Louise Bourgeois. Emotions Abstracted. Werke 1941 - 2003 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hatje Cantz Verlag

作者:Eva Keller

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:2004-8-15

价格:EUR 39.00

装帧:Gebundene Ausgabe

isbn号码:9783775714617

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• Louise Bourgeois
• 雕塑
• 装置艺术
• 女性主义艺术
• 抽象艺术
• 情感
• 艺术史
• 现代艺术
• 20世纪艺术
• 回顾展

卢易丝·布尔乔亚：情感的物质化与雕塑的语言（1941-2003） 一册深入探索二十世纪后半叶最具影响力的艺术家之一——卢易丝·布尔乔亚（Louise Bourgeois）——创作历程的权威性文献。 本书并非聚焦于某一特定主题的展览图录，而是通过对卢易丝·布尔乔亚自1941年至2003年间跨越六十余年的艺术实践进行系统梳理与深度剖析，旨在揭示其作品背后的复杂心理结构、对身体经验的执着探寻，以及她如何将最私密、最原始的情感转化为具有普世意义的物质形式。 I. 早期探索与对“居所”的解构（1941-1960s） 本书伊始，我们将追溯布尔乔亚的艺术萌芽期。在二战的阴影和个人童年创伤的深刻影响下，布尔乔亚最初的创作以绘画和素描为主。这一阶段的作品，如《无题》（Untitled）系列，已显露出她对几何结构与有机形态并置的偏爱。 我们详尽考察了她如何利用雕塑语言来质疑传统家庭概念。她对“居所”（Habitat）的关注，并非是对温馨港湾的描绘，而是对封闭空间、对限制与保护的辩证思考。早期的木雕系列，如《堆叠的人体》（Stacked Figures），开始以一种近乎建筑性的方式，探讨身体与结构之间的紧张关系。这些雕塑的拙朴与不安感，预示着她未来作品中对“内在景观”的持续挖掘。 II. 身体的异化与材料的革命（1960s-1980s） 进入1960年代，布尔乔亚的艺术语言经历了关键性的转变。她开始大量运用石膏、乳胶、树脂等非常规材料，这些材料的软性、易塑性以及对时间痕迹的敏感度，完美契合了她对身体脆弱性和记忆流逝的表达需求。 本书重点分析了布尔乔亚如何通过“拟态”（Mimicry）手法，将日常物品或身体部位进行放大、扭曲或碎片化处理。例如，对阴茎状形态（Phallic Forms）的反复塑造，不仅仅是对性别的探讨，更是对权力、侵犯与防御机制的心理学考察。我们深入研究了她如何将个人欲望与集体的、潜意识的恐惧相结合，创造出既令人不安又极具魅力的“活物雕塑”。 III. 矩阵、蜘蛛与时间的维度（1990s 至今） 1990年代，布尔乔亚的作品迎来了全球性的认可，但其艺术探索的深度并未因此减弱。这一时期，“蜘蛛”（Spider）系列成为她最具标志性的符号。本书将蜘蛛的形象解读为复杂的多重意象：织网者、保护者、编织者，以及对母亲形象的复杂化体现。我们详细比对了不同尺寸和材料的蜘蛛雕塑，从精致的青铜到巨大的金属结构，阐释了她如何通过这些“身体机器”来构建一个关于生命循环、依赖与独立性的宏大叙事。 同时，本书对她的“细胞”（Cells）系列进行了专题剖析。这些大型装置作品，通常由铁丝网、玻璃、镜子和现成品构成，它们构成了半封闭的心理剧场。这些“细胞”是布尔乔亚对记忆容器、情感隔离区以及创伤重演的物质化尝试。我们考察了它们如何邀请观众进入一个既私密又暴露的观看空间，迫使观者面对自身的边界感。 IV. 绘画、版画与纺织品：非雕塑领域的延伸 尽管布尔乔亚以雕塑著称，本书并未忽视她在其他媒介上的重要贡献。对她晚期版画（尤其与威尼斯双年展相关的作品）的分析，揭示了她如何利用线条的重复与叠加来模拟精神的焦虑感。 特别值得一提的是她对纺织品（Textiles）的使用。从早年修复祖母的挂毯，到晚期将旧衣物和面料融入装置，这些柔软的材料构成了对坚硬金属和石膏的温柔抵抗。这些“软性”作品是布尔乔亚生命叙事的直接载体，是对创伤记忆的缝合与和解的尝试。 结论：超越形式的心理地形图 《卢易丝·布尔乔亚：情感的物质化与雕塑的语言》旨在提供一个连贯的框架，以理解布尔乔亚如何将个人史诗转化为艺术史上的重要篇章。她的作品跨越了超现实主义、抽象表现主义和后极简主义的边界，最终开创了一种独属于她自己的、以情感为核心的物质语言。本书通过对关键作品的细致考察、对材料选择的深入解读以及对心理动力学的梳理，帮助读者构建起理解这位非凡艺术家的完整地图。这是一部献给所有探索艺术、心理学与人类经验之间复杂联系的读者的必备参考书。

