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出版者:Consortium Book Sales & Dist

作者:Pavis, Patrice

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:148.00元

装帧:Pap

isbn号码:9780933826151

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧语言学
• 舞台语言
• 表演艺术
• 语言与文化
• 戏剧研究
• 文学研究
• 语言学
• 文化研究
• 表演理论
• 舞台艺术

舞台的低语：剧本创作的结构与灵魂 一部深入剖析戏剧艺术核心、探索剧本如何从构思走向舞台的里程碑式著作 《舞台的低语：剧本创作的结构与灵魂》并非仅仅是一本教授写作技巧的工具书，它是一份对戏剧艺术本质的深刻探究，是对剧作家创作过程的全面解剖。本书旨在引导有抱负的创作者和资深艺术家，跨越从模糊的灵感到清晰剧本的鸿沟，掌握构建引人入胜、情感丰沛且结构稳固的舞台作品所必需的一切。 本书摒弃了学院派的僵硬教条，以一种既富于启发性又极其实用的方式，层层剥开了剧本创作的复杂肌理。作者认为，一个伟大的剧本不仅仅是对话的堆砌，它是“被精心编排的沉默与爆发”的艺术。 第一部分：蓝图的奠基——从概念到核心冲突 本部分着重于戏剧构思的初始阶段，强调概念的提炼和冲突的设置，这是任何成功戏剧的生命线。 1. 概念的提纯与世界的搭建： 作者首先探讨了“核心驱动力”的重要性。一个强有力的戏剧概念必须能够用一句话概括，并立刻激发观众的好奇心。本书详尽分析了“高风险、高回报”的设定原则，指导读者如何构建一个既有时代感又具有普世价值的叙事环境。我们深入研究了如何通过场景的物质性（布景、道具、光线）来预示主题，而非仅仅依赖背景介绍。 2. 人物的铸造：欲望、需求与缺憾： 剧本的灵魂在于角色。本章超越了简单的性格侧写，聚焦于“戏剧性需求”。作者提出，一个成功的角色必须拥有一个清晰可见的“外在目标”（他想得到什么）和一个隐藏的“内在需求”（他真正需要学会什么或克服什么）。通过对亚里士多德以来的人物弧光理论的重新审视，本书提供了构建具有深度和矛盾性的角色的实用工具箱，包括“镜像人物”的设置，以及如何利用角色的“盲点”制造戏剧张力。 3. 冲突的几何学：结构化的对抗： 冲突是戏剧的燃料。本书将冲突分为三个层次：人与人、人与环境、人与内在自我。我们详细分析了如何设计一个“递进式冲突曲线”，确保每一个场景的冲突都比上一个更为尖锐，直至不可逆转的顶点。特别值得一提的是，作者对“次要冲突”的运用进行了深入探讨，展示了它们如何侧面烘托主线，并丰富人物的维度。 第二部分：骨骼的构建——结构、节奏与场景编排 本部分是关于剧本技术层面的核心指导，关注如何将松散的素材编织成一个紧密、有效的舞台结构。 4. 