The Ultimate Scene and Monologue Sourcebook, Updated and Expanded Edition

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出版者:St Martins Pr
作者:Hooks, Ed
出品人:
页数:336
译者:
出版时间:2007-10
价格:158.00元
装帧:Pap
isbn号码:9780823099498
丛书系列:
图书标签:
  • 戏剧
  • 表演
  • 独白
  • 场景
  • 选段
  • 演员
  • 训练
  • 技巧
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具体描述

All actors and acting teachers need this invaluable guide to finding just the right piece for every audition. The unique format of the book is ideal for acting teachers who want their students to understand each monologue in context. This remarkable book describes the characters, action, and mood for more than 1,000 scenes in over 300 plays. Using these guidelines, the actor can quickly pinpoint the perfect monologue, then find the text in the Samuel French or Dramatist Play Service edition of the play. Newly revised and expanded, the book includes the author's own assessment of each monologue.

探索表演的深度与广度:《舞台与独白终极宝典,更新与扩充版》之外的表演世界 这是一部旨在引导演员、导演以及所有对戏剧艺术怀有热忱的个体,深入探索表演实践与理论核心的指南。本书并非聚焦于特定场景或台词的汇编,而是致力于构建一个坚实、多维度的表演知识体系,帮助学习者在理解表演本质、培养创作思维以及提升舞台呈现能力方面实现质的飞跃。 本书的核心价值在于其对表演科学与艺术的系统梳理。我们深知,优秀的表演并非仅仅依赖于天赋,它需要精湛的技艺、深刻的洞察力和不懈的训练。因此,内容首先从表演的基础生理与心理机制展开。我们将探讨演员如何运用身体作为表达工具,从呼吸控制、身体解放到肢体语言的细微差别,如何通过专注力、情感调动和意图设定来构建角色的内在世界。 第一部分:表演本体论与技术基石 本部分将彻底解构表演的基础,摒弃对现成材料的依赖,转而关注演员自身的构建过程。 一、身体作为发声体与载体: 我们深入研究“身体感知”在表演中的作用。这包括对斯坦尼斯拉夫斯基体系中“身体记忆”的现代诠释,以及如何利用梅耶荷德的生物力学原理来构建具有鲜明个性特征的动作模式。章节会详细解析如何通过拉伸、核心控制和关节释放,达到既能精准控制又能自然流露的状态。重点关注如何将生理反应(如心跳加速、肌肉紧张)转化为有意识的表演选择,而非仅仅是不可控的紧张。 二、声音的建筑学: 一个强大的、富有表现力的声音是演员的生命线。本书将声音训练提升到声学与心理投射的高度。我们不提供朗诵范例,而是教授如何解构声音的物理特性——音高、音量、音色、韵律——并将其与角色的社会背景、情绪状态及内心冲突相连接。