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出版者:科学普及出版社

作者:潘云鹤

出品人:

页数:127

译者:

出版时间:1987-12

价格:1.60元

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丛书系列:

图书标签:

• KK
• 计算机美术
• 数字艺术
• 图形图像
• 设计
• 绘画
• 软件
• 教程
• 艺术教育
• 创意
• 视觉效果

另类视界：图像、叙事与感知交汇的边界探索 图书名称： 图像的权力与迷思：视觉文化的批判性考察 图书简介： 本书并非关于数字图像的生成技术，亦非聚焦于计算机软件的操作指南。相反，它深入探究了一个更为基础且深刻的领域：图像作为一种文化媒介、一种社会构建物，以及一种感知权力的载体，是如何塑造我们的现实、记忆和集体意识的。 我们生活在一个被图像洪流所定义的时代。从古典绘画的庄严到社交媒体上瞬息万变的快照，图像无处不在，它们不仅是信息的传递者，更是意识形态的温床和情感的操纵者。本书旨在抽离出技术层面的喧嚣，将目光投向图像的“背后”——探讨其内在的结构、历史的重量以及对人类心智运作的隐性影响。 第一部分：视觉的建构——从洞穴到屏幕的权力更迭 本部分追溯了视觉表征的历史演进，但重点并非技术革命，而是观念的转变。我们将审视古希腊哲学中对“相”（Eidolon）的辩论如何奠定了西方对真实与摹仿的理解。随后，深入分析文艺复兴时期“透视法”的发明，它不仅仅是一种绘画技巧，更是一种世界观的建立，即将世界量化、集中并置于一个单一观察者的中心。这种“观看方式”是如何与早期现代性的权力结构——殖民主义、科学理性——紧密勾连的？我们通过对伦勃朗的自画像和卡拉瓦乔的戏剧性光影进行细致剖析，展示光线和阴影如何被用作道德判断和心理聚焦的工具，而非仅仅是物理现象的再现。 进入现当代，我们讨论照相术的出现如何彻底颠覆了“图像即艺术”的传统定义，使其成为历史记录和大众复制的载体。重点剖析了沃尔特·本雅明关于“灵韵”（Aura）消逝的论断，并将其置于消费主义和大众媒体的语境下重新审视。在当代，当我们面对数以亿计的数字副本和无底洞般的社交媒体信息流时，图像的“真实性”和“原创性”的边界在哪里消融？我们探讨了福柯的“全景敞视监狱”概念如何通过无处不在的监控摄像头和个人数据的可视化，转化为一种内化的自我规训机制。 第二部分：叙事的引擎——图像如何讲述或掩盖故事 图像并非被动地记录事件，它们是主动的叙事者，或者说，是沉默的共谋者。本章聚焦于图像的组合、序列和语境化如何构建出具有倾向性的历史叙事。我们分析了宣传艺术（如苏联的社会主义写实主义、战时的海报设计）中，如何通过符号的简化和情感的夸张，实现对集体情绪的精准引导。这并非是讨论如何设计一张有力的海报，而是探究其背后的心理学机制和政治意图。 此外，我们对“缺席”的力量进行了深入研究。一个场景中被刻意移除或模糊的对象，其所留下的空白往往比清晰的描绘更具爆炸性的意义。通过对纪实摄影中“决定性瞬间”的批判性回顾，我们质疑这种瞬间捕捉的客观性，揭示摄影师的介入、选择和裁剪如何重塑了事件的意义流。书中的一个核心论点是：图像的“修辞学”远比其“美学”更具决定性。我们探讨了视觉隐喻（Metaphor）和提喻（Metonymy）在广告和新闻报道中，如何绕过逻辑审查，直接诉诸本能反应。 第三部分：感知与认知——眼睛作为身体的延伸 此部分从现象学和认知科学的交叉点切入，探讨图像对我们观看习惯和认知模式的永久性重塑。当眼睛习惯了高对比度、高饱和度、快速剪辑的视觉刺激时，我们的自然感知系统是否正在发生适应性变化？我们考察了媒介理论家（如麦克卢汉的“媒介即信息”）的观点，并将其置于后人类主义的背景下讨论：当界面设计和虚拟现实环境越来越逼真时，我们如何区分“观看”与“在场”？ 我们详细分析了“凝视”（The Gaze）在不同文化语境中的运作差异。从拉康的精神分析视角对“他者的凝视”的探讨，到后殖民理论中对被观看者主体性的反思，我们强调了观看行为本身就是一种权力交换。谁有权观看？什么可以被观看？而什么必须被遮蔽？这些问题构成了对当前视觉伦理的深刻拷问。 最后，本书收尾于对“图像的死亡”的哲学思辨。在一个数据流永不停止的时代，单一、固定的图像是否已经失去了其作为“锚点”的意义？或许我们不再是观看“图像”，而是在与一个永不休止的“视觉场”共振。本书旨在为读者提供一套批判性的工具箱，使他们能够穿透光影的迷雾，审视图像在塑造我们所认知的世界中所扮演的复杂而微妙的角色。 本书适合对象： 历史学者、文化理论研究者、传播学专业学生，以及任何对视觉现象的深层结构和意识形态影响感兴趣的严肃读者。它要求读者具备扎实的批判性思维，并愿意挑战自己对“所见即所得”的传统假设。

