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出版者:工人出版社

作者:[英]科林伍德

出品人:

页数:111

译者:卢晓华

出版时间:1988-8

价格:1.25元

装帧:平装

isbn号码:9787500801979

丛书系列:艺术哲学丛书

图书标签:

• 美学
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艺术哲学新论 引言 艺术，自人类文明伊始便与我们如影随形。它不仅仅是色彩的斑斓、线条的挥洒，抑或是音符的跳跃、文字的编织，更是一种深刻的哲学思辨，一种对存在、对感知、对意义的独特探索。千百年来，哲学家们围绕艺术的本质、功能、价值以及其与现实世界、人类精神的关系，展开了无数场智慧的对话。然而，随着时代的发展，新的艺术形式层出不穷，新的媒介不断涌现，我们对于艺术的理解也亟需更新和拓展。《艺术哲学新论》便是诞生于这样的时代背景下，它试图站在新的思想高度，以全新的视角，重新审视和论述艺术的深层哲学意涵。 本书并非对既有艺术哲学理论的简单罗列与梳理，而是力求在继承前人智慧的基础上，注入新的洞察与活力。它将深入剖析艺术在当代社会中的独特地位，探讨艺术如何与科技、媒介、文化、伦理等诸多方面发生复杂而深刻的互动。我们相信，艺术的力量不仅在于其审美愉悦，更在于其塑造观念、启迪心智、连接个体与社群，乃至推动社会变革的潜能。 第一章：艺术的本体论追问：存在与意义的交织 在深入探讨艺术的哲学议题之前，我们首先需要回归艺术的本体，追问其“是什么”的问题。传统哲学对于艺术的定义往往侧重于模仿、表现或形式，然而，在后现代语境下，艺术的边界已然模糊，其定义也愈发具有流动性。《艺术哲学新论》将挑战那些僵化的定义，从存在论的维度，探讨艺术作为一种特殊的“存在”是如何生成的，以及它在本体层面上具有怎样的意义。 我们将首先审视“再现”与“表现”的范式演变。从柏拉图对艺术的“模仿”的警惕，到亚里士多德对艺术“表现”的肯定，再到浪漫主义对艺术家“内心世界”的强调，艺术与现实的关系一直是哲学争论的焦点。本书将指出，在当代，艺术早已超越了单纯的模仿或个人情感的宣泄，它更像是一种“生成”的过程。艺术家不再是被动地捕捉现实，而是主动地在现实中“创造”出新的实在，一种具有独立意义的实在。这种实在，或许是观念的，或许是体验的，或许是感知的，但它无疑是一种新的“存在”方式。 接着，我们将深入探讨艺术的“意义生成”机制。艺术作品何以获得意义？这种意义是内在的、客观的，还是外在的、主观的？抑或是二者兼而有之，并随着观者的介入而不断丰富和重塑？本书将考察符号学、接受美学等理论，并在此基础上提出一种新的意义生成模型。我们将强调，艺术的意义并非一成不变，它是一个动态的、互动性的过程。作品本身提供了意义的“种子”，而观者的经验、文化背景、社会语境以及历史变迁，都构成了意义的“土壤”和“养分”。因此，艺术的意义并非“给予”，而是“共创”。 此外，我们还将关注艺术作品的“在场性”与“非在场性”。数字艺术、虚拟现实艺术的兴起，对我们理解艺术作品的物质性和时空性提出了新的挑战。一件数字艺术作品，其“原件”究竟在哪里？其“在场”又意味着什么？本书将通过对这些问题的探讨，扩展我们对艺术存在形式的理解，并反思虚拟与现实、物质与非物质在艺术中的界限。 