Critical Perspectives on Contemporary Painting

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出版者:Univ of Chicago Pr
作者:Harris, Jonathan 编
出品人:
页数:320
译者:
出版时间:2004-1
价格:$ 50.85
装帧:Pap
isbn号码:9780853239581
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
  • 当代艺术
  • 艺术评论
  • 艺术史
  • 文化研究
  • 批评理论
  • 现代艺术
  • 艺术哲学
  • 视觉艺术
  • 艺术分析
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具体描述

This collection of essays, with contributions from several contemporary artists, examines and assesses the current status of painting within global contemporary art. The meaning and value of painting as both a category and a set of practices is analysed by internationally renowned art critics, historians, and theorists including Griselda Pollock and Alison Rowley, Katya Garcia Anton, David Green, and Jonathan Harris. Concerned with the internationalisation of contemporary art as a feature of globalisation, "Critical Perspectives on Contemporary Painting" sheds new light on fine art understood as a facet of a global culture and society dominated by northern and European-US power and history. What kinds of resistance to this hegemony might be possible for artists located in the third world yet inescapably implicated in the big business of the art world?

浮世绘的微观结构:江户时代版画中的社会心理与视觉符号 图书简介 本书深入剖析了十七世纪至十九世纪中叶,日本江户时代浮世绘(Ukiyo-e)版画的复杂社会生态、视觉创新与文化内涵。我们并非将浮世绘视为单一的艺术流派,而是将其视为一个多层次的文化生产系统,一个反映了江户时代市民阶层兴起、都市文化繁荣以及传统美学结构性转变的百科全书。全书旨在超越传统的“美人画”和“风景画”的分类叙事,从社会史、符号学和物质文化的角度,重新审视浮世绘的生产、流通和消费机制。 第一部分:图解江户:城市空间的物质性与符号学 本部分聚焦于浮世绘如何构建和再现江户时代的都市景观。我们首先考察了版画的物质性——从木刻的选材、墨水的配方到色彩的印刷技术(如锦绘的复杂套印工艺)。这些物质条件并非被动的载体,而是直接影响了图像的叙事能力和市场定位。 一章:活版与墨香:版画的工业生态 详细考察了雕师、绘师、摺师和出版商(板元)之间的协作网络。探讨了版画制作中的资本运作、风险分摊以及对“流行”(流行り)的快速反应机制。分析了从手绘草稿到最终产品这一过程中,作者性(authorship)是如何在多人协作的模式下被解构和重塑的。特别关注了在幕府的严格内容审查制度下,艺术生产如何进行巧妙的规避和指涉。 二章:町人世界的视觉地图 本章着重于浮世绘对江户“下町”——特别是吉原、歌舞伎座周围——的描绘。我们不仅分析了这些场景的写实程度,更重要的是分析了这些图像如何被用作市民阶层的自我认知和集体记忆的构建工具。通过对町人服饰、姿态和日常用品的细致辨识,揭示了浮世绘中潜藏的等级制度与新兴阶层的自我展现之间的紧张关系。例如,美人画中的“粋”(Iki)概念,如何超越了单纯的美学范畴,成为一种社会态度的宣言。 第二部分:欲望的编码:性别、表演与身体政治 浮世绘是江户时代欲望和身体形象表达的中心场域。本部分将深入挖掘美人画和役者绘中对性别角色的建构与颠覆。 三章:镜子与帷幕:吉原的符号学 研究吉原游廓对浮世绘风格和主题的深刻影响。我们区别对待了“花魁图”与“格子下”的描绘,探讨了这些图像如何协商“性”与“艺术”的界限。重点分析了通过发饰、和服图案乃至特定手势所编码的身份信息。这些图像不仅是性服务的视觉宣传,更是对特定审美理想和禁忌规范的公开展示与私密消费。 四章:舞台上的变形:役者绘与身份的流动性 役者绘(歌舞伎演员肖像)不仅仅是粉丝经济的产物,更是探讨身份扮演与真实性之间关系的场所。本章分析了写乐(Sharaku)等大师如何通过夸张的面部表情和极端的构图,捕捉角色内在的心理冲突,而非仅仅是演员的外在形象。我们考察了这些图像如何影响了舞台表演的规范,以及市民如何通过“扮演”舞台上的英雄或恶棍来参与到公共的精神生活中。 第三部分:风物志的重构:风景、旅行与国家认同的萌芽 十九世纪,随着社会稳定和旅行的普及,风景画(名所绘)成为浮世绘的主流。本部分将讨论这些风景如何超越写实记录,成为一种文化地理学的建构。 五章:透视的引入与“东海道”的叙事 集中分析葛饰北斋和歌川广重的系列作品,如《富岳三十六景》和《东海道五十三次》。我们探讨了西方透视法(如空气透视)的引入对传统日本空间感的影响,以及这种视觉语言的融合如何服务于一种新兴的“全国性”体验。东海道系列被视为日本最早的“视觉旅游指南”,但其更深层的意义在于,它为不同地域的民众提供了一种共享的、规范化的国家地理想象。 六章:图像中的自然灾难与精神慰藉 关注那些描绘了洪水、地震、火山爆发等自然现象的浮世绘作品。这些图像不仅是灾难的记录,更是对社会心理创伤的集体处理机制。分析了在动荡不安的自然面前,艺术如何提供一种仪式性的秩序感和精神上的超脱,以及这些图像在灾后社区重建中的潜在作用。 结论:浮世绘的持久遗产与现代性的初探 本书最后总结了浮世绘对十九世纪后期日本艺术乃至西方现代艺术(特别是印象派和后印象派)的不可磨灭的影响。我们认为,浮世绘并非一种单纯的“装饰艺术”,而是早期现代性在日本社会结构和视觉文化中萌芽的独特见证,它精妙地平衡了商业需求、审查压力和艺术表达的复杂张力。它留下的,是一个充满活力、矛盾与精致的江户市民世界的视觉档案。

