Contemporary Theatre, Film and Television, Volume 74 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Gale Group

作者:Riggs, Thomas 编

出品人:

页数:484

译者:

出版时间:2007-3

价格:$ 335.61

装帧:HRD

isbn号码:9780787690472

丛书系列:

图书标签:

• Theatre
• Film
• Television
• Contemporary Drama
• Performance Studies
• Media Studies
• Cultural Studies
• Literary Criticism
• Arts
• Entertainment

当代剧场、电影与电视研究：历史、理论与未来趋势（不含《当代剧场、电影与电视研究，第74卷》内容） 导言：媒介变迁中的艺术前沿 在二十一世纪的语境下，剧场、电影和电视这三大视觉与表演艺术领域正经历着前所未有的深刻变革。技术的飞速发展，特别是数字媒介的普及、流媒体平台的崛起以及全球化带来的文化碰撞，共同塑造了一个充满活力、但也极具挑战性的艺术生态。本卷旨在深入探讨这一复杂图景下的核心议题，通过对历史回溯、理论重构和前瞻性案例分析，勾勒出当代艺术实践的最新轮廓，同时批判性地审视其社会文化影响。我们关注的焦点在于媒介的融合、叙事模式的演变以及身份政治在舞台和银幕上的呈现。 第一部分：剧场艺术的再定位与空间政治 当代剧场不再局限于传统的分区舞台。本部分聚焦于剧场空间如何被重新定义和利用，以及表演的本质如何在数字时代受到拷问。 一、沉浸式体验与“在场”的危机： 随着环境剧场（Environmental Theatre）和沉浸式戏剧（Immersive Theatre）的成熟，观众与表演者之间的界限日益模糊。我们考察了从先驱者如彼得·布鲁克（Peter Brook）对“空的空间”的探索，到当代如“睡眠剧场”或VR/AR辅助的现场表演，如何挑战了亚里斯托克尔斯以来对“模仿”（Mimesis）的理解。核心问题在于：当技术可以完美复制或替代现场的“在场感”时，剧场的独特性和价值何在？本章通过对关键制作的文本分析，探讨了在高度“媒介化”的社会中，剧场如何重新确立其作为唯一性事件（Singular Event）的地位。 二、跨媒介叙事与数字舞台技术： 剧场与电影技术的交汇是当代舞台设计的一大趋势。从大型巡演中对巨型LED屏幕和实时影像投射（Projection Mapping）的运用，到微小剧场中对网络直播和观众互动技术的审慎整合，剧场艺术家们正积极利用数字工具来扩展叙事的维度。我们分析了诸如歌剧、实验剧以及社区剧场在运用新技术时所面临的伦理和美学困境，特别是当数字图像的完美性可能压倒演员表演的脆弱性时。本部分亦深入研究了后戏剧剧场（Postdramatic Theatre）在数字语境下的发展，探讨其对文本中心主义的持续解构。 三、身份政治、身体与激进表演： 当代剧场是社会冲突最前沿的发生地之一。本节考察了性别、种族、阶级和残障议题在舞台上的激进表达。通过对边缘群体创作者的访谈和作品分析，我们探讨了“身体作为政治文本”的理论，以及剧场如何成为抵抗审查和重塑公共记忆的场所。特别关注了表演艺术对酷儿理论（Queer Theory）和后殖民理论的吸收与转化，以及这些实践如何影响剧场观众的形成过程。 第二部分：电影的转型与流媒体的颠覆 电影媒介正经历其百年历史中最剧烈的结构性变化。