In the 1960s art fell out of time; both artists and critics lost their temporal bearings in response to what E. M. Cioran called "not being entitled to time." This anxiety and uneasiness about time, which Pamela Lee calls "chronophobia," cut across movements, media, and genres, and was figured in works ranging from kinetic sculptures to Andy Warhol films. Despite its pervasiveness, the subject of time and 1960s art has gone largely unexamined in historical accounts of the period. Chronophobia is the first critical attempt to define this obsession and analyze it in relation to art and technology. Lee discusses the chronophobia of art relative to the emergence of the Information Age in postwar culture. The accompanying rapid technological transformations, including the advent of computers and automation processes, produced for many an acute sense of historical unknowing; the seemingly accelerated pace of life began to outstrip any attempts to make sense of the present. Lee sees the attitude of 1960s art to time as a historical prelude to our current fixation on time and speed within digital culture. Reflecting upon the 1960s cultural anxiety about temporality, she argues, helps us historicize our current relation to technology and time. After an introductory framing of terms, Lee discusses such topics as "presentness" with repect to the interest in systems theory in 1960s art; kinetic sculpture and new forms of global media; the temporality of the body and the spatialization of the visual image in the paintings of Bridget Riley and the performance art of Carolee Schneemann; Robert Smithson's interest in seriality and futurity, considered in light of his reading of George Kubler's important work The Shape of Time: Remarks on the History of Things and Norbert Wiener's discussion of cybernetics; and the endless belaboring of the present in sixties art, as seen in Warhol's Empire and the work of On Kawara.
Pamela M. Lee is Associate Professor of Art and Art History at Stanford University. She is the author of Object to be Destroyed: The Work of Gordon Matta-Clark (MIT Press, 1999)
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我很久没有读到这样一本能够让我如此投入,又如此充满思考的书了。它不仅仅是一个故事,更像是一次关于存在、意义以及我们与时间关系的深刻对话。作者的文字功底深厚,他能够用最简洁的语言描绘出最复杂的情感,用最日常的场景引出最深刻的哲理。我发现自己常常在阅读时,与书中人物产生强烈的共鸣,他们的挣扎、他们的迷茫,都像是在映照我自己的内心。书中的许多情节,虽然没有直接涉及“时间”这个概念,但却无处不透露着时间的痕迹,无论是人物的成长、情感的变迁,还是环境的变幻,都像是时间在无声地雕刻着一切。我一直在努力理解作者的创作意图,他究竟想要通过这个故事,引导我们去思考什么?是对逝去的时光的惋惜,还是对未来的不确定性的恐惧?这本书让我对“时间”这个概念有了全新的认识,它不再仅仅是一个物理的量词,而是一种深刻的存在体验。
