时常翻阅、每次都能获得新感悟的“创作伙伴”。

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一般

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07.03.19

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07.03.19