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出版者:Perseus Distribution Services

作者:Dinoto, Andrea

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:55

装帧:HRD

isbn号码:9780896594371

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
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浮光掠影：探寻光影的艺术与哲思 图书名称： 浮光掠影 作者： 艾琳·维特根斯坦 出版社： 苍穹文汇 ISBN： 978-7-5663-1288-4 页码： 450页 --- 导言：时间的微粒与存在的印记 《浮光掠影》并非一本讲述具体艺术流派演变的教科书，也不是一部关于摄影技术革新的技术手册。它是一次深入人类感知核心的哲学漫游，一趟追逐转瞬即逝之物的精神旅程。本书旨在探讨“光”与“影”这两个最基本、却又最难以捕捉的自然现象，如何塑造了我们的视觉经验、情感世界乃至对“真实”的理解。 作者艾琳·维特根斯坦，一位以跨学科研究著称的学者，将光影视为一种媒介——不仅是物理介质，更是记忆、历史和潜意识的载体。全书结构松散而意蕴深远，如同夏日午后穿过百叶窗投下的斑驳光束，引导读者在碎片化的叙述中自行构建意义。 第一部分：视域的构建——光线与空间感知的重塑 本书的开篇，聚焦于人类视觉系统的生物学局限与文化建构。维特根斯坦挑战了“眼睛是客观世界的忠实记录者”这一传统观念。她认为，我们所见的“世界”，本质上是光线与我们生理结构相互作用后产生的“解释”。 第一章：盲区的荣耀 深入探讨了人眼视网膜上的盲点（Optic Disc）现象，并将其哲学化。盲点并非缺陷，而是我们认知边界的具象化。如果一个事物是我们“看不到”的，那么它在我们的世界观中是否依然存在？作者通过对古希腊几何学如何处理透视问题，以及早期文艺复兴时期画家如何故意扭曲空间来暗示“不可见之物”的分析，展示了人类对完整视域的持续渴望与徒劳。 第二章：灰度的伦理学 在数字时代，我们习惯于黑与白、清晰与模糊的二元对立。然而，本书强调了“灰色地带”的重要性。灰度不仅是色阶的中间值，更是道德、情感和存在状态的隐喻。维特根斯坦引用了中世纪建筑中对漫射光（Diffused Light）的偏爱，指出在柔和的光线下，物体边缘的模糊性允许了更复杂的叙事和更少确定的意义。她详细分析了阴影如何“定义”物体，而非仅仅是光线的缺失，以及阴影的形态变化如何反映了观察者自身的情绪波动。 第三章：环境的叙事性 考察了自然光（日光、月光）与人造光（烛火、电灯）对不同文化空间的影响。例如，对比了北欧教堂中高耸的彩色玻璃窗投下的光束（象征神圣的不可穿透性）与日本传统房屋中障子纸过滤后的柔和光线（强调人与自然的和谐共存）。光线在这里不再是照明工具，而是主动参与空间叙事的角色。 第二部分：时间的留存——摄影、记忆与遗忘的辩证法 第二部分转向时间维度，探讨光线如何在物理世界中“冻结”瞬间，以及这种“冻结”对我们记忆结构造成的影响。 第四章：化学的记忆 本章对早期摄影术（湿版火棉胶、达盖尔银版法）进行了细致的考察。与数字影像的无限复制性不同，早期的照片是独一无二的化学反应产物，带有明显的物理痕迹和感光材料的限制。作者认为，这种“易碎性”赋予了影像一种近乎宗教的崇高感。一张早期的肖像照，其曝光时间本身就是对被摄者忍耐力的记录，光线成为了时间施加于肉体之上的重量。 第五章：幽灵的显影 维特根斯坦探讨了“漏光”与“鬼影”在摄影中的美学价值。这些非预期的光线入侵，打破了影像的既定结构，揭示了拍摄过程中的偶然性与技术的不完美。作者将这些“幽灵”视为潜意识的投射，是“被记录者”或“记录者”试图挣脱媒介束缚的信号。 第六章：长曝光与存在主义 这是一个关于“慢”与“永恒”的章节。通过分析长时间曝光摄影作品（如对星轨、流水或城市夜景的捕捉），作者阐述了如何通过压缩时间来创造一种超越日常经验的“伪永恒”。然而，这种永恒是虚假的，因为它建立在对持续流逝的漠视之上。光线的轨迹描绘了运动，但最终留下的图像却是静止的，这种张力构成了存在的悖论。 第三部分：介质的边界——光影在艺术、科学与梦境中的交汇 本书的最后部分是思想的自由发散，连接了光影现象在不同知识领域的交叉点。 第七章：色彩的冷热 审视了颜色理论如何从物理学（光谱分析）走向心理学。作者特别关注了“负片”的色彩逻辑，即色彩与我们通常所见的现实世界是颠倒的。负片揭示了色彩的相对性，以及我们的大脑如何自动“修正”进入眼睛的光波信息，使其符合我们预期的现实模型。 第八章：皮格马利翁的光效：期望的力量 这一章讨论了“观察者效应”在日常感知中的体现。作者引用了心理学实验，说明我们对特定光照环境的“期望”会主动筛选和解释进入视野的光信号。在昏暗的酒吧里，我们更容易感知到亲密与秘密；在强烈的探照灯下，我们更容易体验到暴露与审判。光线因此成为了一种社会控制和情感操纵的工具。 第九章：无光之地的哲学 结尾部分回到了“影”的本体。作者借鉴了柏拉图的洞穴寓言，但将其转向了对“绝对黑暗”的探索。如果光是信息的载体，那么绝对的黑暗是否意味着信息的终结，还是另一种形式的、超越感官的“全知”状态？维特根斯坦通过描述深海生物的生物发光现象，暗示生命本身可能更适应于“微光”而非“强光”的环境，人类对清晰光明的执着可能是一种进化上的错位。 结语：一次未完成的凝视 《浮光掠影》没有提供一个明确的结论，它拒绝将光影归结为一个公式或一种风格。它邀请读者带着本书中的思考，重新审视窗外拂过墙面的每一缕阳光，每一次霓虹灯的闪烁。光影的艺术，在于我们如何有意识地——或无意识地——选择去“看”它们，以及如何接受我们永远无法完全捕捉到它们的本质。这是一本关于“观看行为”本身的沉思录。 --- (本书适合人群：艺术史研究者、现象学爱好者、摄影师、以及所有对感知哲学有兴趣的读者。)

