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出版者:Sterling Pub Co Inc

作者:Norfolk, Elizabeth (EDT)/ Hearnden, Jonty (EDT)

出品人:

页数:768

译者:

出版时间:

价格:39.95

装帧:HRD

isbn号码:9781845332662

丛书系列:

图书标签:

• Antiques
• Price Guide
• 2007
• Miller's
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经典家具的时光回响：一部聚焦十九世纪美法装饰艺术的权威指南 《1800-1940：新古典主义至装饰艺术的风格演变与市场洞察》 导言：穿越时空的设计史诗 本书并非对古董市场普遍价格的简单罗列，而是一部深度聚焦于特定历史时期——从法国大革命后新古典主义的兴起到两次世界大战前装饰艺术（Art Deco）的辉煌巅峰——美法两国奢侈品家具与室内装饰艺术的权威研究与鉴赏指南。我们旨在为收藏家、设计师、历史学者以及所有热衷于精美工艺的爱好者，提供一把深入理解十九世纪至二十世纪初期“黄金时代”设计哲学的钥匙。 本书的核心价值在于其严谨的风格学分析，它将指导读者如何通过细节分辨风格的细微差异，准确判断一件家具的年代、工艺水平以及其在设计史上的定位。 第一部：新古典主义的庄严与复兴 (1800-1850) 本部分深入剖析了从帝政风格（Empire）到路易-菲利普风格（Louis-Philippe）在美法两国的主要特征，及其对古典主义的重新诠释。 第一章：法国的帝政回响 (L'Empire Français) 拿破仑的审美宣言： 详细解析了帝国风格（约1804-1815年）如何将古罗马和古希腊的军事与帝国符号融入家具设计。重点考察了栗木、桃花心木的使用，以及黄铜装饰（如胜利女神、月桂花环、狮爪底座）的象征意义和制作工艺。 关键工艺： 对当时盛行的贴皮（Veneer）技术，尤其是大块乌木或埃博木贴皮的精湛应用进行技术分析，并特别关注由著名法国家具师如雅各布兄弟（Jacob Frères）的风格演变。 美国的回应： 探讨美国早期联邦风格（Federal Style）如何借鉴帝政元素，但更注重本土材料和更轻盈的结构。重点分析了沙龙椅（Klismos Chair）在美国的变体。 第二章：浪漫主义的柔化与折衷 (Louis-Philippe & Biedermeier) 路易-菲利普时期的过渡： 描述了从僵硬的帝国风格向更舒适、更“家庭化”的审美转变。桃花心木和胡桃木的回归，装饰趋于内敛，重点关注曲线的重新引入和软垫的舒适性提升。 德国与奥地利的“市民艺术”： 引入比德迈尔风格（Biedermeier）的家具，探讨其在资产阶级家庭中的兴起，强调实用性、简洁线条和对光亮木材（如桦木、樱桃木）的偏爱。虽然地域不同，但它与法式折衷主义共享了对古典形式的某种简化。 第二章：维多利亚的繁盛与混合 (1840-1880) 折衷主义的盛宴： 聚焦于维多利亚时代（法国的“拿破仑三世风格”）对历史样式的全面复兴与混合。这不是对任何单一古典风格的忠诚复制，而是对巴洛克、洛可可和哥特风格元素的自由挪用与夸张。 材料与装饰： 深入探讨雕刻（Carving）的盛行，尤其是深色木材（如黑胡桃木）的大量使用。首次详细介绍机械化生产对家具细节的影响，区分手工与早期机器雕刻的痕迹。 