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出版者:Univ of Alabama Pr

作者:Justice-Malloy, Rhona 编

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:2006-10

价格:$ 32.77

装帧:Pap

isbn号码:9780817353544

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧史
• 戏剧研究
• 表演艺术
• 文化研究
• 历史
• 2006年出版
• 学术著作
• 西方戏剧
• 舞台艺术
• 艺术史

戏剧史研究 2006：跨越时空的舞台探索 导言：重塑历史的视角 《戏剧史研究 2006》并非一部单纯的编年史或对既定事实的重复罗列。它是一系列深入、批判性的学术探索的结晶，旨在挑战和拓宽我们对戏剧艺术发展脉络的理解。本书汇集了来自不同学术背景的学者，他们共同致力于挖掘被主流叙事所忽略的角落，揭示那些在历史长河中被边缘化的声音和实践。2006年这一时间点，本身也具有特殊的意义——它标志着全球化对传统剧场范式的冲击日益加深，同时也预示着数字技术和新媒体对戏剧创作边界的重新定义。因此，本书的研究视角自然地在对历史传统的致敬与对当代实验的审视之间架起了一座桥梁。 第一部分：古典遗产的再诠释 本部分聚焦于对古典戏剧文本和演出实践的全新解读。我们摒弃了十九世纪末至二十世纪初那种僵硬、学院派的“完美再现”观，转而采用更具情境化和表演学视角的分析方法。 一、古希腊悲剧中的身体政治学： 本书的一项重要贡献是对古希腊悲剧中“身体”的重新审视。我们不再仅仅关注文本的哲学深度，而是深入探讨在露天剧场这一特定空间中，演员的身体如何作为政治权力的载体或反抗的象征。研究探讨了诸如祭献仪式、面具的佩戴与去面具化过程，以及合唱队（Chorus）作为集体声音在公民大会语境下的作用。特别分析了索福克勒斯《俄狄浦斯王》中，俄狄浦斯从可见（被揭露的身份）到不可见（自我放逐）的身体状态转变，如何呼应了雅典城邦内部关于“看见”与“被看见”的道德和法律辩论。 二、罗马喜剧与“异域化”表演： 针对古罗马喜剧，研究不再满足于将其视为希腊原作的简单改编。相反，我们考察了普劳图斯和泰伦斯作品在罗马本土化过程中所涉及的文化“移植”与“异域化”策略。重点分析了罗马剧场中对希腊文化符号的挪用、嘲讽与融合，尤其关注了奴隶角色和异邦人角色在舞台上的表演模式，揭示了罗马社会内部的阶级张力如何通过喜剧的夸张形体表演得以释放和调和。 三、中世纪道德剧中的世俗化张力： 本章深入探究了中世纪晚期道德剧（Mystery and Morality Plays）在宗教与世俗生活之间的微妙平衡。通过对约克周期剧本和《每一个人》（Everyman）的细致文本分析，我们发现，即便在宣扬基督教教义的框架下，剧本中对日常琐事、职业形象（如工匠、商人）的描绘，已然预示着文艺复兴时期世俗戏剧的兴起。重点考察了“恶魔”形象从纯粹的神学概念向更具戏剧性和喜剧性的“舞台恶棍”转化的过程。 