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我一直认为，艺术的本质在于情感的表达和审美的追求，而技术只是实现这一目标的工具。《计算机美术》这本书，恰恰很好地平衡了这两者。它并没有将重点放在冰冷的技术参数上，而是着重于如何运用计算机技术来提升艺术作品的感染力。书中探讨了色彩心理学在数字绘画中的应用，如何利用光影效果来营造氛围，以及如何通过镜头语言来引导观众的情绪。我从中学习到了很多关于构图和视觉引导的技巧，让我明白，即使是在数字世界里，传统的艺术法则依然适用，并且可以通过计算机技术得到更强大的延展。书中那些关于数字雕塑和动画制作的章节，更是让我看到了技术在叙事和表现力上的巨大潜力。总而言之，这本书让我认识到，计算机美术不仅仅是技术的堆砌，更是艺术思想的载体。它鼓励我去思考，如何用技术去讲故事，去触动人心。

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这本书就像一把钥匙，为我打开了一扇通往创意世界的大门。我一直对如何将技术与艺术相结合感到好奇，而《计算机美术》这本书恰恰满足了我这份求知欲。它没有枯燥的术语堆砌，而是用生动形象的语言，将那些看似复杂的概念一一剖析。从基础的图形学原理，到高级的渲染技术，再到各种软件的应用技巧，书中都有详尽的介绍。我尤其喜欢其中关于数字绘画和三维建模的部分，作者通过丰富的实例，教会我如何运用色彩、光影和构图来创造出令人惊叹的视觉效果。每次阅读，都仿佛置身于一个巨大的数字画布前，手中握着一支虚拟的画笔，尽情挥洒想象。这本书不仅提供了技术上的指导，更重要的是，它激发了我对艺术创作的热情，让我看到了技术在艺术表达上的无限可能。我迫不及待地想将书中学到的知识运用到我的实际创作中，去探索属于我自己的计算机美术风格。

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在数字时代，美术的概念正在不断被重新定义，而《计算机美术》这本书，无疑为我们描绘了这场变革的图景。它不仅仅是一本关于工具的书，更是一本关于思维方式的书。作者通过大量的案例分析，向我们展示了计算机技术如何渗透到艺术创作的各个环节，从概念设计到最终的呈现，都发生了深刻的变化。我印象最深刻的是关于程序化生成艺术的部分，它打破了传统的创作模式，让我看到了艺术创作的另一种可能性，即与算法协作，去生成意想不到的视觉效果。书中还探讨了虚拟现实和增强现实在美术领域的应用，这让我对未来的艺术形式充满了遐想。这本书的价值在于，它不仅教授了“怎么做”，更引导我们思考“为什么这么做”，以及“未来会怎样”。它是一本能够激发思考，拓展视野的书籍，对于任何对现代艺术和科技发展感兴趣的人来说，都具有极大的启发意义。

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一直以来，我对于那些充满奇幻色彩的数字插画和电影中的特效场景都感到无比着迷。我曾以为这些作品的诞生离不开什么神秘的魔法，直到我翻开了《计算机美术》。这本书就像一个揭秘者，一步步地向我展示了这些令人惊叹的视觉奇迹是如何诞生的。从最初的概念草图，到精细的建模，再到逼真的渲染和后期合成，书中都给出了详尽的解释和操作指南。我尤其喜欢书中关于材质和纹理表现的章节，它让我明白了如何通过细致的观察和精湛的技巧，为数字模型赋予真实的质感。还有关于动态图形和视觉特效的部分，更是让我大开眼界，我才意识到原来那些流畅的动画和震撼的爆炸场景，背后有着如此严谨的技术流程。这本书让我对数字艺术创作的复杂性和创造力有了全新的认识，也让我萌生了亲自去尝试制作属于自己的数字艺术作品的念头。

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作为一名刚刚接触计算机图形领域的学生，我在寻找一本能够系统性地梳理概念、又包含实践指导的入门书籍时，遇到了《计算机美术》。这本书的结构设计非常合理，从软件的安装和基本操作讲起，逐步深入到各种工具的详细功能和高级应用。书中对于软件界面的讲解清晰明了，配以大量的截图和图示，让我即使是第一次接触这些软件，也能快速上手。我特别欣赏作者在讲解过程中，经常穿插一些实际项目案例，例如如何制作一张海报，如何渲染一个简单的三维场景等等。这些案例不仅让抽象的概念变得具体，也让我对学习到的知识有了更直观的感受。通过书中的指导，我不仅学会了如何使用Photoshop、Illustrator等设计软件，还初步掌握了 Blender 等三维建模软件的入门技巧。这本书为我打下了坚实的基础，让我对未来的学习方向更加明确，也更有信心去挑战更复杂的项目。

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