美国的新哥特式与文艺复兴： 分析美国在这一时期对欧洲的模仿，特别是对哥特复兴风格（如由Alexander Jackson Davis推广的）的偏爱，以及黄铜镶嵌（Brass Inlay）的增加。 第二部：工艺美术的觉醒与革新 (1880-1910) 本部分是设计史上的关键转折点，探讨了对工业化粗制滥造的反思，以及对传统手工艺价值的重新发现。 第三章：工艺美术运动：真实与简洁的呼唤 英国的先驱： 详细考察威廉·莫里斯（William Morris）及其追随者对中世纪工艺的推崇。核心关注点在于“形式追随功能”的早期萌芽，以及对手工制作（Hand-Wrought）的绝对坚持。 美国式朴素： 分析美国家具师如何将工艺美术的理念融入美式传统，尤其关注Stickley兄弟的“Quester”家具，其标志性的方正结构、可见的榫卯连接，以及橡木材料的选择。这是对维多利亚时期过度装饰的直接反叛。 第四章：新艺术运动：流动的生命力 (Art Nouveau) 自然主义的极致： 深入剖析新艺术运动（约1890-1910年）在法国、比利时和西班牙的体现。其核心特征是对自然界（藤蔓、花朵、昆虫的翅膀）线条的有机模仿。 材质的交响乐： 重点分析了路易斯·马乔利（Louis Majorelle）和埃米尔·加莱（Émile Gallé）等大师如何将木材、玻璃、金属（尤其是铜和青铜）进行复杂的组合，创造出具有雕塑感的家具。本书将提供辨别高品质“自然镶嵌”（Marquetry）与普通拼花的细节指南。 赫克托·基马尔的铁艺： 特别关注新艺术运动在建筑和室内细木工外的延伸，如巴黎地铁入口的铸铁制品，这些体现了运动在所有设计领域的渗透。 第三部：现代的诞生：装饰艺术的辉煌 (1910-1940) 本部分聚焦于二十世纪前卫设计如何彻底摆脱历史的束缚，拥抱速度、机械化和几何的秩序。 第五章：从野兽派到几何的秩序 巴黎的革新： 探讨了第一次世界大战后巴黎设计界的巨大变革。本书清晰区分了“风格 1925”（Style 1925）的早期尝试（如Ruhlmann对象牙和珍贵木材的优雅使用）与后期更加工业化和几何化的装饰艺术。 关键人物与材料： 集中分析雅克-埃米尔·鲁尔曼（Jacques-Émile Ruhlmann）的“贵族装饰艺术”，以及让·杜南德（Jean Dunand）的漆艺（Lacquered Surfaces）。着重解析了当时对铬合金、抛光金属、黑檀木以及珍稀皮革的大胆采用。 美国的回应： 探讨美国如何迅速吸收并推广装饰艺术。从纽约洛克菲勒中心的设计到家具制造商如KEM Weber和Paul Frankl的作品，分析了美国版本如何更强调垂直线条和体量感，以适应摩天大楼的时代精神。 第六章：功能与形式的辩证统一 (包豪斯与国际风格的渗透) 功能主义的挑战： 虽然本书主题是“装饰艺术”，但必须考察其对纯粹功能主义的反应。分析了包豪斯（Bauhaus）对极简线条、新材料（如钢管）的影响如何反哺了装饰艺术家具的结构简化。 最后的奢华： 总结装饰艺术在1930年代的演变，它在经济萧条的压力下，如何在保持其奢华感的同时，变得更加内敛和几何化，为战后现代主义铺平了道路。 结语：收藏与保护的未来 本书最后提供了对保存这些精美物品的实用建议，从湿度控制到专业修复技术的选择，确保这些跨越两个世纪的工艺结晶能够延续其美学价值。通过对风格、工艺、市场脉络的全面梳理，本书旨在成为理解“经典设计”这一宏大命题的必备参考书。

