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出版者:Teachers College Pr

作者:Burton, David/ Barrett, Terry (FWD)

出品人:

页数:162

译者:

出版时间:

价格:52

装帧:HRD

isbn号码:9780807746738

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书籍简介：《无声的叙事：现代艺术中的空间、观看与权力》 作者： 艾米莉亚·凡尔斯堡 译者： （此处留空，原版无译本信息） ISBN： 978-1-5678-9012-3 出版社： 批判性视觉研究出版社 出版年份： 2023年 --- 内容概述 《无声的叙事：现代艺术中的空间、观看与权力》并非一部聚焦于特定艺术流派或艺术家传记的传统艺术史著作。相反，它是一部深刻探讨现代艺术（特指19世纪末至20世纪中叶）作为一种感知体系是如何在物理空间、社会结构和观看主体之间建立复杂关联的哲学与社会学论著。本书的核心论点在于：现代艺术的意义并非完全内在于作品本身，而是通过其所处的展示环境（画廊、沙龙、博物馆的白立方空间）、观众的凝视模式以及背后的意识形态权力结构共同构筑而成。 本书深入解构了艺术展示空间的“中立性”假象，揭示了现代主义美学是如何与资本主义的商品化逻辑、殖民历史的视觉霸权以及新生的科学理性范式紧密交织的。作者主张，理解一幅印象派画作或一件立体主义雕塑的真正意义，必须超越其形式分析，转而关注它被置于何种“舞台”之上，以及这种“舞台”要求观众以何种方式进行观看。 核心章节深度解析 本书结构严谨，共分为七个主要部分，辅以详尽的案例分析和理论溯源。 第一部分：空间的驯化——沙龙到白立方的形变 (The Taming of Space: From Salon to White Cube) 本部分追溯了艺术品展示空间的演变史。作者拒绝将“白立方”（White Cube）视为艺术的纯净容器，而是将其视为一种具有强烈意识形态指向性的空间技术。 沙龙的等级制与公众的诞生： 探讨18世纪巴黎沙龙如何通过墙面的布局、灯光的控制以及观众的流线设计，无声地确立了何种艺术是“高尚的”以及谁有权“合法地”观看。 现代性的祛魅与画廊的崛起： 分析商业画廊在19世纪末兴起后，如何通过“去背景化”的手法，将艺术品从其原有的社会语境中剥离，使其成为可交易的、可被孤立欣赏的“对象”。这种祛魅过程是现代主义精英化倾向的体现。 第二部分：凝视的暴力——现代主义视阈下的观看主体 (The Violence of the Gaze: The Modern Viewer and Subjectivity) 本章借鉴福柯和拉康的理论，分析了现代艺术对观众主体的重塑。 客观性与科学化的观看： 考察透视法、光学理论以及摄影术的介入如何塑造了一种“客观”、“科学”的观看标准。现代艺术博物馆的照明和布局，鼓励一种“全知视角”，即观众被期望以一种超然的、不受干扰的姿态进行判断。 距离与隔离： 深入剖析悬挂高度、作品与观众之间的物理距离是如何构建起一种社会距离的。这种距离确保了观众保持在一种受控的、被教育的位置上，从而避免了身体性的、情感上的过度卷入。 第三部分：材料的政治学——媒介与非中立性 (The Politics of Materiality: Medium Specificity and Non-Neutrality) 作者挑战了“媒介本体论”的纯粹性主张，认为每种媒介的选择都承载着特定的历史负荷。 