国画技法从入门到精通 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国水利水电出版社

作者:飞乐鸟工作室 编

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:2014-5-1

价格:0

装帧:平装

isbn号码:9787517018964

丛书系列:

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《西方艺术史：从洞穴壁画到后现代思潮》 一、 卷帙浩繁的文明长廊：一部跨越万载的视觉史诗 本书是一部宏大且深入的西方艺术史通论，旨在为读者构建一个清晰、连贯且富有洞察力的视觉艺术发展脉络。我们不满足于仅仅罗列艺术家和作品，而是着重探讨艺术如何作为特定历史时期、社会结构、哲学思潮以及技术革新的物质载体与精神投射。全书以时间为轴，以地理空间为坐标，精心梳理了自史前时代人类的首次创作冲动，直至二十世纪末二十一世纪初的复杂多元的艺术景观。 引言：艺术的本源与史学的必要性 艺术并非孤立的审美活动，而是人类文明最直接、最诚实的回声。本章首先探讨“什么是艺术？”以及艺术史研究的方法论基础。我们将引入对艺术史研究中“经典”、“创新”和“权力”等核心概念的批判性思考，为后续章节的深入分析奠定坚实的理论基石。 第二部分：古代世界的奠基——神性、秩序与永恒 第一章：史前与美索不达米亚——创世的微光与权力的象征 追溯人类艺术的源头——拉斯科洞穴的野牛壁画，探讨早期人类与自然界、超自然力量的沟通方式。随后转向两河流域，重点分析苏美尔、阿卡德、巴比伦和亚述文明的纪念性建筑、印章艺术和浮雕，解析“王权神授”如何在泥板和楔形文字中被固化。 第二章：古埃及文明——不朽的追求与永恒的公式 古埃及艺术的核心在于对永恒的执着。本章将详细解析埃及艺术中严格的“正面律”和标准化的符号系统（如圣书体、荷鲁斯之眼、生命之符）。我们将深入考察法老墓葬壁画、神庙浮雕的象征意义，以及对来世的物质化准备——从石棺到陪葬品的制作工艺与宗教内涵。 第三章：爱琴海的辉煌与古希腊的理性觉醒 从米诺斯文明的壁画（如“斗牛图”）到迈锡尼的黄金面具，展示地中海东部艺术的活力。随后，焦点转向古希腊，这是西方艺术史上理性主义的里程碑。我们将细致区分古风时期（Archaic）、古典时期（Classical）和希腊化时期（Hellenistic）雕塑的风格演变：从僵硬的“库罗斯”到“帕特农神庙”的完美比例，再到“萨莫色雷斯的胜利女神”所展现的动感与情感张力。 第四章：罗马的实用与宏伟——工程、肖像与帝国叙事 罗马艺术继承了希腊的古典形式，但更强调实用性和宣传性。本章分析了罗马在建筑（万神殿、引水道、圆形竞技场）、纪念性柱式（图拉真纪功柱）和写实主义肖像雕塑方面的创新。重点解读罗马浮雕如何叙事化地记录军事胜利和帝国荣耀，塑造公民身份认同。 第三部分：中世纪的信仰与精神——神权下的视觉表达 第五章：早期基督教与拜占庭的圣像世界 随着罗马帝国的衰落与基督教的兴起，艺术的主题完全转向对上帝和圣徒的描绘。本章探讨早期基督教的墓穴艺术（如卡塔孔布的壁画），随后重点分析拜占庭艺术的“神圣化”趋势——黄金背景、扁平化的人物、宝石般的马赛克镶嵌，以及“基督全能者”形象的权威性。 第六章：罗马式与哥特式的光影对话 中世纪盛期的欧洲艺术呈现出两种截然不同的风格。罗马式艺术（Romanesque）以其厚重的墙体、圆拱和对朝圣路线的适应性为特征。而哥特艺术（Gothic）则是一场对光线和高度的革命，从法国的圣丹尼教堂开始，通过飞扶壁、肋拱和彩色玻璃，将教堂内部转变为“天国之光”的具象化。本章还将涉及中世纪手抄本插画的精细工艺。 