内容涵盖气息支撑的科学性、共鸣腔体的优化使用,以及如何清晰、有力地传达文本的复杂含义,而不受限于特定戏剧风格。 三、心理过程与情感触发: 这是表演的核心挑战。本书探讨了如何建立可重复、可持续的情感连接。我们考察了基于情感记忆(Emotional Recall)的替代性方法,如现代心理学中的“替代性体验”(Vicarious Experience)和“共情投射”(Empathic Projection)。重点在于训练演员建立一个安全的、可信赖的“情感容器”,使情感的爆发是源于剧本逻辑的必然,而非表面的模仿。同时,会介绍如何通过“替代物”(Magic If)的有效运用,将抽象的剧本情境转化为个人化的、可感知的现实。 第二部分:文本分析与角色构建的深度透视 在脱离现成场景的前提下,本书将焦点集中于如何独立地、深入地解析任何文本,并从中提取出角色的完整骨架。 一、剧本的解构与重构: 我们将提供一套严谨的戏剧文本分析框架。这套框架超越了简单的“谁、什么、哪里”,它要求演员和导演系统地识别文本中的“潜台词”(Subtext)、“行为线”(Action Line)和“戏剧性目的”(Dramatic Intent)。我们会详细阐述如何通过分析剧本的结构、节奏和语言密度,来定位场景的“转折点”(Turning Point)和“高潮冲突”(Climax Conflict),即便这些点没有被明确标记。 二、角色的多维度肖像绘制: 角色不再是标签的堆砌,而是动态系统的集合。本书提供了一种“系统性角色构建法”,它要求演员同时关注角色的: 1. 社会性维度: 阶层、职业、历史背景对行为的制约。 2. 心理病理维度: 核心恐惧、未被满足的需求以及自我欺骗机制。 3. 审美维度: 角色对美、秩序和混乱的独特反应,这直接影响其舞台姿态和着装选择(即使最终服装由设计部门决定,演员也需要理解其内在逻辑)。 三、动机链的精确推导: 核心在于“为什么”。本书强调动机链(Chain of Motivation)的建立——从起始意图到最终行动的每一步逻辑支撑。我们将探讨如何识别文本中暗示的、但从未言明的动机,并确保演员的每一个动作和台词选择都服务于这条清晰的、不可动摇的内在驱动力。 第三部分:排练过程的创新与协作艺术 表演的实现离不开排练室内的实践。本部分侧重于指导演员如何优化排练时间,并与团队进行高效的艺术对话。 一、即兴的结构化应用: 即兴(Improvisation)并非为了产生娱乐效果,而是为了发现新的表演可能性。我们将介绍如何设计有明确目标和限制的即兴练习,以强迫演员跳出习惯性反应,探索角色的边缘地带。这些练习旨在深化对场景关系和能量流动的理解,而非简单的“自由发挥”。 二、空间与时间的舞台物理学: 舞台空间(Stage Space)和时间感(Pacing)是沉默的对话者。本书探讨了如何利用舞台空间调度(Blocking)来象征权力关系、情感距离或内心冲突。我们不提供固定走位,而是教授演员如何根据场景能量的变化,动态地占据和解放舞台区域。对时间的敏感度训练,例如如何拉长或压缩关键瞬间的心理体验,也将被细致阐述。 三、导演与演员的共创关系: 成功的演出是合作的产物。本章旨在培养演员的“接受性”与“建设性”。我们指导演员如何以开放的心态接收导演的反馈,并将其转化为具体的、可执行的表演调整,而不是仅仅停留在“理解”的层面。同时,也探讨了演员如何在尊重导演愿景的前提下,有策略地提出自己的艺术见解,共同推动作品的深化。 结语:走向永恒的探索者 本书的终极目标是培养出具有自我批判能力、知识储备丰富且技艺精湛的表演者。它提供的是方法、框架和深度思考的工具,而不是现成的捷径。通过掌握这些底层逻辑和系统性分析方法,无论面对何种类型的剧本、何种流派的戏剧,演员都将拥有构建角色的核心能力,成为一个真正意义上的舞台探索者。