第二部分：巴洛克与启蒙时代的剧场转型 此部分关注十七至十八世纪欧洲剧场在宫廷赞助、国家权力与新兴资产阶级审美之间的动态调整。 一、法兰西古典主义的“规训”与“解放”： 高乃依和拉辛的悲剧是法国古典主义的巅峰，但本书侧重于探讨这种“三一律”背后对演员表演的严格“规训”。研究分析了科梅迪·法兰西斯（Comédie-Française）的早期制度如何通过对舞台调度、情感表达的规范化，来服务于路易十四的绝对君主制形象。同时，也对比了莫里哀喜剧中对贵族虚伪的讽刺，揭示了喜剧如何成为一种相对安全的、被许可的社会批判出口。 二、伊丽莎白时期剧场的“后殖民”阅读： 针对莎士比亚和马洛的剧作，本研究采取了当代表演理论的视角，将其置于全球化前夕的帝国扩张背景下进行考察。重点分析了异族角色（如奥赛罗、麦克白中的苏格兰元素）的舞台呈现，以及剧作家如何处理“他者”的身体和语言。我们探讨了莎翁戏剧中对异域地理的迷恋与恐惧，如何折射出早期英国对外海洋贸易和殖民想象的萌芽状态。 三、十八世纪“感伤主义”与公共剧场的兴起： 本书详细梳理了从歌剧转向情节剧（Sentimental Comedy/Tragedy）的趋势。在启蒙思想的推动下，剧场开始向新兴的资产阶级开放，对“自然情感”的强调取代了古典主义的宏大叙事。研究重点分析了英国和德国（如席勒的早期作品）在这一时期的剧作，如何通过对中产阶级家庭道德困境的描摹，建立起一种新的观众情感认同机制。 第三部分：现代性的挑战与声音的复苏 本部分聚焦于十九世纪末至二十世纪初，戏剧如何从“写实主义”的桎梏中挣脱出来，并为全球现代戏剧奠定基础。 一、自然主义的局限与符号主义的回应： 对自然主义的“第四堵墙”美学进行了批判性反思，认为其对社会病态的客观描绘，往往以牺牲诗意和形式探索为代价。随后，着重分析了梅特林克和爱尔兰文学复兴（特别是叶芝）中符号主义的兴起。符号主义如何通过模糊的意象、音乐化的语言和对潜意识的探索，为后来的超现实主义和表现主义开辟了道路。 二、俄罗斯的先锋实验：斯坦尼斯拉夫斯基体系的语境化： 本书对斯坦尼斯拉夫斯基体系的介绍并非止于“方法表演”的教条化阐释。而是将其置于沙俄末期社会动荡和莫斯科艺术剧院的特定机构背景下考察。探讨了该体系在早期如何与契诃夫作品中那种“无声的戏剧”完美契合，以及该体系在二十世纪二十年代经历的两次重大调整（由“动作分析”转向“物理行动”），如何反映了俄罗斯内部政治和美学环境的剧烈变化。 三、东方剧场的启示：能剧与歌舞伎的结构分析： 作为对西方中心主义的反拨，本研究系统性地引入了对日本传统戏剧的深入研究。重点剖析了能剧（Noh）在“空寂”（Yūgen）美学指导下的极简主义舞台调度，以及歌舞伎（Kabuki）中“见得”（Mie）定格动作的象征意义。这些分析旨在提供一个完全不同的戏剧结构范例，挑战西方线性叙事和情感释放的传统模式。 结论：未完成的剧场研究 《戏剧史研究 2006》最终呈现的，是一个充满活力、不断被修正的剧场史图景。本书所揭示的，是戏剧艺术在面对社会变迁、技术革新和跨文化交流时，其适应性和实验性的强大韧性。它邀请读者认识到，每一次舞台上的“现在”，都是对过往所有历史选择的一种重新协商和定位。剧场的历史，永远处于被书写、被质疑的过程中。