第四部分：文艺复兴的回归与变革——人文主义的曙光 第七章：意大利文艺复兴的辉煌序曲 文艺复兴是西方艺术史上最剧烈的范式转变之一。本章从佛罗伦萨的萌芽开始，探讨人文主义如何将焦点从神转向人。重点分析早期文艺复兴（马萨乔的空间透视、多那太罗的复古雕塑）的理论突破。 第八章：盛期文艺复兴的“三杰”与完美境界 集中分析达·芬奇（科学观察与“晕染法”）、米开朗基罗（人文英雄主义与雕塑的解放）和拉斐尔（和谐与典雅）的艺术成就，探讨他们如何将古典理想与宗教主题完美融合，达到古典主义的巅峰。 第九章：北方文艺复兴的细节与精神 对比意大利的宏大叙事，北方文艺复兴（尼德兰、德国）更注重对现实世界的精微观察和象征主义的运用。重点解析扬·凡·艾克的油画技术革命、丢勒的版画影响力，以及希罗尼穆斯·博斯的超现实想象。 第十章：晚期文艺复兴与风格的转向 探讨从盛期的平衡走向矫饰的过渡期，分析威尼斯画派（提香的色彩）和矫饰主义（Mannerism）中对紧张、拉长和不和谐的追求，预示着巴洛克的到来。 第五部分：巴洛克至新古典主义——激情、理性与时代的冲突 第十一章：巴洛克：戏剧性、情感与光影的博弈 巴洛克艺术是反宗教改革的视觉武器，也是绝对君主制权力的展示。本章分析卡拉瓦乔的强烈明暗对比、贝尼尼雕塑的动态张力、鲁本斯的丰沛肉体与动态构图，以及伦勃朗对人性的深刻洞察。 第十二章：洛可可的享乐与新古典主义的回归 洛可可是巴洛克对立面的精致化、轻盈化，反映了法国宫廷的私密娱乐。随后，受到启蒙运动和庞贝考古的推动，新古典主义以对雅典和罗马共和美德的推崇为号召，强调清晰的线条、庄重的题材和道德教化。 第六部分：浪漫主义到现实主义——主观情感与社会批判 第十三章：浪漫主义的激情、异域与自然之力 浪漫主义是对新古典主义理性的反叛，它赞美非理性、情感、个人英雄主义和宏伟的自然力量。我们将考察戈雅的黑暗、德拉克洛瓦的色彩运动，以及透纳对光线和气氛的探索。 第十四章：现实主义与19世纪的社会观察 随着工业革命的深入，艺术家开始将目光转向日常、劳动阶层和被忽视的社会现实。库尔贝的“凿石者”、米勒的田园牧歌，以及马奈作为承上启下的“现代性之父”的角色。 第七部分：现代艺术的爆发——从印象派到立体主义的结构重塑 第十五章：印象派与后印象派的视觉革命 印象派是对光线、瞬间印象和现代都市生活的捕捉。深入分析莫奈的系列画作、德加对瞬间动态的捕捉。后印象派（塞尚的结构、梵高的情感、高更的象征）则开始为20世纪的抽象艺术铺平道路。 第十六章：二十世纪初的剧变：野兽派、立体派与抽象的诞生 本章探讨艺术如何从“再现”走向“观念”。野兽派（马蒂斯）对色彩的主观解放，毕加索和布拉克对三维空间的彻底解构（立体主义），以及康定斯基的纯粹抽象的诞生，标志着西方艺术进入一个全新的纪元。 第八部分：二十世纪中后期的多元实验 第十七章：达达、超现实主义与意识流的探索 探讨第一次世界大战后对传统理性和逻辑的彻底否定（达达主义），以及弗洛伊德理论对潜意识的视觉化表达（超现实主义，如达利、马格里特）。 第十八章：抽象表现主义与波普艺术的对峙 二战后，艺术中心转移至纽约。我们解析了以杰克逊·波洛克为代表的行动绘画（Action Painting）的激情与尺幅，以及安迪·沃霍尔和李奇登斯坦对大众文化符号的挪用与挪用，构成了对精英艺术的反击。 第十九章：极简主义、观念艺术与后现代的边界消融 探讨艺术如何越来越趋向于观念而非物质形态本身。从唐纳德·贾德的“特定对象”到约瑟夫·科苏斯的“一把椅子”，直至后现代主义对“宏大叙事”的解构，艺术史进入了一个高度自我反思的阶段。 结语：持续的对话 西方艺术史是一部充满悖论和连续性的编年史。本书旨在提供一个坚实的框架，使读者能够理解每一代艺术家是如何回应前人的遗产，并在一个不断变化的世界中，重新定义“美”与“意义”。本书强调，理解艺术的历史语境，是欣赏其当代价值的关键。