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购买这个 2007 年的版本，我主要是冲着它对那个特定历史节点的记录。想象一下，那是互联网信息爆炸的前夜，古董商之间的信息壁垒还相对较高，专业知识的价值被放大。因此，这本书所收录的数据和对市场动态的分析，充满了那个时代特有的“内幕感”。它对于一些当时还未被大众市场充分认识的小众收藏门类（比如某些特定款式的早期摄影器材，或者十九世纪末的旅行纪念品）的收录，深度远超后来的综合性指南。我印象特别深的是其中关于“品相等级”的划分，它的标准非常本土化且严格，例如，对于纸质文献，它会区分“foxing”（霉斑）的程度，并明确指出不同程度的霉斑对特定收藏群体（比如档案研究者和纯粹的艺术爱好者）的价值影响差异。这种细微的差别，在后来的指南中往往被简化处理了。这本书为我提供了一个坚实的基础，让我能理解今天某些市场现象的根源——因为很多“新”的趋势，其实是对旧有价值的重新发现，而米勒的指南恰好记录了这些价值的“初始状态”。

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这本书的排版和装帧，坦白说，非常“老派”，这恰恰是它魅力的一部分。它不像现代出版物那样追求鲜艳的色彩和大量的全彩照片，很多关键的估值图例是精致的黑白线条画或低调的灰度照片，这反而迫使你必须用你的眼睛去“描绘”实物，而不是被照片的完美光线误导。这种对细节的强调，在面对那些保存状况不一、光线条件各异的真实古董时，显得尤为重要。我特别喜欢它对“缺陷”的描述，它不是简单地写“有划痕”，而是会精确到“因日常使用导致的细微磨损”、“因不当清洁剂造成的轻微腐蚀”等，并对这些缺陷对价值的影响进行量化评估。这种严谨度，让我对这本指南的专业性深信不疑。它不是鼓励投机取巧，而是引导收藏者建立一种基于事实和历史的尊重感。对我而言，每一次使用它，都像是在与一位经验丰富、不苟言笑的导师对话，他不会给你轻松的答案，只会要求你拿出足够的诚意和观察力去发现真相。这种阅读体验是沉浸式的，需要时间去消化，但收获绝对是实打实的，绝非一瞥而过可以企及的。

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使用这本书，你需要培养一种耐心和解谜的乐趣。它不是那种你随便翻几页就能获得满足感的读物。相反，它要求你像侦探一样，将不同章节分散的信息点串联起来。比如，要准确估价一件洛可可风格的珐琅首饰盒，你可能需要同时参考“18 世纪中叶法国金属工艺”、“特定珐琅彩的化学成分变化”以及“路易十五时期的宫廷品味偏好”这几个不同部分的内容。这本指南的精妙之处在于，它将这些看似独立的知识点有机地编织在了一起，形成了一个互相印证的评估网络。我曾经花了一个下午，仅仅是为了弄清楚某一类英国十九世纪早期版画的装裱方式在不同年份间的微妙变化，并对照书中提供的估价差异。这种深度挖掘的过程，让我对古董的鉴赏不再停留在“好看”的层面，而是上升到了“工艺、历史与流通性”的综合考量。它提供的知识密度极高，读完一遍，感觉自己的专业“内功”都提升了好几个层次，绝对是值得反复研读的经典之作。

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哇，光是翻开这本厚重的“古董价目指南 2007”的封面，就感觉一股沉甸甸的历史气息扑面而来，简直像打开了一个时光宝箱。我特意挑了这一年的版本，主要是想对比一下千禧年之后，尤其是在互联网开始真正改变古董交易格局前夕的市场心态和估值体系。我最欣赏的是它那种近乎偏执的细致分类，翻阅时你得全神贯注，生怕错过一个不起眼的徽章或者一个细微的木纹差异。比如，单是维多利亚时代早期的一把玫瑰木餐椅，它能从椅腿的雕刻深浅、榫卯的连接方式，到原装皮革的鞣制工艺，给出一系列复杂且相互关联的参考点。这可不是那种简单地给出一个“高价/中价/低价”的浮于表面的指南，它更像是一本专业鉴定师的实操手册。我记得有一次，我在一个跳蚤市场淘到一个貌似普通的银质小物件，回家对照书里的图版和描述，才惊觉那上面的微小花纹竟然是某个失落的手工艺人特有的标记，这本书直接帮我把一个几美元的玩意儿估值推到了一个相当可观的数字。它对特定时期、特定地域工艺的把握，那种深入骨髓的了解，是任何快速更新的在线数据库都无法轻易复制的。每次翻阅，都像是上了一堂生动的工艺史课程，充满了知识的满足感。

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我常常把它放在我的工作台边，与其说它是一本工具书，不如说它更像一个情绪稳定剂。在面对那些令人眼花缭乱、真假难辨的拍卖品时，市场上的噪音和情绪往往会干扰判断，但米勒的指南总能将我拉回理性。它的估值体系建立在一整套成熟的交易历史之上，而不是基于某个热门收藏家的一时心血来潮。举个例子，对于某些特定类型的陶瓷，这本书会列出同一件物品在过去十年中，在伦敦、纽约和日内瓦三个不同市场上的平均成交价波动，这提供了一个非常平滑和去情绪化的参考区间。这种跨地域、跨时间的对比分析，是很多单点查询的在线工具无法提供的宏观视角。我发现，即便是对于那些看起来很新潮的收藏品，如果它们带有古典工艺的影子，这本书中蕴含的对传统工艺价值的判断标准依然适用。它教会我，真正的价值是经得起时间考验的，而不是随波逐流的潮流产物。读完后，你会对自己的收藏品有一个更清晰的定位，知道它在整个古董谱系中的真正位置，那种踏实感无价。

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