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出版者:St Martins Pr

作者:Amberlyn, J. C.

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:2005-4

价格:154.94元

装帧:Pap

isbn号码:9780823023790

丛书系列:

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《Drawing Wildlife》的作者，一位在自然艺术领域深耕多年的艺术家，将带您踏上一段探索野生动物绘画奥秘的旅程。本书并非枯燥的解剖学指南，也不是死板的步骤演示，而是一次深入灵魂的对话，一次对生命形态的虔诚描摹。您将在这里找到如何捕捉动物的内在精神，如何用画笔赋予它们鲜活的生命力。 本书将引导您从最基础的观察开始。我们将一起学习如何真正地“看”，不仅仅是看到动物的轮廓，更是要理解它们身体的运动、肌肉的起伏、骨骼的支撑。我们会研究不同物种的独特体态，从非洲草原上雄狮的矫健身姿，到雨林深处猩猩的灵动攀爬，再到极地冰川上北极熊的厚重步伐。您将学会如何去分析它们的结构，理解它们为何如此行动，为何拥有这样的肌肉线条和身体比例。这将是建立您绘画根基的关键一步，让您的作品不仅仅是形似，更能神似。 随后，我们将深入探讨光影的语言。光线是塑造形态的关键，也是传递情感的媒介。您将学习如何观察自然光下动物身体不同部位的光影变化，如何通过明暗的对比来强调肌肉的张力、毛发的蓬松感，以及动物眼神中的生动。我们将研究不同光源下（如清晨柔和的日出、午后强烈的阳光、傍晚昏黄的余晖）对动物形态的影响，以及如何利用色彩和笔触来表现这些微妙的光影变化。您将学会区分被反射的光、阴影中的环境色，以及高光部分的质感，让您的动物形象跃然纸上，仿佛拥有了真实的立体感。 色彩的运用将是本书另一项重要内容。我们并非鼓励您去“想象”动物的颜色，而是引导您去“看见”真实的色彩。我们将学习如何观察自然界中动物皮毛、羽毛、鳞片的丰富色彩层次，以及它们如何在不同的光照和环境背景下呈现出微妙的差异。您将了解颜色的冷暖对比、明暗关系，以及如何运用互补色来增强色彩的表现力。我们将深入研究不同动物的天然保护色和伪装色，理解它们为何拥有这样的色彩，以及这些色彩如何帮助它们融入环境，躲避天敌或捕捉猎物。您将学会调配出准确而富有生命力的色彩，让您的作品不仅仅是图片的复制，而是充满情感的表达。 笔触的运用则是赋予生命力的最后一道魔法。不同的笔触可以传达不同的质感和情绪。您将学习如何运用流畅而富有动感的线条来表现动物的奔跑和跳跃，如何用细腻而富有层次的笔触来描绘毛发的蓬松和柔软，如何用粗犷而有力的笔触来塑造骨骼的坚实和力量。我们将探索不同画材（如铅笔、炭笔、水彩、油画）在表现动物皮毛、羽毛、鳞片等不同材质时的独特魅力。您将学会如何让您的笔触成为动物生命力的呼吸，让每一笔都充满力量和情感。 本书将以一系列精心挑选的动物作为案例研究。我们会从大家熟知的猫科动物开始，如迅捷的猎豹、威严的老虎、慵懒的家猫，深入分析它们独特的身体结构和运动方式，学习如何捕捉它们眼中的野性与优雅。接着，我们将目光转向草原上的精灵，如奔跑的羚羊、悠闲的斑马、警觉的狐狸，学习如何表现它们的敏捷与活力。我们也会涉足森林的居民，如狡黠的松鼠、憨厚的熊、神秘的鹿，探索它们在不同环境下的生存之道，以及如何用画笔呈现它们的独特魅力。当然，我们不会忽略天空中的舞者，如展翅翱翔的雄鹰、色彩斑斓的鹦鹉、婉转歌唱的百灵，学习如何捕捉它们飞翔的姿态与生命的自由。甚至，我们还会挑战那些在水中或陆地上拥有奇特形态的生物，如悠游的海龟、巨大的鲸鱼、爬行的蜥蜴，学习如何理解并描绘它们非同寻常的构造。 每一个案例研究都将包含对该动物习性的简要介绍，帮助您从更深层次理解它们，从而更好地捕捉它们的形态与精神。我们将分析它们最典型的姿态，并提供详细的绘画步骤和技巧指导，从最初的草图构思，到细节的刻画，再到最终的润色调整，您将全程参与到创作过程中。您将学会如何根据动物的性格和所处环境，来调整您的构图和笔触，让您的作品更具故事性。 除了具体的动物描绘，本书还将引导您进行更广泛的观察和练习。我们会鼓励您走进自然，亲身观察野生动物，或通过高质量的纪录片和摄影作品来汲取灵感。您将学会如何从动态的视频中捕捉关键的瞬间，如何从静态的照片中解读光影和结构。我们还会提供一系列的练习方法，帮助您提高观察能力、造型能力和色彩运用能力，例如动物骨骼结构的速写练习，不同姿态的动态线条练习，以及模仿大师作品的色彩分析练习。 本书的设计理念是循序渐进，由浅入深。即使您是绘画初学者，也能在作者的耐心引导下，逐步建立起扎实的绘画基础，并获得持续的进步。对于有一定绘画基础的艺术家，本书也将为您提供新的视角和更深入的理解，帮助您突破瓶颈，提升作品的艺术表现力。 《Drawing Wildlife》不仅仅是一本关于绘画的书，它更是一扇窗，让您窥见自然界鬼斧神工的造物之美；它更是一本指南，带领您用画笔与这些生灵进行一场跨越物种的对话；它更是一份邀请，邀请您加入一个热爱自然、热爱艺术的群体，用您的画笔，去赞美、去记录、去守护这片生机勃勃的土地。 本书的每一个页面都饱含着作者对野生动物的热爱和对艺术的追求。它所呈现的，是经过无数次观察、无数次尝试、无数次推敲而凝结成的宝贵经验。您将在这里找到的，不仅仅是绘画的技巧，更是对生命的热情，对自然的敬畏，以及那份用画笔去触碰和表达生命之美的纯粹喜悦。 让我们一同拿起画笔，去感受风吹过毛发的轻柔，去聆听动物奔跑的心跳，去捕捉它们眼神中的智慧与野性。在这趟 Drawing Wildlife 的旅程中，您将不仅仅学会绘画，更将学会如何用艺术去看见，去理解，去热爱这个精彩纷呈的野生世界。