评分这本书给我带来的冲击,远超乎我的想象。我原本以为会是一部相对容易理解的文学作品,但事实证明,它是一次对思维的极限挑战。作者的笔触非常老练,他能够将抽象的概念具象化,将深刻的哲学思考融入到引人入胜的情节之中。我在阅读过程中,常常会停下来,反复咀嚼某一段文字,思考其中蕴含的深意。故事的节奏把握得相当精准,时而紧张得让人喘不过气,时而又舒缓得让人陷入沉思。我发现自己被作者构建的那个世界深深吸引,那里的一切都显得如此真实,却又充满了超现实的色彩。我不断地在思考,作者究竟想通过这个故事传达什么样的信息?是对现实的批判,还是对人性的探索?亦或是对某种普遍存在的焦虑的描绘?这种开放式的解读空间,正是这本书最迷人的地方。每一次阅读,都可能产生新的领悟,每一次思考,都可能发现新的层面。
评分我一直对那些能够挑战常规叙事结构的作品情有独钟,而这本书恰恰满足了我的这种期待。在阅读的过程中,我仿佛置身于一个精心编织的迷宫,每一条线索都指向不同的方向,却又相互牵引。故事的展开方式并非线性,而是通过一些碎片化的回忆、闪回以及多视角的叙述交织而成。这使得读者需要主动去拼接、去理解,而不能被动地接受信息。我尤其欣赏作者在人物塑造上的手法,那些角色似乎都背负着沉重的过去,他们的言行举止都充满了复杂的动机。即便是配角,也并非简单的背景板,而是拥有着自己的故事和秘密。这种立体的人物群像,让整个故事充满了真实感和深度。我发现自己越来越沉迷于探索这些角色的内心世界,试图理解他们的痛苦、恐惧以及对未来的渴望。虽然书名本身就带有强烈的指向性,但我发现,真正触动我的,并非直接关于“时间”的讨论,而是那些隐藏在字里行间的关于人生、选择和遗憾的情感共鸣。
评分这本书的封面设计就足够引人注目,一种压抑而迷离的色调,配合着模糊处理的人物剪影,立刻就勾勒出一种难以言说的紧张感。我迫不及待地翻开第一页,试图从中寻找到一丝关于“Chronophobia”的线索。起初,我以为这会是一部关于时间焦虑的心理惊悚小说,或者是某个主角在时间流逝面前的挣扎。然而,随着阅读的深入,我发现作者巧妙地设置了一个似乎与“时间”本身没有直接关联的叙事框架。故事的开端,我被带入了一个充满悬念的环境,主角身处一个陌生的城市,一切都显得陌生而疏离。他似乎在追寻着什么,又似乎在逃避着什么。文字的描写非常细腻,每一处细节都充满了暗示,让我在阅读过程中不断地猜测和推断。书中对于环境的刻画尤为出色,无论是阴暗潮湿的小巷,还是灯火辉煌却空无一人的广场,都营造出一种挥之不去的压抑感,仿佛时间在这里凝固,又或者是在以一种不为人知的速度流逝。我一直在寻找故事的核心驱动力,那个驱使主角前进或者后退的究竟是什么?这种未知感,反而让我的阅读体验更加沉浸。
评分我必须承认,这本书在某种程度上让我感到困惑,但这种困惑并非源于内容的晦涩,而是源于其出人意料的叙事和主题的深度。我以为自己已经猜到了故事的发展方向,但作者总能在关键时刻给我带来惊喜,或者说是惊吓。他打破了许多传统的叙事套路,将读者带入了一个充满未知和变数的境地。我发现自己一直在努力地寻找一个明确的“答案”,一个能够解释所有谜团的钥匙。然而,随着故事的推进,我逐渐意识到,这本书或许并没有一个标准化的答案,它更像是一个邀请,邀请读者去参与这场思想的冒险。那些看似不经意的细节,往往隐藏着至关重要的线索。我开始更加留心作者的语言选择,每一个词语,每一个标点符号,都可能具有特殊的含义。这种沉浸式的阅读体验,让我暂时忘记了周遭的一切。
评分非常theoretical。Lee的方法很有意思。研究艺术和艺术的技术环境。这对于六十年代的艺术是再适合不过的了。艺术与技术之间的关系也是Lee所有作品的核心问题。Lee从自己的角度读了很多经典的艺术史文献。这点其实很值得学。读懂文献当然重要,但是如果没有自己的角度,文献是没有办法变成论文的。其实任何一种好的切入角度都是寄生。Lee对于Kubler的解读很不错,但是我觉得她过分强调K对于生物比喻的批评了。毕竟Cybernetics本身就是一种生物比喻,不论是Kubler还是Wiener都是逃不开的。这种解读的后果是环境的透明化。而且K其实并没有抛弃生物比喻,L忽略了他对“变异 (mutant)”这个生物比喻的讨论。
评分一开始不喜欢这样的写作风格来写史。但是习惯了倒觉得,我也能这样写啊。虽然有一章跟我兴趣关系不大的没读但是暂且也不会读了。所以先算看完了吧。(首页友邻能否看到这种标记广播啊啊啊啊看到了吱一声啊啊啊啊憋死我了!!!
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评分非常theoretical。Lee的方法很有意思。研究艺术和艺术的技术环境。这对于六十年代的艺术是再适合不过的了。艺术与技术之间的关系也是Lee所有作品的核心问题。Lee从自己的角度读了很多经典的艺术史文献。这点其实很值得学。读懂文献当然重要,但是如果没有自己的角度,文献是没有办法变成论文的。其实任何一种好的切入角度都是寄生。Lee对于Kubler的解读很不错,但是我觉得她过分强调K对于生物比喻的批评了。毕竟Cybernetics本身就是一种生物比喻,不论是Kubler还是Wiener都是逃不开的。这种解读的后果是环境的透明化。而且K其实并没有抛弃生物比喻,L忽略了他对“变异 (mutant)”这个生物比喻的讨论。
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