画论汇要

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出版者:紫禁城
作者:栾保群
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2014-12
价格:0
装帧:
isbn号码:9787513406925
丛书系列:
图书标签:
  • 书画
  • L栾保群
  • =j=
  • 2014
  • *北京·故宫出版社*
  • 绘画史
  • 绘画理论
  • 中国绘画
  • 艺术史
  • 艺术理论
  • 绘画技法
  • 图画
  • 画论
  • 古代文献
  • 艺术
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具体描述

本书为栾保群先生对古代诸多画论进行精心整理、点校的汇编,收录了从晋唐到明清绘画典籍几十件,包括人物、山水、花鸟、装裱等多个方面,具有较高的学术价值。

《画论汇要》 是一部集结了中国古代绘画理论精粹的典籍,深入探讨了中国画的艺术本质、创作技法及审美范畴。此书并非描绘具体的画作,而是聚焦于“画”本身的精神内核与理论框架,为后世画家、鉴赏家及对中国传统艺术感兴趣的读者提供了系统而深刻的指导。 本书的结构严谨,脉络清晰。它首先从“道”与“气”的哲学高度阐释绘画的本体论,认为“画”不仅是视觉的再现,更是天地精神的感应与流露。作者通过对古代贤哲与画论宗师论述的梳理,揭示了“神似”高于“形似”的艺术追求,强调了画家在创作中应达到的精神境界与内在修养。 接着,《画论汇要》深入剖析了“笔墨”在中国画中的核心地位。它详尽阐述了“笔”的起承转合、提按顿挫,以及“墨”的浓淡干湿、虚实相生,指出笔墨不仅仅是绘画的工具,更是承载画家情感、表现物象精神的生命力。书中援引了大量经典论述,解释了不同笔法、墨法如何塑造不同的质感、韵味和意境,例如,对“飞白”的运用如何表现苍劲古朴,“皴法”的演变如何描摹山石的不同肌理,都进行了细致入微的解读。 在创作技法方面,《画论汇要》涵盖了中国画的各个方面。它详细讲解了“勾勒”的功用,“渲染”的技巧,以及“点”与“染”的配合之道。书中也触及了中国画独特的构图法则,如“计白当黑”、“虚实相生”的原则,以及“三远法”在表现空间纵深感上的运用。作者不仅罗列了各种技法,更着重于阐释这些技法背后所蕴含的艺术逻辑和审美取向,旨在指导读者如何在实践中灵活运用,以达“意在笔先”的创作境界。 审美范畴的探讨是本书的另一重要组成部分。它详细阐述了中国画的“意境”之美,认为“意境”是中国画的灵魂所在,是画家情感、思想与自然物象的有机融合,形成一种可感可悟的诗意空间。本书分析了“气韵生动”作为中国画的最高评价标准,并探讨了如何通过“笔墨”和“构图”来营造“气韵”。此外,书中还讨论了“诗画结合”的艺术理念,强调了中国画与诗歌在审美追求上的共通性。 《画论汇要》的价值不仅在于其对绘画理论的系统梳理,更在于其对中国画精神气质的深刻洞察。它引导读者超越单纯的技巧层面,去理解中国画背后蕴含的哲学智慧、人文关怀和审美情趣。本书所引用的论述,大多出自画史上的大家之手,如顾恺之、宗炳、王微、谢赫、张彦远、董源、巨然、米芾、赵孟頫、黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙、沈周、文徵明、董其昌等,这些先贤的智慧汇聚于此,构成了中国画理论的璀璨星河。 总而言之,《画论汇要》并非一本画册,而是一部关于“如何看待画”、“如何理解画”、“如何创作画”的理论宝典。它以精炼的语言,深刻的见解,系统地阐释了中国画的理论体系,为我们理解和欣赏中国传统绘画提供了一把钥匙,是任何渴望深入了解中国画艺术精髓的人不可或缺的读物。它所探讨的“以形写神”、“遗貌取神”、“师造化”等核心命题,至今仍具有重要的启示意义。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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《画论汇要》这本书,让我对“创作”这个行为本身产生了全新的认识。在阅读之前,我总觉得创作是一种需要天赋和技巧的特殊才能,但这本书似乎在告诉我,创作其实更像是一种与生俱来的本能,一种我们每个人都在用不同方式进行着的“对话”。书中并没有详细讲解如何握笔、如何调墨,也没有列举各种绘画的构图法则。它更多的是在探讨我们内心世界的律动,以及如何将这些律动转化为可见的形式。我读到了一些关于“情感的痕迹”、“意念的显现”这样的论述,这些都让我联想到很多艺术家在创作时的状态——那种看似随意的挥洒,实则蕴含着深沉的情感和思考。这本书让我不再将“画”看得那么神秘和高高在上,而是将其看作是一种更普遍的人类表达方式。它也让我开始反思,生活中那些不经意间的涂鸦、随口的哼唱,是否也是一种创作?这种视角转换,让我觉得非常新颖,也更加开放地看待艺术的可能性。

