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出版者:Putnam Pub Group

作者:Eric Carle Museum of Picture Book Art/ Carle, Eric (INT)/ Carle, Eric (ILT)

出品人:

頁數:112

译者:

出版時間:2007-9-25

價格:$30.00

裝幀:HRD

isbn號碼:9780399246005

叢書系列:

圖書標籤:

藝術傢
畫冊
英文原版
插畫
兒童文學
*
藝術交流
藝術傢訪談
創作靈感
藝術技巧
藝術人生
藝術教育
繪畫
設計
攝影
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具體描述

In this remarkable and beautiful anthology featuring the likes of Maurice Sendak, Robert Sabuda, Rosemary Wells, and Eric Carle, twenty-three of the most honored and beloved artists in childrenas literature talk informally to childrenasharing secrets about their art and how they began their adventures into illustration. Fold-out pages featuring photographs of their early work, their studios and materials, as well as sketches and finished art create an exuberant feast for the eye that will attract both children and adults. Self-portraits of each illustrator crown this important anthology that celebrates the artists and the art of the picture book. An event book for the ages. "Proceeds from the book will benefit the Eric Carle"

雕塑的寂靜與喧囂：光影中的物質精神本書是一部深入探討雕塑藝術曆史、理論與實踐的專著，著重分析瞭物質形態如何承載、錶達乃至挑戰人類的精神世界與社會觀念。它並非一本簡單的藝術史教科書，而是一次對“三維空間藝術”本質的哲學叩問。全書結構嚴謹，層層遞進，以材料的演變作為時間軸，輔以關鍵流派的思辨，旨在揭示雕塑作為一種媒介的獨特力量。第一部分：物質的胚胎——早期形態與儀式之聲開篇追溯至史前時期，重點分析瞭舊石器時代的“維納斯”形象。我們不隻是在審視簡單的生育符號，而是挖掘其背後對生命力、土地肥力的原始崇拜與具象化需求。作者細緻描摹瞭這些早期造物如何以粗礪的石塊或泥土，構建起人類與自然、神祇溝通的橋梁。接著，筆鋒轉嚮古埃及與美索不達米亞的紀念碑性雕塑。在這裏，雕塑不再是個體錶達，而是權力、永恒與秩序的工具。我們考察瞭法老石像的僵直與對稱性，探討瞭這種形式如何服務於“不朽”的政治敘事，以及工匠們如何在嚴格的規範下，實現對理想人格的塑造。古希臘雕塑被視為本書的第一個高潮。從早期的古拙（Archaic）到古典時期的“黃金比例”，再到希臘化時期的情感爆發，我們細緻解構瞭“理想美”的誕生與瓦解。特彆關注菲狄亞斯和波留剋列特斯的作品，探討瞭他們如何通過對人體比例、動態平衡的極緻追求，試圖捕捉人類的內在精神與理性光輝。作者對“對位法”（Contrapposto）的分析尤為深入，將其視為一種哲學姿態，即身體在運動中的瞬間靜止，是理性與激情交鋒的視覺體現。第二部分：精神的褶皺——中世紀的敘事場域與文藝復興的迴歸中世紀的篇章聚焦於哥特式大教堂的門楣與柱頭雕刻。這些作品的功用性遠大於純粹的審美性。本書探討瞭這些“石頭的布道者”如何通過繁復的浮雕和壁柱雕像，嚮不識字的民眾傳達《聖經》的故事。敘事性、寓言性和教化性成為核心驅動力。材質的多樣化，如彩繪木雕的引入，揭示瞭對宗教情感體驗層次的追求。文藝復興的迴歸，標誌著個體性與人文主義的強勢崛起。本書認為，多納泰羅是這場變革的先驅。他的大衛像，不同於米開朗基羅的沉思，是一種對古典裸體語言的復興，但其內在的脆弱感和青春氣息，已然注入瞭新的世俗情感。米開朗基羅的“未完成品”（Non-finiti）構成瞭本書一個重要的理論切入點。這些殘缺的軀體，如同被囚禁於大理石中的靈魂，掙紮著想要脫離母岩。這種未完成狀態，被解讀為對人類認知局限性、對藝術理想永難企及的深刻體悟。第三部分：動態的革命——巴洛剋、洛可可與學院派的張力巴洛剋雕塑是關於運動、戲劇性和感官衝擊的。貝爾尼尼被置於核心位置，分析其如何利用大理石的溫潤性，模擬齣肌膚的柔軟、頭發的飛揚與衣物的翻滾。作品如《聖特蕾莎的狂喜》，不再是靜止的紀念，而是被捕捉到的“時間瞬間”——一種極度誇張、直擊人心的情感高潮。這種對動態和光影的癡迷，是與反宗教改革時期對信仰熱情的重新點燃緊密相關的。與此相對，本書也分析瞭學院派雕塑（如卡諾瓦）的冷靜古典主義迴潮，以及洛可可時期對精緻、輕盈材質（如瓷器雕塑）的偏愛，探討瞭這些風格如何反映瞭貴族階層的審美趣味轉嚮。第四部分：切割與重構——現代雕塑的本體論轉嚮進入19世紀末至20世紀初，雕塑經曆瞭最為劇烈的“去物質化”和“去敘事化”的革命。羅丹被視為連接古典與現代的橋梁，他的作品不再追求錶麵的光滑與理想化，而是通過粗糲的錶麵和強烈的肌理，展現人類靈魂的內在掙紮與復雜性，例如《地獄之門》的碎片化敘事。現代雕塑的真正飛躍在於材料的解放。立體主義（如布朗庫西）的齣現，標誌著雕塑開始拒絕模仿自然，轉嚮對基本幾何形態和純粹本質的提煉。布朗庫西的《空間中的鳥》，是對“飛翔”這一概念的抽象提純，而非對一隻鳥的描摹。 20世紀中期，抽象錶現主義和極簡主義徹底顛覆瞭雕塑的傳統定義。我們詳細考察瞭卡爾德對“動態雕塑”（Mobiles）的發明，這使得雕塑獲得瞭“時間性”，不再是固定的對象，而是與空氣流動發生關係的係統。極簡主義者，如唐納德·賈德，則將雕塑迴歸到“特定物體”（Specific Object）的層麵，強調其物理存在、與展廳空間的關係，以及材料本身的工業屬性。雕塑不再是關於“什麼”的錶達，而成為關於“是何物”的存在論陳述。第五部分：邊界的消融與觀念的拓撲本書的最後一部分，關注當代雕塑如何模糊瞭傳統媒介的界限。安裝藝術（Installation Art）、場地特定藝術（Site-Specific Art）以及新材料（如工業塑料、霓虹燈、甚至數字投影）的大量使用，使得雕塑的概念被無限拓寬。我們分析瞭藝術傢如何利用這些新興媒介，探討全球化、消費主義、身體政治和環境倫理等議題。雕塑的“重量”和“持久性”的傳統屬性受到挑戰，取而代之的是其短暫性、可移動性和對感知環境的乾預能力。總結而言，本書試圖證明，雕塑藝術史本質上是一部人類精神不斷尋求具象化錶達，並在不同時代背景下，對“物質性”與“永恒性”進行辯證權衡的曆史。從刻在岩石上的祈禱，到懸浮於空氣中的思辨，雕塑始終是我們理解自身存在的，最直接、最堅實的介質。