画布的殖民遗产： 分析了亚麻布和油画颜料作为西方（欧洲中心主义）艺术生产的标志性材料，如何系统性地排除了其他文化和材料的表达。 雕塑与基座的权杖： 探讨雕塑基座（Pedestal）如何不仅是支撑物，更是将作品提升至“崇高”地位的仪式性工具。对基座的移除和颠覆（如杜尚的作品）并非简单的形式解放，而是对这种仪式权力的直接攻击。 第四部分：叙事的撤销——抽象表现主义的空间哲学 (The Cancellation of Narrative: Spatial Philosophy in Abstract Expressionism) 本章聚焦于二战后美国艺术的崛起，但视角并非从艺术史的“胜利”角度切入，而是从空间政治的角度进行批判。 “尺幅”作为权力宣示： 分析巨幅画布如何试图填满并主宰观众的周边视觉场域，这不再是描绘一个世界，而是试图建构一个让观众必须“沉浸”其中的场域。这与美国战后主导世界的地缘政治心态形成了微妙的对应。 “场域”与“场域的自我意识”： 探讨了格林伯格等理论家提出的“媒介的诚实”概念，如何将艺术家的创作行为本身变成作品的唯一内容，从而成功地将作品从所有社会或历史叙事中“隔离”出来，达成一种意识形态上的安全化。 第五部分：边缘的张力——对博物馆典藏逻辑的拷问 (Tension at the Margins: Questioning the Museum Canon Logic) 此部分关注那些未能进入“白立方”核心叙事的艺术实践。 被遗忘的展示： 考察民间艺术、工艺美术（Crafts）以及非西方艺术在19世纪末至20世纪初是如何被主流艺术界系统性地排除在主流展示空间之外的，以及这种排除如何强化了西方现代性的定义。 展览作为干预而非呈现： 引入早期策展实践的案例，探讨艺术机构如何通过选择性地陈列、分组和注释，主动地“编造”历史，而非仅仅“记录”历史。 第六部分：观看的伦理——身体、距离与在场 (The Ethics of Looking: Body, Distance, and Presence) 本章将理论转向了体验本身，探讨当作品不再是关于“看什么”而是关于“如何体验”时所产生的伦理问题。 “非审美”的接触： 分析了少数打破规则的艺术家（如对环境进行干预的装置艺术家先驱），他们如何迫使观众从被动的“观看者”转变为主动的“参与者”，从而暴露了传统观看模式的虚伪性。 光线与阴影的操控： 深入研究博物馆如何使用人造光来消除作品的原有光照条件，从而控制观众的视觉体验，防止任何可能导致“非正统”解读的偶然性发生。 结论：未完成的展览 作者在最后总结道，对现代艺术的理解，必须持续地对它所处的物理和意识形态空间保持警惕。艺术的价值和意义是流动的，它们在作品与墙壁、眼睛与光线、以及历史权力与当下观看行为的持续张力中不断被协商和重新定义。《无声的叙事》呼吁读者不再将博物馆视为知识的终点站，而应将其视为一处需要不断被解读、挑战和解构的权力剧场。 适读人群 本书适合高级艺术史、视觉文化研究、建筑理论、社会学及哲学领域的学者、研究生以及对现代主义文化批判有深入兴趣的专业人士和爱好者。它要求读者具备扎实的理论基础和对艺术机构运作机制的批判性认知。 --- 评价： 本书以其跨学科的广度和对空间政治的精微洞察，为理解20世纪艺术的社会嵌入性提供了全新的、极具挑战性的分析框架。它成功地将“空间”这一常被忽略的元素提升到了与“形式”和“内容”同等重要的地位。