第二章：艺术的认识论功能：感知、理解与意识的拓展 艺术不仅是一种存在，更是一种认识世界、认识自我的重要途径。它以独特的方式触及我们的感知，激活我们的思维，并最终拓展我们的意识。《艺术哲学新论》将聚焦艺术的认识论功能，探讨艺术如何帮助我们更深入地理解世界，以及它在塑造和提升人类认知能力方面所扮演的角色。 本书将首先考察艺术对“感知”的启迪作用。艺术作品往往以非惯常的方式呈现事物，打破我们固有的观看模式，从而训练我们的眼睛、耳朵和心灵去捕捉被日常麻痹的细节和深层结构。一幅画作的色彩搭配，可能唤醒我们对色彩之间微妙关系的觉察；一段音乐的旋律，可能触动我们内心深处的情感共鸣；一个雕塑的形体，可能让我们重新审视空间和物质的构成。我们将强调，艺术是“第二自然”，它以一种独特的方式“再现”了世界，但这种“再现”并非简单的复制，而是对世界本质的更深刻的揭示。 接着，我们将探讨艺术在“理解”层面的作用。艺术作品并非仅仅引起感官的愉悦，它更是一种思想的载体，一种观念的表达。通过艺术，我们得以进入不同的文化情境，体验不同的生命历程，接触不同的哲学思想。本书将分析文学叙事如何帮助我们理解复杂的人性，戏剧如何呈现社会矛盾，电影如何构建世界观。我们将认为，艺术是“思想的实验室”，它允许我们以一种安全而间接的方式，去探索和思考那些抽象、复杂甚至危险的问题。 更进一步，我们将考察艺术对“意识”的拓展。艺术不仅让我们看见和理解外部世界，更重要的是，它触及我们的内在世界，唤醒我们沉睡的意识，启迪我们对自身存在的反思。本书将分析音乐如何触及潜意识，绘画如何表达无言的情感，诗歌如何捕捉转瞬即逝的思绪。我们将强调，艺术是一种“意识的催化剂”，它能够穿透理性思维的壁垒，直抵情感和直觉的深处，从而带来深刻的自我认知和精神成长。 第三章：艺术的价值论维度：审美、情感与伦理的关联 关于艺术的价值，一直是哲学领域争论不休的话题。艺术的价值究竟在于其纯粹的审美性，还是在于其情感的宣泄，亦或是其社会功能？《艺术哲学新论》将超越二元对立，从价值论的角度，全面而深刻地探讨艺术的多元价值，并重点考察艺术与审美、情感以及伦理之间的内在联系。 本书将首先审视“审美价值”的根源。为什么我们会觉得某些事物是美的？美的标准是客观存在的，还是主观赋予的？我们将回顾康德的“无利害的愉悦”等经典论述，并在此基础上，结合神经科学、心理学等前沿研究，提出一种更具整合性的审美价值理论。我们将认为，审美体验是一种复杂的认知和情感过程，它既与人类固有的生理和心理机制相关，也受到文化和社会因素的影响。 紧接着，我们将深入探讨艺术的“情感价值”。艺术作品是情感的容器，也是情感的引发器。它能够唤起我们各种各样的情感，从喜悦、悲伤到愤怒、恐惧，并在此过程中，帮助我们处理、理解和转化自身的情感。本书将分析音乐如何表达纯粹的情感，戏剧如何引发观众的共情，文学如何塑造人物的情感世界。我们将强调，艺术是“情感的过滤器”和“情感的放大器”，它让我们得以更安全、更深刻地体验和认识情感的丰富性。 尤为重要的是，本书将重点考察艺术的“伦理价值”。艺术并非总是独立于伦理之外的纯粹审美活动，它往往蕴含着深刻的伦理思考和价值判断。艺术作品可以揭示社会的不公，批判道德的沦丧，激发我们对良知和正义的追求。本书将分析纪录片如何记录历史的真相，小说如何探讨人性的复杂，雕塑如何纪念民族的苦难。