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读完这本《画论汇要》,我最深的感受是它提供了一种全新的观察角度,去理解我们身边那些似乎司空见惯的视觉呈现。这本书并没有直接给我罗列一大堆艺术史上的“名言警句”,也没有枯燥地讲解某个绘画流派的起源和发展。相反,它似乎是通过一系列看似不相关的叙事,潜移默化地构建了一种对“观看”和“表达”的理解框架。我常常在读完一章后,会不自觉地开始审视自己平时看到的事物——一棵树的形态,一道菜的摆盘,甚至是一段街景。我开始思考,当我们“看”的时候,我们究竟“看见”了什么?当我们尝试去“描绘”时,我们又在“表达”什么?书中对某些抽象概念的探讨,虽然没有直接联系到具体的绘画技巧,但却让我对“意境”有了更深的体会,那是一种超越形迹的、更深层的情感共鸣。我甚至觉得,这本书不仅仅是关于画的,它更像是一本关于如何感受世界、如何与世界建立联系的指南。它的语言风格也很有特点,不像传统的学术著作那样板滞,而是带着一种思考的韵律,引人入胜,让人愿意跟随作者的思路去探索。

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我当初选择《画论汇要》这本书,是抱着学习一些基本的绘画理论知识,了解中国画的一些核心概念去的。例如,我一直想弄明白“笔墨”究竟是如何构成画面的灵魂的,以及“写意”和“工笔”之间真正的区别在哪里,不仅仅是技法上的,更重要的是精神层面的。我也期望书中能有一些对古代绘画大师作品的深入分析,比如吴冠中的“点线面”的运用,或者齐白石的“衰年变法”是如何体现其绘画思想的。然而,这本书的呈现方式却让我有些不知所措。它更像是在进行一种非常碎片化的、跳跃性的哲学思辨,探讨的很多问题,与我最初对“画论”的理解似乎相去甚远。虽然书中不乏一些引人深思的句子,但整体上缺乏一个清晰的逻辑线索,让我难以将这些零散的思考串联起来,形成一个完整的认知体系。我尝试着去寻找与中国画技法、理论相关的直接内容,但似乎都隐藏在更宏大的、更抽象的讨论之中,让我感觉像是站在一片迷雾中,虽然能看到隐约的光亮,但却始终抓不住核心。

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这本书的书名是《画论汇要》,但这本书的内容真的非常出乎我的意料。我原以为会是一本系统梳理中国绘画理论发展脉络的书,从古代的“笔精墨妙”到近现代的“造型艺术”,能看到各个时期代表性的画论和其背后的时代背景。我甚至期待能有对不同画论家思想的比较和深入解读,比如王微的“写意”与宗炳的“山水”究竟有何异同,又如何影响了后世的绘画实践。我曾设想,如果书中能引用一些具体的画作例子来佐证画论的观点,那将会更加直观易懂。例如,在讲到“气韵生动”时,如果能配上几幅宋代山水画的局部,细致分析其“神”所在,那就太有说服力了。这本书的装帧设计也让我联想到一些经典的艺术史著作,厚重而典雅,更增添了我对其内容深度和广度的期待。我之前也读过一些关于中国画史的普及读物,但往往流于表面,缺乏理论的深度。《画论汇要》这个名字,本身就蕴含着一种“汇集要点”的承诺,让我对它在梳理和总结中国绘画理论方面的贡献充满了好奇和期盼。我特别关注它是否能够清晰地阐释诸如“骨法”、“传移模写”、“留白”等关键概念,并且能否将其背后蕴含的哲学思想进行有效的阐释,从而让读者能够更深刻地理解中国画的独特魅力。

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当我翻开《画论汇要》这本书的时候,我的脑海里浮现的是一幅幅古色古香的卷轴,是文人墨客在笔墨丹青间抒发的万千情怀。我期待着书中能够清晰地解析中国画的“意境”为何如此迷人,它是如何通过留白、虚实相生来传达深邃的哲学思想。我也希望能够看到关于“笔墨”语言的详细论述,比如不同笔触如何表现不同的质感,不同墨色的浓淡干湿又如何营造出层次和空间。我甚至幻想书中会收录一些不同朝代、不同地域的绘画作品,并且能够结合画论,对作品进行深入的鉴赏和解读。我之前读过一些关于中国传统绘画的书籍,但很多都停留在泛泛而谈的层面,而《画论汇要》这个书名,给我的感觉是它将要汇集最精华的理论,并且要点明其核心要义。我特别关注的是,这本书能否提供一套清晰的框架,让我能够理解中国绘画理论的演进脉络,以及不同理论之间的相互影响和发展。我希望它能像一本详尽的指南,带领我深入中国绘画的理论世界,解开那些我一直好奇的谜团,感受其独特的东方美学魅力。

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