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我必须承认，这本书在某些段落的学术密度是相当高的，需要读者具备一定的背景知识才能完全跟上其思想的跳跃。然而，正是这种挑战性，使得阅读体验充满了智力上的满足感。它对后期现代剧场理论的梳理，特别是对后戏剧剧场（Postdramatic Theatre）中“语言的失效”这一主题的探讨，非常精妙。作者没有将文本的边缘化简单地归结为对前卫主义的模仿，而是将其置于全球化和信息过载的文化背景下进行考察。他提出，当符号生产的速度远远超过了人类理解的速度时，剧场选择了一种“去语义化”的路径，转向感官的直接冲击和身体的在场体验。书中引用的案例往往是晦涩难懂的当代作品，但作者的阐释如同剥洋葱般，层层深入，最终揭示出其背后的文化焦虑。这本书的伟大之处，或许就在于它不畏惧探讨那些令人不安的、尚未被完全驯服的艺术前沿。

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这本书在理论建构上的雄心壮志，尤其体现在它对媒介变迁与剧场形态互动的处理上。它不是一本孤立的剧场史，更像是社会技术史的一个侧面切片。作者花费大量篇幅探讨了留声机、电影放映技术以及无线电广播的兴起，如何反作用于剧场艺术的审美取向。举例来说，当电影以其对空间和时间的精确捕捉能力占据主导地位时，剧场被迫退回到“此时此地”的不可复制性上寻求价值，从而催生了布莱希特的“间离效果”作为一种哲学性反击。我发现，作者的论证逻辑严密而富有层次，他将每一次技术革新都视为对“真实”定义的一次挑战。这种将剧场置于整个信息传播生态中的宏大视野，使得全书的论述跳脱出了单纯的艺术批评范畴，上升到了文化动力学的层面。读完之后，我对“现场感”这一概念的理解，也变得更加复杂和深刻。

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这部著作，从我个人的阅读体验出发，给我的触动点非常集中在它对早期剧场建筑空间的考古式重构上。它并非简单地罗列年代和风格，而是试图还原观众与演员之间那种物理性的互动关系。我记得其中关于伊丽莎白一世时期露天剧场的章节，作者没有止步于描述“环形”结构，而是深入探讨了不同社会阶层观众的站位如何影响了戏剧内容的接收与解读。比如，贵族包厢的私密性与站票区（Groundlings）的即时反馈机制之间的张力，被描述得淋漓尽致。作者巧妙地引入了同时期城市规划和卫生条件的史料，将剧场视为一个微缩的城市单元，而非孤立的艺术殿堂。这种跨学科的叙事角度，让原本枯燥的建筑史变得鲜活起来，仿佛能闻到那个时代特有的气味，感受到人潮涌动的喧嚣。特别是当他分析不同坡度地板对光线和声音反射的影响时，我忍不住合上书，想象了一下在那种环境下观看莎士比亚作品的真实感受。这本书的价值在于，它教会我们理解，**形式即是内容**，剧场的物理容器塑造了表演的灵魂。

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从叙事节奏和学术风格来看，这本书展现出一种令人耳目一新的、近乎侦探小说般的严谨与激情。它在梳理二十世纪初期的先锋戏剧运动时，几乎是“考古式”地挖掘了那些被主流史学常常忽略的小剧团和边缘人物的文献。我印象非常深刻的是关于达达主义戏剧的探讨，作者没有满足于介绍其口号式的反叛，而是细致地重现了柏林“酒吧”剧场中那些混乱的、即兴的、几乎无法被记录的表演片段。这种还原的难度是巨大的，但作者通过对残留的剧本残页、观众日记甚至警方记录的交叉比对，构建了一个极具现场感的“失语”历史。这本书的精彩之处在于，它敢于承认历史的**碎片化和不可知性**，并将其转化为一种叙事张力，而不是掩饰。它让你感觉，你不是在阅读一个既定的历史结论，而是在与作者一同，从尘封的档案中，抢救那些濒临消失的艺术火花。

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读完这本书后，我最大的感触在于其对“表演本体”的解构与重塑，特别是对非西方戏剧传统——比如日本能剧和印度婆罗多舞剧的比较分析部分。这本书并没有采用那种以欧洲为中心的傲慢视角，而是以一种近乎人类学家的严谨态度，去探究不同文化中“舞台在场感”（Presence）是如何被定义的。它探讨了能剧面具背后的“幽玄”美学，以及这种美学如何通过极简的舞台调度实现精神的极度集中。这种对“留白”艺术的深刻洞察，与同时期西方写实主义对“完整叙事”的追求形成了尖锐的对比。我特别欣赏作者在论述中，不断追问“什么构成了戏剧的核心？”——是文本、是角色、还是观众的集体想象？书中对仪式性表演和世俗化娱乐的界限模糊处理，让我重新审视了我们今天对“戏剧”的狭隘定义。它提醒我们，剧场的生命力，恰恰存在于那些被现代商业逻辑所剔除的、高度程式化和精神化的时刻之中。这本书提供的视角，是极具批判性和启发性的。

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