结构模型的多样性与必然性： 本书审视了经典的“三幕剧结构”，但更侧重于其背后的逻辑而非僵硬的划分。作者详细解析了“激励事件”（Inciting Incident）、“中点”（Midpoint）的战略意义，以及如何利用“次级高潮”来维持第二幕的动能。此外，书中还专门辟出一章，比较了如“单元剧结构”、“非线性叙事”在现代戏剧中的应用与挑战，强调结构服务于主题，而非主题屈从于结构。 5. 节奏的调控：沉默与呼吸的空间： 戏剧的节奏感并非由对话速度决定，而是由“场景切换的频率”和“信息发布的时机”决定的。本章是全书最具原创性的部分之一，作者引入了“情感张力密度图”，指导剧作家如何可视化剧本的起伏，何时应该加速，何时需要一个让观众和角色得以“喘息”的慢节奏场景。对“幕间休息”的战略性安排也被视为节奏调控的关键要素。 6. 场景的撰写：行动、意图与转折： 每一个场景都必须是一个微型的戏剧。本书强调，场景必须由“行动”驱动，而非仅仅是信息的交换。作者提供了一套严格的场景检查清单：场景的开端是否立刻抓人？角色在场景中的意图是否清晰？场景结束时是否发生了不可逆转的改变（即“转折”）？对“幕后信息”的巧妙处理，确保信息传递既自然又富于悬念。 第三部分：呼吸的赋予——对话、潜台词与舞台语言 好的对话是听起来自然、读起来精妙的。本部分深入探讨了声音如何成为塑造角色和推动情节的终极工具。 7. 对话的真实性与风格化： 作者区分了“口语”（Speech）与“戏剧化语言”（Dialogue）。戏剧语言必须比日常对话更集中、更有目的性。书中分析了不同时代和流派（如自然主义、象征主义）的对话风格，并指导读者如何根据角色的教育背景、社会阶层和情绪状态，设计出独特且可信的“声音指纹”。 8. 潜台词的艺术：言说之下的真实： 潜台词是戏剧张力的温床。本书认为，当角色说出A时，他们真正想表达的是B。本章通过大量的实例分析，展示了如何通过“反语”、“回避”和“重复”来构建潜台词。它教授读者如何精确地在剧本的舞台指示中暗示这种“言未尽意”的状态，为演员留下解读的空间。 9. 舞台指示：克制的力量： 舞台指示是剧作家与导演、演员进行沟通的唯一媒介。本书反对冗长、指导性的指示，倡导“经济性的描述”。我们学习如何用最少的词汇，传达出对灯光、动作或情绪的精确要求，确保指示是激发性的，而非限制性的。 结论：排练场的检验与剧本的生命周期 最后一部分，本书将目光投向了剧本的最终命运——排练场。作者强调，剧本并非在“完成”的那一刻就停止发展，它在排练中获得新生。本书为剧作家提供了在排练中保持开放心态、有效与导演合作的指导，并探讨了剧本如何随着时间的推移和观众环境的变化，继续其生命力的演变过程。 《舞台的低语》是一份献给所有热爱舞台艺术者的指南，它不仅为你提供了建造剧本结构的坚实工具，更重要的是，它引导你倾听那些尚未被言说、深藏于角色与冲突之下的戏剧灵魂。阅读此书，你将学会如何驾驭结构，最终解放你的创造力，创作出能与观众产生深刻共鸣的、有生命力的舞台作品。