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我花了整整一个周末试图“消化”这本书，但收获的只是精神上的疲惫。它的叙事结构极其松散，仿佛是把一系列不相关的讲座稿件胡乱地拼凑在了一起。某一章还在热烈讨论杜尚的现成品哲学与塑料的工业属性的关联，下一章却突然跳跃到了关于包装设计对消费者心理影响的心理学分析，中间没有任何平滑的过渡或清晰的逻辑线索来将这些碎片联系起来。更令人抓狂的是，书中大量的篇幅被用来收录一些与主题关联度存疑的、过时的访谈录。这些访谈对象大多是塑料工业的老前辈或者博物馆的策展人，他们的发言充满了行业术语和陈旧的观点，对于理解当代艺术的脉络几乎没有增益。我非常希望看到的是一种跨学科的、大胆的理论构建，一种能够阐明塑料这种材料如何挑战了“艺术品”的持久性、稀缺性以及原创性的传统定义。但这本书提供的，是一种百科全书式的堆砌，缺乏一个强有力的、能够统摄全篇的论点。它像一个巨大的工具箱，里面装满了各种工具，但没有人告诉你如何用这些工具去建造一座具有突破性的建筑。

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这本书的装帧和排版可以说是极其精良，纸张厚实，印刷清晰，这让人对内容抱有更高的期望，但实际体验却是一次美学上的“空心化”。如果说艺术评论需要批判性的眼光和独到的洞察力，那么这本书几乎完全回避了这些要求。它似乎致力于成为一本“包罗万象”的指南，结果却是“浅尝辄止”的集合。在探讨雕塑领域时，作者仅仅停留在了对材质特性的描述上，比如塑料的延展性和色彩稳定性，却没有深入挖掘艺术家如何利用这些特性去构建新的叙事空间。例如，那些使用工业废弃塑料进行创作的“垃圾艺术”——这种对消费社会无情反思的强力表达，在书中只被一带而过，仿佛是一个不那么“高雅”的脚注。我对那种能够揭示材料背后的权力结构、意识形态纠葛的深刻剖析怀有期待，但这本书却更像是一份赞美词典，对塑料的出现持有一种无条件的赞颂姿态。它缺乏必要的张力、缺乏对“为什么”和“如何才能更好”的追问，最终呈现给读者的，是一份平滑、安全、但毫无刺激性的作品报告。