我们将强调，艺术是“道德的镜子”和“道德的火炬”，它能够唤醒我们的道德意识，促使我们反思自身的行为，并激发我们对更美好社会的向往。 第四章：艺术的媒介与形式：传统与创新的对话 随着科技的飞速发展，艺术的媒介和形式也发生了翻天覆地的变化。从传统的绘画、雕塑，到摄影、电影，再到数字艺术、互动装置、虚拟现实艺术，《艺术哲学新论》将审视媒介变革对艺术本质和哲学意涵的影响，并探讨传统与创新的关系。 本书将首先回顾艺术媒介的演变史。我们将考察不同媒介的物质属性、技术特征及其对艺术表达方式的独特塑造。例如，油画的厚重感与国画的写意性，摄影的写实性与电影的叙事性，各有其独特的哲学内涵。我们将认为，媒介并非仅仅是传递信息的工具，它本身就构成了艺术意义的一部分，影响着我们对世界的感知和理解。 接着，我们将深入探讨数字媒介和新兴技术对艺术的挑战与机遇。AI生成的艺术、算法驱动的音乐、虚拟现实体验，这些新的艺术形式模糊了作者与观众、真实与虚拟的界限，引发了关于创作主体、作品独特性、审美体验等一系列新的哲学问题。本书将分析这些新兴艺术形式如何挑战我们既有的艺术观念，并为艺术的未来发展提供新的可能性。 同时，我们将强调传统艺术形式的生命力与创新空间。并非所有创新都必须拥抱新技术，许多传统媒介在当代艺术家手中，依然能够焕发出新的光彩。例如，当代水墨、实验戏剧、装置艺术等，都展现了传统艺术形式在当代语境下的独特魅力。本书将探讨传统与创新之间的辩证关系，认为真正的艺术创新并非抛弃传统，而是在深刻理解和把握传统的基础上，进行有意义的拓展和转化。 第五章：艺术与社会：文化、政治与个体生存 艺术并非孤立存在于象牙塔中，它与社会生活紧密相连，在文化、政治、个体生存等多个层面发挥着重要作用。《艺术哲学新论》将探讨艺术在当代社会中的多重角色，并分析其与社会变迁、权力结构、个体认同等之间的复杂互动。 本书将首先考察艺术的“文化功能”。艺术是文化的载体，是民族精神的体现，也是文化交流的桥梁。不同的文化背景下，艺术的风格、主题、价值取向都呈现出鲜明的差异。我们将分析艺术如何传承和发展文化传统，如何促进不同文化之间的理解与对话。 接着，我们将审视艺术的“政治维度”。艺术常常被用作政治宣传的工具，但也同样可以成为批判权力、挑战权威、推动社会变革的力量。本书将分析艺术作品在历史上的政治作用，例如某些革命歌曲、批判现实主义画作等，并探讨当代艺术如何以更隐晦、更具颠覆性的方式参与到政治 discourse 中。 此外，我们将关注艺术在“个体生存”中的意义。在日益同质化、消费化的现代社会，艺术为个体提供了一个寻找意义、表达自我、连接他人的空间。本书将分析艺术如何帮助个体抵抗异化，如何成为个体精神寄托和情感慰藉的来源，以及如何通过参与艺术创作和欣赏，实现个人的价值和解放。 结论 《艺术哲学新论》是一次对艺术哲学边界的拓展和深化。我们相信，艺术的哲学探索永无止境，它随着人类文明的进程而不断演进。本书旨在抛砖引玉，激发更广泛的思考和讨论。我们希望通过对艺术本体、认识论、价值论、媒介形式以及社会功能的深入论述，读者能够对艺术有一个更全面、更深刻的理解，并重新认识艺术在塑造我们生活、思想和精神世界方面所发挥的不可替代的作用。艺术，终究是人类精神最闪耀的火花，是对存在最深刻的追问，也是通往更美好世界的最有力途径之一。