作者简介

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读后感

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用户评价

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阅读《批判性当代绘画透视》的过程,与其说是学习,不如说是一场持续不断的辩论。作者的观点鲜明、立场坚定,他毫不留情地拆解了那些看似高深莫测的当代绘画流派,尤其是对那些过度依赖“概念的炫技”的现象进行了猛烈的抨击。我特别喜欢其中关于“绘画的非物质化倾向”的讨论,作者并没有简单地宣布绘画的死亡,而是探讨了它如何在不依托画布的情况下,依然保持其批判性潜能。他引用了大量的当代艺术案例作为佐证,而且,这些案例的选择非常新颖和大胆,很多是我之前在其他评论中从未见过的。这本书的语言风格充满了辩证思维的张力,充满了反问和设问,仿佛作者正拿着一把尺子,不厌其烦地丈量着当代艺术的“虚胖”之处。对于那些习惯于接受标准答案的读者来说,这本书可能会带来一些不适,因为它提出的问题远比它给出的答案要多得多,但正是这种对确定性的拒绝,才使其价值愈发凸显。

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啊,终于把《批判性当代绘画透视》读完了,说实话,这本书的厚度就足以让人望而生畏,但真正翻开后,那种沉浸感是其他艺术评论集难以比拟的。作者对当代绘画现象的把握精准得像手术刀,尤其是在探讨“媒介转向”这一章节时,他没有停留在那种空泛的口号式讨论上,而是深入到材料、观看方式乃至艺术品市场结构的变化中去解剖。比如,他对数字媒介与传统画布之间那种若即若离的张力,分析得入木三分。我印象特别深的是其中一篇关于“后绘画性”的论述,作者巧妙地引用了福柯的异托邦概念,来描述那些试图超越画框限制的装置式绘画实践,这让我的思考一下子被拔高到了哲学层面。这本书的结构安排也很有意思,它不是简单地罗列案例,而是构建了一个层层递进的论证体系,从对视觉经验的还原,到对权力结构的解构,最后落脚于艺术本体论的重新审视。对于任何一个想在当代语境下理解绘画如何呼吸的严肃读者来说,这本书都是一本绕不开的里程碑式的著作,它提供了足够的思想武器,让你有能力去质疑那些看似光鲜亮丽的新潮作品背后的空洞。

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读完这本书,我最大的感受就是,作者的笔触里带着一种近乎挑衅的锐利,完全不是那种温吞水式的学院派腔调。他似乎总是在寻找那些被主流艺术史叙事有意无意忽略的裂缝,并用他那近乎“咬牙切齿”的文字去放大这些裂缝。我特别欣赏他对“全球化与地方性”这一议题的处理方式,他没有简单地套用文化挪用的老一套说辞,而是细致地剖析了非西方艺术家如何在面对西方艺术中心主义的凝视时,进行自我重构和抵抗的复杂过程。书中引用的那些个案分析,简直是教科书级别的——那种对一幅画的符号学解读,细致到连笔触的方向和颜料的颗粒感都不放过,让人不得不佩服其扎实的功底。不过,坦白说,这本书的阅读门槛不低,它要求读者对二十世纪后半叶的艺术理论有相当的了解,否则很容易在那些术语的迷雾中迷失方向。对我个人而言,它更像是一部思想的“健身房”,读完后感觉大脑的逻辑纤维都被拉伸和重组了一遍,虽然过程有些吃力,但收获是实打实的。

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这本书给我的冲击力,主要来源于它对“观看”这一行为本身的颠覆。我以前看画展,总习惯于将注意力集中在艺术家想表达的“内容”上,但《批判性当代绘画透视》却强迫我将目光转向“观看者自身”——我们是如何被训练去“看”的?作者在探讨虚拟现实对绘画感知的影响时,提出了一个非常惊人的观点:当代绘画的“在场性”正在被一种“预期的缺席”所取代。这让我猛然醒悟,原来我们对一幅画的渴望,很多时候,恰恰是来自于它未能被完全捕获的那部分信息。这种对感官体验的深刻反思,远超出了单纯的艺术史叙事。书中关于图像生产的社会学分析也非常精彩,它不再将艺术家视为孤立的天才,而是将其置于一个由资本、赞助人和策展人构成的复杂网络之中,揭示了“好品味”是如何被系统性地制造出来的。这本书的论证逻辑严密得像精密的钟表,每一个章节都像是为下一个结论做好了充分的铺垫,读起来酣畅淋漓,但也让人对当下艺术生态感到一丝寒意。

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如果用一个词来形容这本书对我的影响,那就是“重置”。它彻底重置了我对“当代性”的理解框架。作者在分析绘画与时代精神的关系时,展现出了一种罕见的宏大叙事能力,但他又不会被宏大叙事所裹挟。书中对新表现主义、极简主义回潮等现象的梳理,清晰地展现了艺术史的螺旋上升规律,即看似全新的事物,往往隐藏着对过去某种模式的幽灵般的回归。我尤其欣赏作者处理复杂文本的方式,他能够将晦涩的现象学理论,转化为对具体作品的敏锐观察,使得抽象的分析有了坚实的视觉基础。这本书的排版和装帧设计也体现了其批判性的精神,那种冷静、克制的设计风格,与书中激烈的思想碰撞形成了有趣的张力。读完合上书本时,我感觉自己对周围所有视觉信息都多了一层审视的滤镜,这不是一本让人感到舒服的书,但它绝对是一本能让你变得更聪明的书,因为它迫使你质疑一切你习以为常的“美”与“意义”。

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