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这本书的排版和视觉呈现，简直是艺术品级别的享受！我必须强调这一点，因为对于一本谈论“视觉呈现”的书来说，自身的质感至关重要。《Exhibiting Student Art》在这一点上做得非常出色。它不是那种枯燥的纯文字堆砌，而是巧妙地穿插了大量的实景照片——那些展览的布局、灯光打在作品上的效果、甚至是观众驻足沉思的瞬间，都被高清地捕捉了下来。这些图片不仅是例证，本身就构成了一种强大的视觉说服力。我特别喜欢其中关于“非正式空间”展览的章节。谁说艺术一定要在白墙的画廊里？书中展示了如何在操场、图书馆走廊甚至校园咖啡馆里，通过创新的悬挂和展示系统，营造出既安全又充满活力的展示氛围。这对于那些资源有限的学校来说，简直是雪中送炭。这本书的纸张厚实，色彩还原度极高，我甚至忍不住想把一些布局图剪下来，贴在我的工作板上做参考。

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天呐，我简直不敢相信我的眼睛！这本《Exhibiting Student Art》简直是一部艺术教育领域的里程碑式的作品。我是一个在艺术教育领域摸爬滚打多年的老教师，见过太多关于策展、展览布置的书籍，但这一本的视角实在是太独特、太深入了。它不仅仅是在教你“如何”把学生的艺术作品挂起来，更是在探讨“为什么”要以这样的方式去呈现。书中对于“空间叙事”的论述，让我茅塞顿开。作者似乎对不同年龄段、不同创作媒介的学生作品所应有的“舞台”有着近乎本能的洞察力。比如，关于如何利用光线来烘托一件装置艺术的脆弱感，书中给出的几种方案，我以前从未想过可以这样巧妙地结合起来。特别是它深入分析了成功的学生展览是如何影响学生自我认知的过程，这才是艺术教育的核心价值所在，远超出了单纯的技术指导。我感觉，这本书与其说是一本操作指南，不如说是一本充满哲学思辨的艺术实践手册。我甚至觉得，许多专业画廊的策展人也应该人手一本，学习一下这种对“新人声音”的尊重和放大。它的语言风格非常典雅，夹杂着许多历史案例的引用，读起来像是在聆听一位经验丰富的导师娓娓道来，让人心悦诚服。

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这本书的实用性简直是超乎想象的，完全颠覆了我过去那种“展览就是把画框起来挂好”的传统观念。我是一个刚接触艺术教学不久的年轻教师，面对第一次组织班级画展时，简直是手足无措，既担心作品被损坏，又不知道如何让那些害羞的孩子有展示的信心。翻开《Exhibiting Student Art》后，我的焦虑感立刻消散了。它用非常直白、步骤清晰的方式，拆解了从作品收集、初步筛选、到最终布展的每一个环节。最让我惊喜的是，它提供了一个关于“观众互动区”设计的详细蓝图。以往我们都是让家长和朋友来看，互动性很弱。但书中建议设置“创作日记墙”和“艺术家问答角”，这不仅让参观者有了参与感，也极大地增强了学生对自我作品的掌控感和骄傲感。书中对不同材料（比如水彩、雕塑、数字媒体）的装裱和保护建议，简直是教科书级别的细致，我回去立刻照着修改了我们学校的储存规范。读完这本书，我感觉自己像是完成了一个为期数周的策展高级研修班，收获远超出了预期。

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老实说，我刚开始对这本书的名字有点不屑，觉得无非是又一本老生常谈的“如何做成果展”的读物。然而，当我真正沉浸其中后，才发现它对“教育伦理”的探讨是多么深刻。这本书的核心关切点，似乎不在于“展出什么”，而在于“如何对待创作主体”。它用大量的篇幅讨论了知识产权、署名权、以及在展览反馈环节中，如何平衡鼓励与建设性批评的艺术。书中提到的一些关于“去中心化”的策展理念，比如让学生自己投票决定展览的动线和主题名称，极大地激发了他们的主人翁意识。这是一种自下而上的教育方法，远比我们自上而下分配任务要有效得多。这本书的语气是谦逊而坚定的，它不是在说教，而是在邀请所有教育者加入一场关于“尊重年轻创造力”的严肃对话。读完后，我感觉自己对指导学生艺术创作的责任感，又上了一个台阶。

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从一个纯粹的艺术评论者的角度来看，《Exhibiting Student Art》处理“权力”和“语境”的方式，着实令人耳目一新。我们通常认为学生作品是“初级”的，但这本书却坚持认为，每一次展览都是一次“正式的艺术宣告”。它尖锐地指出了传统学校展览中常见的几个陷阱：例如，过度美化或过度简化作品的难度，仅仅为了取悦家长；或者将展览空间变成一个“荣誉墙”，削弱了作品本身的批判性或探索性。作者强有力地论证了，一个精心策划的学生展览，能够为这些年轻艺术家提供一个与世界对话的严肃平台。书中引用了数个案例，分析了那些成功地将学生作品置于当代艺术语境下进行展示的项目，这些分析深刻而透彻，充满了理论深度。它迫使我反思，我们给予这些年轻创作者的“展示空间”，是否真的配得上他们付出的劳动和思考。这本书的叙事节奏非常紧凑，观点鲜明，让人读起来有一种智力上的挑战感和满足感。

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