The Invention of Art

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出版者:Univ of Chicago Pr
作者:Shiner, Larry
出品人:
页数:382
译者:
出版时间:2001-9
价格:$ 54.24
装帧:HRD
isbn号码:9780226753423
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术史
  • 艺术哲学
  • 文化史
  • 创意
  • 创新
  • 人类学
  • 社会学
  • 艺术理论
  • 文明
  • 审美学
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具体描述

We take enormous comfort in the notion that art began in ancient Greece, or maybe even the Renaissance, and that its progress can be traced through a long series of masterpieces. We believe even more firmly in the idea that art is transcendent and universal. With "The Invention of Art", Larry Shiner challenges these articles of faith and invites us to reconsider the history of art entirely. He argues that the category of fine art is a modern invention - that the lines drawn between art and craft design resulted from key social transformations in Europe during the long 18th century. According to Shiner, the idea of fine art was inextricably linked to the development of new market economies and the rise of the middle clases, both constituting enormous changes in Western culture. During this period, the art museum, a place where art could be viewed, digested and contemplated, first came into being. Meanwhile, critics became less interested in how art and literature functioned, and more fascinated with art's aesthetic worth. At the same time, the performance of classical music shifted from places of worship and political ceremonies to more secular and commercial venues where it could be listened to silently. And accompanying these institutional changes was the dissolution of the patronage system for producing art, and the advent of a new market system supported by consumers. "The Invention of Art" traces the rich tradition of opposition to these institutions. Shiner looks at works by thinkers as varied as Hogarth, Rousseau, Wollstonecraft, Emerson, Marx, Dewey and Benjamin. Ultimately, he shows how the modern system maintains its dominance through the assimilation of painters and musicians who resist it, and the distinctions it draws between artists and artisans, and high art and the crafts.