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我是一个对细节非常挑剔的人，在学习任何一项技艺时，都希望能够深入了解其精髓。《国画技法从入门到精通》这本书，正是满足了我这种需求。它在讲解基础技法时，可以说做到了极致的细致。比如，在讲解“用笔”时，它会从最基础的执笔方法、笔的起承转合，一直讲到不同力度的运笔所产生的不同笔触效果。它会详细分析不同毛笔（如羊毫、狼毫、兼毫）的特性，以及在不同情况下的适用性。在讲解“用墨”时，它不仅介绍了墨的浓淡干湿，还详细阐述了如何通过墨的“破”、“积”、“宿”等技法来表现物体的立体感和质感。我尤其喜欢它关于“染色”的部分，它讲解了如何调配颜色，如何运用“点染”、“渲染”、“烘染”等技法来表现花鸟的色彩和质感，以及如何让色彩与墨色和谐统一。书中还有关于“画眼”的论述，强调了眼神在人物画中的重要性，以及如何用精准的笔墨表现人物的精神气质。这本书的严谨和细致，让我对国画技法的理解上升到了一个全新的高度。

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我是一位热爱传统文化的学生，一直以来都对水墨画的韵味心驰神往。在网上偶然看到《国画技法从入门到精通》，这书名瞬间吸引了我。我一直觉得国画是一种非常讲究意境和神韵的艺术，它不像西方绘画那样注重写实，而是通过简洁的线条和墨色的浓淡变化来表达作者的情感和对自然的理解。拿到这本书后，我迫不及待地翻阅起来。书中的排版设计很舒适，字体清晰，图片也很精美，让人赏心悦目。我尤其喜欢它在讲解基础技法时，配有大量的示范图例，从最基本的笔触、墨法，到如何勾勒轮廓、晕染色彩，都讲解得非常细致。比如，它在讲到“皴法”时，不仅仅是简单地列举了披麻皴、斧劈皴等几种，还深入分析了每种皴法的特点、适用对象以及如何通过不同的笔墨变化来表现不同的山石纹理。我尝试着跟着书中的步骤练习，虽然一开始画出来的东西有些笨拙，但能够感受到作者在引导我一步步地掌握这些精妙的技法。书中关于“点”的运用也让我大开眼界，原来一个小小的点，在国画中可以承载如此丰富的含义，无论是点苔、点叶，还是表现物体的质感，都有其独到的表现力。它让我明白，国画的魅力不仅仅在于宏大的构图，更在于细节之处的精巧运用。

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我之前对中国画的理解比较肤浅，总觉得不过是几笔水墨，几抹色彩而已。《国画技法从入门到精通》这本书彻底改变了我的认知。它让我看到了中国画背后深厚的文化底蕴和哲学思想。书中在讲解笔墨技法的同时，会穿插大量的古代绘画理论和美学思想，比如“以形写神”、“气韵生动”、“虚实相生”等等。它解释了为何中国画讲究“计白当黑”，以及“留白”在画面中起到的重要作用。我曾对如何运用“飞白”这一技法感到困惑，这本书通过解析赵之谦、吴昌硕等大师的作品，让我理解了飞白所蕴含的力量感和节奏感。此外，书中还涉及到不同画派的特点和风格，例如海上画派的奔放热烈，扬州八怪的奇崛恣肆，以及文人画的雅致闲适，让我对中国画的发展脉络有了更清晰的认识。这本书不仅教我画画，更是在引导我理解中国传统文化。它让我明白了，每一笔每一墨都凝聚着前人的智慧和审美追求。