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阅读这本书的过程，与其说是获取知识，不如说是一种心灵上的洗礼。作者在行文中流露出的那种对艺术真理的执着探求精神，极具感染力。他笔下的人物形象，那些艺术家、批评家乃至哲学家，都仿佛获得了生命，他们的挣扎、他们的顿悟，都清晰可见。我发现自己在阅读某些段落时，会不由自主地停下来，默默地感受那些文字带来的情绪波动。有一处关于“观看的伦理”的讨论，深刻地揭示了观者在面对一件具有强烈情感冲击力的作品时，所应承担的道德责任。这远远超越了一般的艺术鉴赏范畴，直抵人类情感与认知交互的核心。这种由内而外散发的强大思辨力量，让我的日常感知都变得更加敏锐了。走出书房，街道上的光影、行人的表情，都似乎多了一层被哲思浸润过的深度，仿佛获得了某种“第三只眼”，能洞察日常表象之下的结构。这便是好书的价值所在，它改变的不是信息，而是看待世界的方式。

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坦白说，这本书的阅读难度绝非轻量级读物可以比拟，它需要读者投入相当的专注力和时间去细嚼慢咽。但正因为这种挑战性，最终的回报才显得格外丰厚。书的结尾部分尤其精彩，作者没有给出任何一劳永逸的答案，反而是提出了更多更具挑战性的开放性问题，引导读者将哲思带入到未来的艺术实践与审美经验中去。这种“学以致用”的导向，使人感到兴奋，仿佛自己也参与到这场永无止境的哲学对话之中。我甚至立刻去查阅了书中引用的那些晦涩的德语文献，试图追溯作者思想的源头，这在我阅读其他书籍时是很少见的驱动力。总而言之，这是一部需要静心、反复阅读的力作，它不仅拓展了我们对艺术的理解边界，更在深层次上，淬炼了我们思考自身存在和感性经验的能力。对于任何严肃的艺术研究者或对深度思考抱有热忱的读者来说，这本书无疑是一笔宝贵的精神财富。

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这本书的结构安排堪称教科书级别，层次分明，逻辑递进得体。全书被清晰地划分为几个核心板块，每个板块都像是一块精心打磨的宝石，独立存在却又彼此关联，共同构建起一个宏大的知识体系。第一部分聚焦于艺术的本体论基础，探讨“何以为艺术”这一古老命题，作者的切入点非常新颖，他巧妙地引入了最新的神经科学发现来佐证一些古典的现象学观点，这种跨学科的对话令人耳目一新。紧接着的第二部分则深入到艺术的社会功能与历史变迁，这里的论述既有扎实的史学依据，又不乏犀利的社会批判，对资本在当代艺术生态中的作用分析得入木三分，丝毫没有文过饰非。最令我感到惊喜的是，作者并没有将“哲学”与“艺术史”割裂开来，他总能精准地在理论的抽象层面与具体的艺术案例之间架起桥梁，使得理论不再是空中楼阁。这种严密的编排，保证了读者在跟随作者思辨路径时，不会迷失方向，反而会有一种不断攀登至新高度的充实感。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉稳的墨绿色配上烫金的字体，透着一股古典而又不失现代感的韵味，初拿在手上就能感受到分量，绝非那种轻飘飘的畅销书可比。光是欣赏封面的排版和字体的选择，就能体会到出版方在细节上的用心，这很符合我对“有深度”书籍的期待。翻开内页，纸张的质感也十分考究，那种略带粗粝却不失光滑的触感，阅读时让人心情平和，即便是长时间沉浸其中也不会感到疲惫。作者的引言部分写得尤为精妙，他没有急于抛出宏大的理论，而是通过几个极具画面感的艺术作品的瞬间切入，引导读者进入一个关于“美与存在”的思辨场域。尤其是开篇对某位抽象表现主义画作的描述，那种对色彩和笔触的细腻捕捉，简直能让人仿佛置身于画廊之中，闭上眼睛都能“看”到那幅作品的肌理。这种从具象到抽象的过渡非常自然流畅，显示出作者深厚的艺术鉴赏功底和深邃的哲学思辨能力。这本书的开篇铺陈，成功地建立起一种仪式感，让人知道接下来的阅读体验将是一场严肃的智力探险，而非轻松的消遣。

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我对哲学类书籍的阅读常常抱有一种小心翼翼的敬畏，生怕遇到那些故作高深的术语堆砌，读完后只剩一头雾水。然而，这本书在概念的阐释上展现出惊人的清晰度和洞察力。作者似乎有一种魔力，能将那些晦涩难懂的康德式形而上学概念，用一种近乎散文诗般的语言娓娓道来。例如，在探讨“审美判断的普遍性”时，他没有直接引用复杂的逻辑推导，而是通过对比不同文化背景下对同一主题雕塑的接受差异，来具象化其理论核心。这种“以小见大”的叙事策略，极大地降低了阅读的门槛，同时又不失学术的严谨性。我尤其欣赏作者在批判某些传统美学观时所保持的克制与尊重，他并非简单地否定前人，而是在批判的基础上进行富有建设性的拓展，提出了一些令人耳目一新的视角，比如关于“数字时代艺术的瞬间性消亡”的论断，颇具前瞻性和现实意义。读到此处，我忍不住放下笔，认真地在笔记本上梳理了自己的思考框架，这本书显然不是那种可以囫囵吞枣的书籍，它要求读者进行积极的对话和反思。

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