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阅读这份作品集，与其说是“看画册”，不如说是一种精神上的“行走”。书中的每一页都像是一个精心设置的场景，邀请观者在其中迷失。那些看似随机分布的元素，实则蕴含着一种深刻的内在逻辑，这种逻辑并非线性的叙事，而是循环往复的情绪波动。我发现自己不断地在作品的体量感和它们所散发出的脆弱感之间摇摆不定。这本书成功地捕捉到了一种矛盾的美学：即便是最坚硬的材料，在特定的光线下和构图下，也能展现出极端的易碎性。这种对强弱二元性的不断颠覆，是这本书给我留下的最深刻印象。它不仅仅是艺术作品的记录，更像是一本关于“如何感受”的无字教科书，引导读者去捕捉那些转瞬即逝、难以名状的内心波动。

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作为一个非专业的艺术爱好者，我最欣赏这本书中那种近乎考古发掘般的呈现手法。那些作品的年代跨度很长，但通过编排的巧妙，不同时期的作品之间却能产生奇妙的年代对话，仿佛一位艺术家在不同的人生阶段，持续追问着同一个核心问题，只是工具和语言在不断演变。我尤其留意到那些看似简单的几何图形是如何被赋予了复杂的情感重量，一个圆不再是圆，而可能是一个被压抑的圆满，一个方块也可能变成某种禁锢。这种从具象到抽象的提炼过程，让人不禁反思日常生活中那些被我们视为理所当然的元素，它们背后隐藏着多少未被言说的压力和欲望。这本书的排版设计非常现代，留白得当，使得每一件作品都有足够的呼吸空间，避免了信息的过度拥挤，让观者可以自行构建与作品之间的叙事线索。

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这本书的呈现方式极为克制，却又充满张力，它没有用冗长的文字去解释艺术家的意图，而是将焦点完全集中在图像的纯粹力量上。我注意到许多作品的细节处理极为精妙，那些金属的冷硬感、纺织品的褶皱，以及偶尔出现的温润木质，都在无声地讲述着材料的“性格”。对我来说，每一次翻页都是一次对视觉惯性的挑战，因为许多构图完全打破了传统的美学平衡，它们是刻意的失衡，是情绪失控后的凝固。这种对“不完美”的极致追求，反而构建了一种更深层次的完整性。这本书似乎在暗示，真正的力量往往隐藏在那些被社会规范排斥的、边缘化的形态之中。我感觉自己像一个初学者，被迫以一种全新的、更原始的眼光重新审视“美”与“结构”的关系，它强迫你脱下理性的外衣，用身体去感受艺术家的“在场”。

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翻开这本书，仿佛走进了一个由纯粹情感构筑的迷宫，那些抽象的形体和扭曲的线条，直击内心深处最隐秘的角落。尽管我并不熟悉这位艺术家的全部创作历程，但仅仅是这些精选的作品图录，就足以让人产生强烈的共鸣与不安。那些尖锐的、柔软的、矛盾交织在一起的雕塑和装置，像一把把看不见的钥匙，试图开启那些被日常表象紧紧锁住的焦虑、渴望与脆弱。我尤其被那些看似有机体又像建筑残骸的结构所吸引，它们在沉静的黑白影调中，诉说着关于母性、身体和时间流逝的无声哲学。阅读的体验更像是一次精神上的剥离，强迫你直面那些不愿承认的情绪碎片。这本书的装帧本身就带着一种沉甸甸的重量感，仿佛每一页的纸张都浸透了创作者多年来积淀的内心挣扎与顿悟。这绝不是一本轻松的“咖啡桌读物”，它需要你投入时间去感受那些空间、材料和光影之间的复杂对话，让人在沉思中体验到一种近乎冥想的震撼。

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这本书的气质是沉郁而又坚韧的。它没有试图粉饰艺术家的创作过程，反而坦诚地展示了创作中必然存在的撕扯与重建。当我翻阅到那些似乎由身体部位或内部器官衍生出来的形态时，我感受到了一种原始的、甚至有些令人不安的亲密感，仿佛直接窥探到了创作者的潜意识活动。这种直接性是极具穿透力的，它超越了文化和语言的障碍，直达人类共通的生存困境。我个人很喜欢那种作品中体现出的对“边界”的探讨——身体与环境、内部与外部、支撑与倒塌之间的界限被模糊化了。这本书提供了一个绝佳的机会，让我们慢下来，细致观察那些在我们的日常生活中常常被忽略的、介于“存在”与“消亡”之间的微妙状态。

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