从院线发行的垄断到全球流媒体平台的权力集中，本部分关注电影语言、制作模式和发行生态的重塑。 一、院线体验的衰退与“大银幕”的神话： 面对家庭娱乐系统的升级和流媒体的便捷性，传统院线面临生存危机。本章研究了电影节（如戛纳、柏林）如何试图维护其作为精英文化场所的地位，以及大型商业电影（如超级英雄系列）如何利用奇观（Spectacle）来诱使观众回归影院。同时，我们分析了独立电影制作人在新的发行环境下，如何平衡艺术追求与“算法友好性”之间的矛盾。 二、流媒体叙事与“剧集化”的文学性： 电视连续剧（Series）的艺术质量在过去十年中显著提升，模糊了电影与长篇叙事的界限。本节对比了电影叙事（聚焦于结构完整性和单次体验）与长篇剧集叙事（聚焦于人物弧光和世界构建的深度）的差异。我们探讨了“高概念”（High Concept）剧集、迷你剧以及“Binge-Watching”文化对观众注意力和审美期待的影响。特定的分析案例集中于流媒体平台上对历史、科幻和犯罪题材的重新讲述，以及它们如何通过高预算来模拟电影的制作水准。 三、全球化、本土化与电影的“去中心化”： 电影制作的全球化不仅体现在跨国合拍，更体现在非西方电影工业的崛起。本部分重点考察了亚洲、拉丁美洲和非洲电影在国际舞台上的能见度，以及它们如何运用本土文化资源来对抗好莱坞的文化霸权。特别关注了电影语言的“混合性”——即不同地区的美学元素如何被挪用和融合。我们还审视了电影中的数字特效技术（CGI）在不同经济体中的应用差异及其对叙事真实性的挑战。 第三部分：电视的演变、互动与未来展望 电视媒介从传统的三大网向高度碎片化、个性化订阅服务的转变，不仅改变了内容消费习惯，也重塑了媒介对公共舆论的塑造能力。 一、非虚构叙事与“真实”的建构： 纪录片和调查性新闻在电视和流媒体上的复兴，引发了对“真实”与“操纵”之间关系的深刻反思。本章分析了高端纪录片（Prestige Documentary）的制作标准，以及它们如何运用电影化的手法来包装复杂的社会议题。我们批判性地审视了“真实犯罪”（True Crime）题材的伦理边界，以及电视如何通过精巧的剪辑和背景音乐来引导观众的情感反应，从而模糊了事实陈述与煽情表达的界限。 二、互动叙事与观众主体性的重塑： 虽然电视传统上是单向传输的媒介，但数字平台的出现（如Netflix的互动电影尝试）正在探索新的互动模式。本部分探讨了基于观众选择的叙事结构（Choose-Your-Own-Adventure）在电视媒介中的可行性，以及这种互动如何影响叙事的连贯性和艺术完整性。同时，也考察了社交媒体（如Twitter和TikTok）如何成为当代电视节目的“第二屏幕”，影响着剧集的热度和后续的文化解读。 三、人工智能与媒介创作的边界： 展望未来，人工智能（AI）在剧本辅助写作、数字演员生成和后期制作自动化方面的应用日益显著。本章以审慎的态度评估了AI在内容生产链中的潜在作用。我们关注AI是否能真正实现创造性突破，还是仅仅成为效率工具，以及这种技术进步对传统艺术家的就业前景和版权体系构成的结构性挑战。此外，还讨论了“深度伪造”（Deepfakes）技术对新闻报道和历史重构的潜在威胁。 结论：媒介的交织与艺术的韧性 当代剧场、电影与电视的研究不再是孤立的学科划分，而是一个相互渗透、相互影响的场域。从舞台上的实时数据可视化到银幕上对舞台传统的致敬，媒介间的界限正在持续地被侵蚀和重组。本卷力求提供一个多角度、跨学科的框架，以理解艺术家们如何在技术浪潮中坚守艺术的批判精神和人文关怀，确保这些动态的艺术形式能够持续地反映并塑造我们所处的复杂世界。