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这本书的叙事方式真是令人耳目一新，作者似乎对剧场艺术的理解已经深入骨髓，但却选择了一种近乎散文诗的笔调来探讨“语言”与“舞台”的复杂关系。我原以为会读到枯燥的理论分析，或者至少是详尽的剧本语言对比，没想到它更像是一场深入幕后的哲学思辨之旅。开篇对演员呼吸与台词吐字之间微妙能量流动的描绘，就足够让人屏息凝神。它没有直接告诉我哪个时期的戏剧语言更具表现力，而是通过一系列令人眼花缭乱的意象——比如“沉默的重量如何压在‘是’与‘否’的元音上”，或者“角色情绪的张力如何通过不规范的语序得以释放”——引导读者自己去构建理解的框架。 这种高度个人化且充满象征意味的表达，使得阅读过程充满了探索的乐趣，每一次翻页都像是揭开一层华丽而又神秘的面纱。特别是关于不同文化背景下肢体语言与口头表达如何相互渗透、相互建构的章节，作者的洞察力令人惊叹，她成功地将看似分离的表演元素，编织成了一张密不透风的、关于人类交流本质的宏大挂毯。读完后，我发现自己对舞台上的每一次停顿、每一个重音的理解都提升到了一个新的维度。

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从读者的角度来看，这本书最大的魅力在于其无可挑剔的流畅性与丰富的情感色彩，读起来完全没有一般学术著作那种生涩感。作者的文字功底深厚，仿佛自带一种内在的韵律感，让人在阅读时仿佛能感受到舞台灯光投射在绒布幕布上的那种温暖的质感。我尤其喜欢她引入的那些关于“演员的内心独白”的段落，那些段落充满了对表演艺术的敬畏与热爱。她用极其生动的笔触描绘了一位演员如何在排练过程中，通过反复揣摩一个简单的“你好”的发音和腔调，来重塑一个角色的整个生命轨迹。这种对细微之处的捕捉，使得整本书充满了人性的温度，完全摆脱了冰冷的概念堆砌。虽然探讨的是高度抽象的“语言”与“舞台”的关系，但最终呈现给读者的却是关于人类情感表达极限的探索。读完后，我感到自己不仅知识上有所收获，更重要的是，对舞台艺术的尊重和热爱又加深了一层。

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坦白讲，这本书的结构松散得有些惊人，但奇怪的是，这反而成了它的一个独特优点。它没有传统的章节划分逻辑，更像是一本随心所欲的笔记簿，里面充满了灵感的火花和即兴的思考碎片。我常常在阅读某个关于莎士比亚腔调的讨论时，被作者突然跳跃到对当代数字媒体中语言失真的反思所吸引。这种看似漫无目的的游走，却奇妙地构建了一种超越时空限制的对话感。它探讨的“舞台语言”，早已超越了剧场本身，触及到了所有形式的人类交流困境——我们如何用有限的符号去表达无限的内心体验？作者的论述充满了实验性，她似乎并不在乎是否能提供一个放之四海而皆准的理论，她更热衷于提出问题，并用一种近乎辩证的、充满矛盾性的语言去回应这些问题。这让这本书成为了一件需要读者主动参与建构意义的艺术品，而不是一个单向灌输知识的工具书。

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这本书最让我感到震撼的是它对“声音景观”的精细化处理。它不仅仅关注台词，而是将整个舞台的声音环境——从布景师调整道具的轻微摩擦声，到观众席上传来的不合时宜的咳嗽声，甚至背景音乐的次声波影响——都纳入了“舞台语言”的范畴进行考察。作者对于“环境叙事”的理解极其深刻，她认为，任何被刻意保留或无意遗漏的声音，都是角色在特定情境下心理状态的延伸或反讽。举例来说，书中对默剧艺术中声音空白的处理分析得入木三分，认为那种刻意的寂静，其实是最高级的语言表达，因为它迫使观众的注意力完全聚焦于角色身体的每一个细微颤动。这种对听觉维度的深度挖掘，是我在其他任何关于戏剧理论的书籍中都未曾见识过的广度和深度。它改变了我对“听到”和“聆听”之间区别的根本认知，让人在合上书本后，对现实生活中的任何声音都多了一层审视的目光。

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我必须承认，这本书的学术深度是毋庸置疑的，但它绝非高高在上的学院派清谈。更准确地说，它像是一位经验丰富的老导演，坐在昏暗的排练室里，手里把玩着一盏老旧的聚光灯，与你分享他几十年舞台生涯中对剧本的“微观解剖”。我尤其欣赏作者在处理不同流派戏剧文本时的那种细致入微的考量。例如，她对布莱希特“间离效应”的探讨，并非停留在表面的技巧介绍，而是深入挖掘了德语结构中固有的一种疏离感如何自然地契合了这种先锋的戏剧理念。这种层层剥开、抽丝剥茧的分析方法，极大地拓宽了我对戏剧史的认知边界。她没有直接给出结论，而是提供了一系列精妙的观察点，比如某些古希腊悲剧中的复沓句式如何无形中加剧了命运的不可抗拒性，或者现代主义剧作中大量使用“口吃”和“重复”的语言模式，实际上是对后工业社会意义崩塌的一种高妙的文学回应。这本书的价值就在于，它教你如何去“听”舞台上的语言，而不仅仅是“读”剧本上的文字。

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