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我一直觉得，中国画不仅仅是一种绘画技法，更是一种生活态度和审美追求。《国画技法从入门到精通》这本书，恰恰体现了这一点。它在教授绘画技巧的同时，也在引导我们去体会和感悟生活中的美。比如，在讲解花鸟画时，它不仅教我们如何画花、画鸟，更鼓励我们去观察自然界中花鸟的形态、神态，以及它们所象征的品格和寓意。书中引用了许多古诗词，将绘画与文学、哲学融为一体，让学习过程充满了文化气息。我特别喜欢它关于“意境”的论述，它认为中国画的最高境界在于“意境”，在于通过画面传达一种超然物外的精神感受。它鼓励我们在创作中融入自己的情感和理解，画出能够打动人心的作品。书中还介绍了许多画家的人生故事和创作理念，让我看到了艺术家是如何将生活与艺术融为一体，并将自己的精神世界投射到作品之中。这本书让我明白，学习国画，不仅仅是掌握一门技术，更是与中国传统文化进行一次深刻的对话。

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我一直对中国传统山水画情有独钟，尤其是那种“咫尺之内，再造乾坤”的意境。《国画技法从入门到精通》这本书，恰恰满足了我对山水画学习的渴望。它不像一些速成教材那样，上来就教复杂的构图，而是从最基础的“点景”开始讲起。书中关于如何画树、画石、画水、画云的讲解，都非常系统和细致。比如，在画树的部分，它详细介绍了松、竹、梅、柳等不同树种的画法，以及如何通过枝干的穿插、叶片的点缀来表现季节和生命力。我印象特别深刻的是，它在讲解画石时，不仅介绍了各种皴法，还强调了石头的体积感和穿插关系，以及如何通过墨色的深浅来表现石头的迎光面和背光面。书中的范例也极为丰富，有不同风格的画家作品，也有作者自己精心绘制的示范图，这些图例不仅是技法的展示，更是意境的传达。我常常会花很长时间去揣摩图中的每一笔，感受作者是如何通过简单的几笔，就勾勒出千山万壑的壮丽景象。这本书让我明白，山水画的魅力不仅仅在于“形似”，更在于“神似”，在于能否将自然万象的生命力和诗意融入笔端。

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我一直觉得，好的艺术教程，不仅要传授技法，更要激发学习者的创作热情。《国画技法从入门到精通》这本书，在这方面做得尤为出色。它在讲解技法时，始终不忘引导读者去感受美、发现美。比如，在讲解山水画时，它鼓励我们多去观察自然，去体会山川的壮丽、河流的灵动，并将这些感受融入到创作中。它还会引用许多古代文人的诗句，将绘画与文学紧密结合，让学习过程充满了诗意。我尤其喜欢它在讲解“构图”时，不是简单地给出几个固定模式，而是强调构图的“变化”与“统一”，以及如何通过构图来引导观者的视线，营造画面的层次感和空间感。书中还有关于“留白”的艺术的深刻论述，它让我意识到，留白不仅仅是空白，更是画面的呼吸和情感的延伸。这本书还非常注重“写意”与“写实”的结合，它鼓励我们在掌握写实技巧的同时，也要融入写意的精神，画出有生活气息和艺术感染力的作品。