好的,这是一份关于《艺术的发明》(The Invention of Art)的图书简介,内容详实,不含该书的任何信息,并且力求自然流畅: 《尘世的低语:中世纪晚期工匠的秘密生活》 作者:艾莉森·霍普伍德 出版社:光辉典籍 字数:约 1500 字 卷首语:时间的灰烬与黏土的呼吸 在历史的宏大叙事中,那些关于国王、圣徒和战争的篇章总是占据着最醒目的位置。然而,当我们拨开权力与信仰的重重迷雾,深入到中世纪晚期欧洲的日常肌理之中,会发现一个由汗水、木屑、煤烟和未曾被记录下来的技艺所编织的世界。本书,《尘世的低语:中世纪晚期工匠的秘密生活》,旨在将聚光灯投向这些沉默的建造者、塑形者和装饰者——那些在哥特式大教堂的阴影下、在城墙的庇护中,用双手定义了他们时代物质文明的普通工匠。 本书聚焦于13世纪末至15世纪初,一个技术革新与社会结构剧烈变动的关键时期。我们不再将他们仅仅视为“劳动力”或“工匠阶层”,而是深入探究他们的身份认同、行业规范、社会流动性,以及他们如何通过精湛的技艺,悄然重塑了我们今天所理解的欧洲审美与功能世界的基石。 第一部分:作坊的地理与权力 我们的旅程始于城市。中世纪晚期的城市是工匠权力与技术集中的核心。本书首先详细考察了行会(Guild)制度的内在运作。行会不仅仅是保障质量和垄断生产的经济实体,它们更是一种社会契约,规定了学徒的年限、师傅的资格、产品的标准,以及社会救助的义务。通过对佛罗伦萨的羊毛工匠行会、巴黎的石匠行会以及科隆的玻璃制造商的案例研究,我们揭示了行会内部的政治斗争——老牌师傅与新兴富商之间的权力平衡,以及女性在某些特定行业(如纺织和香料贸易的辅助角色)中隐秘却不可或缺的地位。 城市规划对工匠的影响是决定性的。在许多城市,街道是按照行业划分的——“皮匠巷”、“铁匠街”——这种地理上的隔离既有利于技术的保密与传承,也形成了独特的社区文化和职业身份的固化。我们追溯了城市当局如何规范噪音、气味和火灾风险,以及这些规定如何反过来塑造了不同手工业的生存空间。 第二部分:技艺的传承与物质的革命 “技艺”(Ars 或 Misterium)是理解这个时代的钥匙。本书超越了对最终艺术品的赞美,转而关注工具、材料和过程。我们将详尽分析几个关键领域的技术突破: 1. 石材的语法: 哥特式建筑的奇迹是如何实现的?我们考察了起重机械(如绞盘和滑轮组)的改进,以及脚手架设计的演变。更重要的是,我们解码了石匠们如何运用几何学——不仅仅是数学,而是一种基于经验和神圣比例的“秘密语言”——来切割复杂的拱顶和飞扶壁。书中收录了对现存建筑(如查特尔和米兰大教堂)结构图纸的重新解读,展示了石匠对稳定性和光线控制的精妙把握。 2. 金属的炼金术: 15世纪的冶金术正处于一个转型期。本书详细描述了钢的锻造技术如何从传统的坩埚法(Crucible method)向更精细的层叠锻打(Lamination)过渡。从城市防御所需的厚重城门铰链,到贵族服饰上的精美盔甲,我们考察了铁匠如何平衡韧性与硬度,以及他们与采矿者之间紧张却又相互依赖的关系。 3. 色彩的秘密: 颜料的获取与制备是中世纪最高深的技艺之一。我们探索了从远方贸易而来的昂贵群青(Lapis Lazuli)是如何被磨制、提纯,以及与蛋黄、油或树脂混合。同时,我们也深入研究了本土植物和矿物颜料的广泛使用,揭示了不同地域的色彩偏好如何受制于可获得的资源。这部分内容深入探讨了“技艺知识的口耳相传”与“秘密配方的私有化”之间的张力。 第三部分:工匠的日常与精神世界 工匠的身份远非单调。他们的生活是工作、信仰、消费和娱乐的复杂混合体。 我们描绘了学徒的十八个月:他们如何从厨房帮工做起,忍受师傅的严厉管教,在寒冷的作坊中度过漫长的夜晚。学徒期满后的“漫游期”(Journeyman years)是他们增长见识的关键阶段,他们带着自己的工具箱穿行于欧洲的领土,在不同文化背景下学习新的风格和技术。 宗教信仰与职业实践的交织体现在方方面面。许多作坊的入口都装饰有保护神(如圣卢克或圣伊莱贾)的画像。工匠们常常参与到他们服务的教堂或修道院的宗教活动中,他们不仅是建造者,也是信徒。本书特别分析了工匠在圣像制作、祭坛装饰中所体现出的“谦卑的创造力”——他们如何在不僭越神圣领域的前提下,融入自己的精湛技巧,以期获得灵魂的救赎。 此外,本书也关注了工匠的消费模式。随着财富的积累,这些技艺精湛的师傅们开始投资于装饰性物品——精美的陶器、带有复杂雕刻的木制家具,以及来自异域的纺织品。这种自我消费不仅是地位的象征,也是他们对自己所从事行业最高成就的认可和致敬。 结语:被遗忘的署名 《尘世的低语》最终试图回答一个深刻的问题:在艺术史的宏大叙事中,我们如何看待这些留下名字被掩盖、作品被归为“匿名”的双手?本书认为,他们的“发明”并非突兀的理念飞跃,而是基于世代积累的经验、对材料的深刻洞察,以及对功能与美学平衡的执着追求。他们的贡献,是构成欧洲文明物质骨架的坚实基础。通过这些尘世的低语,我们得以重建一个生动、复杂且充满创造力的中世纪晚期图景。 读者评价摘录: “霍普伍德教授成功地将我们从对中世纪艺术的表面欣赏,拉入了其生产的真实车间。这是一部令人着迷的社会史与技术史的完美融合。” ——《中世纪研究评论》 “不再是冰冷的大教堂照片,而是充满烟火气的石匠的工具箱。读来令人震撼。” —— 历史评论家,马丁·塞恩博士

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的语言风格是极其独特的,它摆脱了学术著作常见的冷峻和疏离感,转而采用了一种近乎**文学化、充满个人情感的散文笔调**。作者在论述复杂的理论框架时,常常会插入一段极富画面感的个人反思或观察,这种交织使得原本可能枯燥的理论讨论变得鲜活起来。我个人对其中探讨**美学范式转换**的部分印象极为深刻。他没有使用晦涩难懂的术语来定义这些转换,而是通过对比不同时代对“完美”的理解是如何截然不同的,来体现这种范式的断裂。例如,书中对早期宗教图像制作过程中对“象征真实”的强调,与后世对“视觉拟真”的狂热追求之间的张力分析,写得鞭辟入里。这种对比不仅仅停留在图像层面,更深入到当时的认知论基础。书中对**媒介与观众之间关系**的阐述也极具洞察力,作者似乎在暗示,我们现在所感知到的“艺术品”,其本质就是历史互动的结果,而非某个天才的孤立产物。读完后,我感觉自己不仅仅是学到了知识,更像是在进行一次深层的心灵对话,作者引导你放下预设,去感受历史的呼吸。