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总体来看，这本书的编辑选择让人感到困惑，它似乎在试图取悦所有领域，结果却显得对任何一个领域都没有做到真正的深入。 电影、电视和戏剧的章节之间缺乏必要的对话和交叉引用，更像是一本将三本不同、且质量参差不齐的期刊文章硬塞进一个封皮里的合集。 特别是在比较三种媒介如何处理“真实性”这一主题时，各章节的论述标准和方法论截然不同，导致整体的理论框架显得支离破碎。 有些篇章像一篇本科生的期末论文，对材料的梳理流于表面；而另一些则像一篇深奥的博士论文，过度依赖圈内人的术语，让人难以企及。 我渴望看到的是一部能够统摄数字时代媒介融合趋势的权威著作，一部能够清晰勾勒出当前文化生产者面临的共同挑战与机遇的指南。 然而，这部文集提供的更多是孤立的、碎片化的学术观察，缺乏一种将它们串联起来的、有力的编辑愿景。 最终，读者获得的只是一堆高质量的理论“点”，而非一条完整的、可供导航的“线”。

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这部文集的戏剧部分，似乎将“当代”一词理解得过于狭隘了。 重点聚焦于几位欧洲先锋派导演在室内剧场中的实验，这些实验——虽然在技术层面上可能值得称赞——但与全球范围内蓬勃发展的、与社会运动紧密结合的、去中心化的表演实践几乎毫无交集。 给我留下最深印象的，是作者对“身体政治”在舞台上的处理方式的冗长论述，但这种论述充斥着哲学概念的堆砌，使得原本可能具有感染力的表演实践被抽离了其社会语境，变成了一场纯粹的智力体操。 比如，在讨论某部探讨气候危机的作品时，作者几乎没有提及该剧是如何在巡演中与地方社区建立联系，或者它如何适应不同的政治气候进行调整，而是沉迷于舞台灯光对“存在的焦虑”的隐喻效果。 这种自恋式的学术关注，使得整个章节显得与现实世界脱节，仿佛这些戏剧只是为了取悦评审团和同行而存在，而非为了与观众进行有效的沟通或引发社会反思。 对我来说，真正的当代戏剧应该更具侵略性、更具参与性，而这本书中的展示却显得过于精致和内敛。

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这本书的电影部分，坦率地说，让人摸不着头脑。 尤其是在分析一部近期备受瞩目的独立科幻电影时，评论者似乎更热衷于将影片的色彩饱和度与特定的十九世纪浪漫主义绘画流派进行生硬的对比，而非探讨其对当前人工智能伦理讨论的真正贡献。 我读到了一整章关于某部电影的“时间错位叙事”如何隐喻了后资本主义社会中劳动力的异化，这听起来很深刻，但实际上，它并未提供任何清晰的证据或引人信服的视听分析来支撑这一宏大论断。 叙事结构松散，观点跳跃得厉害，仿佛作者在写作过程中不断地被新的、未经验证的想法打断。 电视板块的评价则更加令人费解，对一部热门限定剧的分析，几乎完全忽略了其在社交媒体上引发的关于身份政治的激烈辩论，转而深入挖掘了布景设计师对中世纪家具的“不恰当”引用。 这种对表象的过度痴迷，却避开了对内容核心价值的触碰，使得这些评论读起来像是学院派的文字游戏，与普通观众的观影经验格格不入。 我希望看到的是对媒介技术如何重塑我们理解现实的探讨，而不是这些故作高深的符号学解读。

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这部关于当代戏剧、电影和电视的文集，虽然在标题上承诺了对当前文化景观的全面审视，但实际阅读体验却让人感到有些许的失落。 深入探讨某位特定导演在数字时代对舞台表演的解构主义处理，无疑是引人入胜的。 作者以极其扎实的理论功底，将后结构主义叙事与最新的虚拟现实技术相结合，试图论证传统剧场美学的“消亡”与“重生”。 尽管其分析的深度令人赞叹，尤其是在文本与图像互文性方面的论述，但似乎过于沉溺于晦涩的学术术语，使得对于非专业人士来说，阅读过程变成了一种智力上的挑战，而非享受。 我本期待看到更多关于全球南方剧场实践的案例研究，或者至少是关于流媒体平台上新兴的叙事模式如何影响观众期待的实证分析。 遗憾的是，这些部分被轻描淡写地带过，焦点似乎过度集中于西方主流艺术院校的理论前沿，导致整体视野显得略微偏狭，缺乏一种真正的“当代”广度。 整体而言，它更像是一份高阶研讨会的会议记录，而非一本面向广泛文化爱好者的导读手册，对希望了解行业最新趋势的读者来说，可能需要先备好一本哲学词典。

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在关于“电视”的篇幅里，我本以为会看到对流媒体平台爆炸性增长带来的内容同质化问题的尖锐批判，或者至少是对“内容农场”现象的深度剖析。 结果呢？ 这一部分几乎完全被对某个特定英国情景喜剧的逐集回顾所占据，而且回顾的视角极其保守和怀旧。 作者似乎完全沉浸在对二十世纪九十年代英式幽默黄金时代的追忆中，对近十年屏幕文化发生的剧变视而不见。 比如，对于如何利用大数据推荐算法来塑造观众品味，作者只是一笔带过，没有提供任何数据支持或深入思考。 甚至在探讨“跨平台叙事”时，也仅仅停留在皮毛，未能区分真正的互动体验和简单的衍生品营销。 整段文字的语调平淡无奇，缺乏任何强烈的批判性声音，读起来就像是某个地方电视台的周日回顾节目，温和、安全，但也因此失去了任何思想上的锐度。 对于想了解电视领域前沿动态的读者来说，这部分内容实在太空洞，缺乏实质性的信息增量。

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