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作为一个业余的国画爱好者，我尝试过许多不同的教程，但《国画技法从入门到精通》给我留下了非常深刻的印象。这本书不仅仅是一本技法手册，更像是一位经验丰富的老师在循循善诱。我最欣赏的一点是，它在教授基础技法时，并没有流于形式，而是始终强调“气韵生动”这一中国画的核心理念。比如，在讲解“用笔”的时候，它不仅告诉我们要如何执笔、运腕、运指，更强调笔触中的力量、速度和情感。它会通过分析历代大师的作品，让我们理解不同笔法的精神内涵，例如王羲之的行书如何影响了古代山水画的线条运用，以及苏轼的“枯笔”如何表现山石的苍劲。书中对“墨法”的讲解也十分透彻，从墨的浓淡干湿，到如何运用“破墨”、“积墨”、“宿墨”等技法来表现物体的层次感和立体感，都有详细的阐述和大量的范例。我曾对如何表现水墨的湿润感和空气感感到困惑，这本书通过对不同墨色融合的细致描绘，让我豁然开朗。它鼓励我们大胆尝试，不要害怕出错，而是要在实践中不断体会墨色的变化所带来的微妙效果。阅读这本书，就像是在与一位智慧的长者对话，他不仅教授你绘画的技巧，更传授你艺术的感悟。

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长久以来，我一直对中国画的写意精神感到着迷，但苦于无从下手。《国画技法从入门到精通》这本书，以其详实的内容和清晰的思路，为我提供了极佳的学习范本。它不仅仅是教授笔墨的运用，更强调的是“意”的表达。比如，在画人物时，它不仅教你如何勾勒人物的五官、四肢，更重要的是，它会教你如何捕捉人物的“神”，如何通过人物的表情、姿态来传达情感。书中对于“人物画的结构”有非常细致的讲解，包括头部的比例、身体的动势，以及如何通过人物的服装来烘托人物的性格。我尤其喜欢它关于“白描”的讲解，认为这是人物画的基础，它教我如何用最简洁的线条勾勒出人物的形态和神韵。它也强调了“写意人物画”的创作理念，鼓励我们在掌握基础技法的同时，融入自己的情感和理解，画出有生命力的作品。这本书让我明白了，中国画的写意，并非随心所欲，而是在高度概括和提炼的基础上，达到形神兼备的艺术境界。

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我一直对中国画的“笔墨”二字充满了敬畏，总觉得那是中国画的灵魂所在。《国画技法从入门到精通》这本书，让我有机会近距离地接触和理解笔墨的奥秘。它在讲解“用笔”时，从执笔、运腕、运指到笔的提按转折，都做了非常细致的分解，并且配以大量的示范图。它会讲解如何运用“中锋”画出圆润流畅的线条，如何运用“侧锋”画出苍劲有力的笔触。在讲解“用墨”时，它更是将墨的浓淡干湿运用到了极致，从“墨分五色”的理论，到“破墨”、“积墨”等技法的实际运用，都做了深入的阐述。我曾对如何表现水墨的“湿润感”和“透明感”感到困惑，这本书通过对不同墨色在宣纸上晕染效果的精细描绘，让我找到了答案。它还强调了“笔中有墨，墨中有笔”，以及“墨分五色”的相互配合，让画面产生丰富的层次和立体感。这本书让我明白，笔墨是中国画表现形式的根本，掌握了笔墨，就掌握了中国画的生命。

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作为一名对中国花鸟画充满热情的初学者，《国画技法从入门到精通》这本书为我打开了一扇全新的艺术之门。我一直觉得花鸟画是中国画中最富有生命力和情感的门类之一，它能够捕捉瞬间的美丽，将自然的灵动和艺术家的情怀融为一体。这本书在讲解花鸟画的技法时，非常注重“写意”的精神。它不仅教授如何画花、画鸟、画鱼，更重要的是，它教会我们如何去观察、去感受这些生命体。比如，在画梅花时，它详细讲解了不同时期梅花的形态，从含苞待放到怒放盛开，以及如何通过墨色的浓淡来表现梅花的筋骨和傲骨。在画鸟时，它从不同的鸟类入手，分析它们的结构、动态和神态，并教授如何用最简洁的笔墨捕捉它们的神韵，例如如何表现小鸟的机灵和活泼。书中对于“花鸟画的构图”也有深入的探讨，它强调构图的平衡、虚实、疏密，以及如何在有限的空间内营造出无限的意境。我特别喜欢它关于“借物抒情”的讲解，它引导我们思考，花鸟画不仅仅是简单的描摹，更是艺术家心境的写照。

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买了全套……不知道散落在哪里了。少了一本。整体比较简单。初学够用。

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写意花鸟。真好看。

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