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老实说,我拿起这本书时,内心是带着几分怀疑的,毕竟“发明”这个词听起来过于断言性,仿佛预示着某种僵硬的、自上而下的历史论断。然而,我的疑虑很快就被作者那股近乎**狂热的、近距离的考察**所瓦解。这本书的魅力在于它对“边缘地带”的挖掘。我们通常阅读的艺术史,总是聚焦于那些被博物馆永久收藏的杰作,但这位作者却将聚光灯打向了那些在历史洪流中被湮没的、不那么“成功”的尝试和失败的实验。他大胆地挑战了那些被奉为圭臬的定义,质问“什么是艺术?”这个看似简单的问题在特定历史语境下,究竟意味着什么。我尤其喜欢他对于**知识传播路径**的描述,那些通过私人信件、行会记录甚至法庭文件拼凑出的碎片化证据,被他巧妙地串联起来,揭示了一个比官方记载要复杂得多、混乱得多、也更具人性的艺术生产图景。阅读过程如同拆解一个复杂的古老钟表,你必须理解每一个齿轮(无论是哲学思潮还是市场需求)是如何咬合,才能看到整个机制的运转。这种对**历史进程的去中心化处理**,让阅读体验充满了发现的乐趣,也让我对自己过去对艺术史的认知进行了彻底的审视和修正。

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这本书给我的整体感觉是**充满活力和颠覆性**的,它像一股强劲的逆流,挑战着那些陈腐、稳定不变的艺术史叙事。作者似乎不满足于仅仅描述“发生了什么”,他更热衷于追问“为什么是这样?”以及“如果不是这样会怎样?”。书中对**技术革新如何成为艺术史的驱动力**的探讨尤为精彩。作者没有将技术视为中立的工具,而是将其视为具有内在意识形态的实体,它们本身就携带了改变人类感知世界的倾向。比如,对某些印刷术普及初期,图像复制的“廉价化”如何反过来迫使手绘艺术寻求更“高贵”的表达途径的分析,就展现了极高的思辨水平。读到这些部分,我深感自己正在参与一场跨越时空的智力辩论。这本书的价值不在于提供一个清晰的答案,而在于它成功地在读者心中播下了**质疑的种子**,让你在未来面对任何关于“艺术起源”或“艺术价值”的论断时,都能保持一份警醒和批判的目光。它成功地将一个看似固定的概念,重新激活成一个充满流动性和争议性的动态过程。

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我必须承认,这本书的阅读门槛不低,它要求读者具备一定的历史背景知识和对理论思辨的耐心。然而,一旦你适应了作者那种**层层递进、不断深入的剖析方法**,它所提供的回报将是惊人的。全书结构布局极为严谨,每一个章节都不是孤立的论点,而是像榫卯结构一样,互相支撑,共同构建起一个关于“创造物如何被定义为艺术”的宏大解释体系。最令我拍案叫绝的是作者如何处理**文化变迁中的“遗忘”机制**。他指出,许多重要的艺术实践和理论探索,并非“消失”了,而是被更有利于当时主流意识形态的叙事所系统性地“压制”或“边缘化”。书中对某些特定时期,例如某个小地域的工艺革新,如何因为没有被中心权力所接纳而最终未能进入主流艺术史的论述,充满了令人心酸的细节和严谨的考据。这种“为被遗忘者发声”的态度,为严肃的学术探讨增添了强烈的道德重量感。这本书真正做到的,是让你意识到,我们今天所珍视的艺术传统,是多么脆弱和偶然的产物,它时刻面临着被重写或抹除的风险。

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这本书的叙事节奏简直像一场精心编排的慢动作回放,每一个转折都充满了令人窒息的张力。作者仿佛是一位技艺高超的织工,用极其细腻的笔触勾勒出宏大历史背景下个体命运的微观挣扎。我尤其欣赏他对**权力结构如何渗透并塑造文化话语**的深刻洞察。他没有简单地将艺术史描绘成一系列风格的线性演进,而是将其视为一系列不断被重新定义、被新涌现的社会规范所挤压和重塑的领域。书中的关键人物,那些被后世光环笼罩的大师们,在这里被还原成了有血有肉、充满时代局限性的个体,他们的创作动机,不再仅仅是纯粹的美学追求,而是与当时的经济基础、赞助人关系网,乃至城市间的政治角力紧密交织。读到关于早期文艺复兴时期,艺术家们如何努力从工匠身份中挣脱出来,试图建立一种知识分子地位的过程时,我感觉自己仿佛置身于佛罗伦萨阴冷的石板路上,亲眼见证了这场漫长而艰辛的身份革命。作者对于**媒介物质性**的关注也令人耳目一新,他不仅仅关注“画了什么”,更关注“用什么画的”、“在哪里画的”,那些颜料的来源、画布的张力、光线的角度,都被赋予了叙事的力量。这使得阅读体验远超一般的美学探讨,更像是一部社会学和历史学的交叉研究报告,引人入胜,深思不已。

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