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对于像我这样，试图将“塑料”这一媒介置于后现代解构主义和全球化语境下去理解的读者来说，这本书无疑是一次令人沮丧的阅读体验。它的语言风格过于学术化和僵硬，仿佛每一句话都要经过冗长的论证流程才能发表，这极大地阻碍了阅读的流畅性。它更像是为一位刚进入材料学领域的本科生准备的入门教材，而不是为资深艺术爱好者或理论研究者准备的深度论著。书中对于“美学”和“价值”的讨论，也明显滞后于时代。在当代艺术中，材料的短暂性、可替代性常常被用作对资本主义循环的嘲讽，但这本书似乎仍然固守着传统艺术品应具备的“永恒性”和“稀有性”的观念，从而错失了对塑料艺术所蕴含的颠覆性潜力的捕捉。我希望它能像一块锋利的刻刀，切开我们对这种日常材料的习以为常，揭示其潜藏的社会意义和艺术张力，但它最终给我的感受，更像是一块被过度打磨、失去了棱角的鹅卵石——触感光滑，但毫无个性和冲击力，最终在我的书架上，也仅仅占据了一个象征性的空间。

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这本所谓的“艺术与塑料”的书，我拿到手的时候还挺期待的，毕竟这个名字听起来就充满了现代感和冲突的美学张力。然而，读完之后，我的感受却像是走进了一个布置得极其华丽，但内部陈设却空空如也的展厅。作者似乎花费了大量的篇幅去探讨塑料这种材料的历史沿革，从最初的巴克莱特（Bakelite）到后来的聚乙烯、聚丙烯，每一个化学分子式的演变都被描绘得如同史诗一般宏大。问题在于，他花了九成力气在讲“塑料是什么”以及“塑料是如何制造的”，却只用了寥寥数语轻描淡写地带过了“艺术如何与此结合”的核心议题。书中充斥着大量晦涩难懂的材料科学术语，以及一些关于七十年代工业设计展览的冗长记录，这些内容对于一个主要关注艺术表达的读者来说，简直是灾难。我期待看到的是雕塑家如何驾驭这种廉价、易塑的物质去挑战传统观念，是装置艺术家如何利用塑料的透明度或反射性来探讨消费主义的虚无，或者是色彩理论在合成材料上的独特表现。但通篇看下来，我只得到了一本高级的塑料工艺说明书，充满了对化学结构的热爱，却对美学光谱的探索显得力不从心。如果我想要学习如何回收PET瓶，这本书或许可以胜任，但作为一本艺术评论或理论书籍，它实在是偏离了航道，让人不得不质疑其立意。

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拿起这本沉甸甸的册子，我原本以为会是一场视觉的盛宴，一场关于当代媒介如何重塑我们对“美”的定义的深度对话。毕竟，在我们的日常生活中，塑料无处不在，它渗透了从高端时尚到日用百货的每一个角落，它无疑是当代文化一个强有力的符号载体。然而，这本书给我的感觉更像是一次未遂的探险，作者似乎站在一个非常安全、非常学院派的立场上，小心翼翼地绕开了任何可能引起争议或需要深入批判的领域。他引用了大量的早期现代主义设计师的观点，试图将塑料的出现描绘成一种进步的必然，一种对自然材料的解放。但这种叙事过于线性和乐观了，完全忽略了塑料对环境的深远影响，以及它在当代艺术中常被用来表达的“人造的”、“反自然的”甚至“腐朽的”主题。书中对于当代艺术家（比如那些利用回收塑料进行创作的先锋人物）的讨论，少得可怜，即便提及，也只是蜻蜓点水，缺乏深入的个案分析或理论支撑。读完后，我感觉自己仿佛被带回了五十年代的乐观主义叙事中，对二十一世纪的塑料艺术生态知之甚少，这与我预期的那种充满张力和反思的当代艺术解读，相去甚远。这本书，更像是一份历史文献的梳理，而不是对当下艺术状态的有力回应。

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