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目录信息

读后感

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用户评价

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说实在话,我购买这本书的初衷,是希望它能成为我排练室里那个随时可以翻开,立刻带来灵感的伙伴。我期待的是那种一眼就能抓住人心的力量,那种能激发演员原始创作冲动的火花。但这本书的特点,似乎更偏向于“覆盖面广”而非“深度精”。它试图囊括各种类型、各种情感光谱的素材,结果却是样样都有,样样不精。当你急需一段表现极度脆弱或狂喜的独白时,在书中摸索半天,找到的可能只是一些平铺直叙的心理活动描述,缺少了戏剧性的升华。这让人不禁怀疑,这些素材的筛选标准究竟是什么?是数量优先于质量?还是仅仅为了凑齐一个“终极”的篇幅?对于追求极致表演艺术的实践者而言,这本书提供的帮助是有限的,它更像是为那些时间紧迫、需要快速‘填空’的学生准备的入门级材料,而非能真正推动表演艺术探索的里程碑式的作品。

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从装帧和排版来看,这本书试图营造一种“专业工具书”的严肃氛围,但实际阅读体验却远非如此。纸张的手感尚可,但字体选择和行距的安排,让人在长时间阅读时感到眼睛疲劳。更让人困惑的是,很多场景的背景介绍极其简略,或者干脆缺失,这对于需要快速进入情境的演员来说,是一个巨大的障碍。一个好的场景源文件,应该像一个微缩的宇宙,提供足够的线索让读者自行想象出周遭的环境、人物的关系和未言明的冲突。然而,这本书里的许多片段,就好像是被硬生生地从某个对话中截取出来的,缺乏上下文的支撑,让人感觉突兀而莫名其妙。你不得不花费大量的额外精力去“脑补”出缺失的部分,这与一个“源头资源库”所应该提供的便利性背道而驰。它更像是一份粗糙的草稿集,而非经过精心打磨的表演素材宝库。

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这本书的“更新与扩充”听起来诱人,但实际内容给人的感觉却是:旧的没能得到升华,新的也未见出彩。在当代戏剧语境下,很多被收录的场景和独白显得格外滞后,它们所探讨的主题和使用的语言风格,与今天观众的思维习惯存在着明显的代沟。例如,那些关于传统家庭伦理的冗长辩白,在当下快节奏、高信息密度的交流环境中,显得拖沓而沉闷。我希望能看到更多关于身份认同、科技异化、或是后现代解构主义的尝试,毕竟这是当前舞台艺术探索的前沿。这本书更像是停留在上个世纪某个阶段的产物,虽然努力地塞入了新的内容,但整体的基调和倾向并未发生根本性的转变。它像是一本老旧的教科书,上面布满了前人画的重点线,但这些重点线对于今天的我们来说,可能已经失去了指导意义。如果你想紧跟时代脉搏,寻求前卫的戏剧表达,这本书可能不是你的首选。

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翻阅这本书的过程,简直像是在经历一场马拉松式的阅读,但终点线似乎永远遥不可及。我期待的是那种能够直击灵魂深处的、富有张力的戏剧冲突,是那种读完后让你忍不住要背诵几遍、细细揣摩字里行间潜台词的精彩对白。然而,这本书提供的多半是那种“安全牌”——不功不过,勉强可以填充时间,但绝对无法成为一个表演的亮点。有些独白的设计,实在过于冗长和说教,仿佛作者急于将自己对某个社会现象的看法一股脑倾倒出来,完全忽略了人物的内在驱动力和观众的接受度。我甚至怀疑,这些片段是否真的经过了实际的舞台检验?它们读起来像是书面语的堆砌,缺乏舞台上的呼吸感和节奏感。对于一个热衷于深入角色内心世界的演员来说,这本书提供的仅仅是骨架,而血肉和灵魂全需要读者自己去艰难地填充。说实话,我更愿意花时间去研究几部伟大的剧本,从中提炼精华,而不是在这里浏览这些略显平庸的样板戏。

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这本所谓的“终极”宝典,名字起得可真是够大胆的,简直让人对它充满了不切实际的期待。我满怀热情地翻开第一页,希望能立刻被那些精妙绝伦、足以让人醍醐灌顶的场景和独白所淹没,但现实总是残酷的。这本书给我的感觉,更像是一个堆满了各种零碎素材的旧仓库,里面的东西五花八门,但缺乏系统性的梳理和提炼。你得自己动手,像个寻宝者一样在尘封的角落里翻找,试图拼凑出一个能用的片段。很多所谓的“经典场景”,其实在其他地方早就被翻来覆去地用烂了,读起来毫无新意,更别提什么“终极”的震撼力了。如果你是那种希望拿过来就能直接搬上舞台、保证效果惊艳的读者,这本书可能会让你大失所望。它更像是给那些已经积累了一定创作功底,只是偶尔需要一些灵感火花或者基础框架的同行准备的参考资料,而非为初学者量身打造的“圣经”。整体的编排逻辑也有些混乱,从历史剧的严肃对白,突然跳到现代都市的轻喜剧桥段,让人难以集中精力去深入体会任何一种情绪或语境。

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