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说实话，拿到这本书时，我原本的期望是能找到一些快速提升“神韵”的技巧，毕竟很多绘画指南都倾向于提供一些速成的光影或线条处理的小窍门。然而，这本书给我的震撼在于它的“慢”和“深”。它花了大量的篇幅去讨论如何选择正确的媒介材料，以及不同纸张的纹理如何影响到最终的笔触效果。我一直习惯于用传统的HB铅笔起稿，但作者展示了用炭精条勾勒大型动物轮廓的粗犷感，以及用干性色粉笔在特定区域营造出羽毛的蓬松质感，真是让人耳目一新。更让我受益匪浅的是它关于“环境融入”的论述。作者强调，一幅成功的野生动物画作，动物本身固然重要，但它所处的自然环境——光线如何穿过树叶投射在皮毛上，背景的虚化如何引导观众的视线——同样关键。我以前画的动物总像是“漂浮”在白纸上，缺乏根基，但现在我开始注意背景的色彩和明度关系，尝试用更松散、更具暗示性的笔触来处理背景，让主体物自然地从环境中“浮现”出来。这种对整体氛围构建的关注，是任何只教你画单个对象的小册子都无法比拟的。

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这本书的排版设计，坦白地说，一开始让我有些不适应。它没有那种商业插画集常见的炫目光彩和高度修饰的成品展示，更多的篇幅是留给了大量的研究草图、被修改过的初稿，甚至是作者在野外写生时随手记录的笔记片段。这种“不完美”的呈现方式，反而建立了一种极其真诚的交流感。我尤其欣赏作者处理“动态捕捉”那一章节的方式。他没有直接给出完美的动物动态线稿，而是展示了他是如何通过连续的、快速的短线来捕捉一只鸟类起飞瞬间的能量转移，那些线条凌乱却充满了力量，它们记录的不是结果，而是过程本身。这对我这个习惯于追求“一笔到位”的画者来说，是个不小的冲击。我开始明白，真正的观察需要的是速度和果断，而不是过度的犹豫和修改。通过模仿作者在这些早期草稿中展现出的那种大胆落笔的自信，我发现自己的线条也变得更加自由和有力，不再畏首畏尾，敢于去探索那些不确定的美感。

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这本书的插画简直是教科书级别的存在，尤其是对动物骨骼结构和肌肉走向的刻画，细腻到让人惊叹。我之前尝试画过几次鹿的侧影，总是觉得身体的比例有些失衡，尤其是在表现动态的时候，显得僵硬而不自然。但是翻开《Drawing Wildlife》后，作者对不同动物在奔跑、休憩、捕食等状态下的重心转移和身体姿态的解析，简直是茅塞顿开。他不仅仅展示了最终的完美线条，更重要的是深入讲解了观察动物行为模式的重要性。比如，书中有一章专门分析了猫科动物的狩猎前蓄力姿态，通过一系列的素描稿，清晰地展现了脊柱的弯曲度和后腿的爆发力是如何通过预先的微小动作酝酿出来的。这种从生物力学角度切入的绘画方法，彻底颠覆了我过去那种单纯依赖目测的传统方式。我感觉自己不再是“临摹”动物的形状，而是开始“理解”它们如何存在于空间之中，这极大地提升了我作品的生命力。如果你对动物解剖学有着执着的追求，这本书绝对是值得收藏的宝典，它提供的不是速成的秘诀，而是扎实的、需要时间去消化的专业知识体系。

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这是一部需要反复翻阅的书籍，它不像速查手册那样只在特定时刻派上用场，它更像是一本陪伴你成长的艺术导师。让我印象特别深刻的是关于“光影与材质”的探讨。野生动物的皮毛和羽毛是极难表现的纹理，太写实会显得僵硬，太写意又会失去辨识度。作者在这里提出了一种“结构性高光”的概念，即高光不应仅仅是光线照射到的最亮处，而更应该服务于动物的肌肉走向和骨骼形态。举例来说，在表现一只水獭湿漉漉的背部时，作者用极其锐利、干净的几笔白色线条来模拟水珠滑落的轨迹，而不是用大面积的模糊反光来处理，这种精准的笔触运用，让皮毛的湿润感和弹性瞬间被捕捉。这种对细节的战略性选择，而不是无差别的描摹，是区分业余和专业的一个重要分水岭。阅读这本书，就像是接受了一次系统而严格的视觉训练，教会你如何“选择”去描绘什么，而不是“画下”你所看到的一切。

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我很少会因为一本技术类书籍而产生强烈的共鸣，但《Drawing Wildlife》做到了。这本书最打动我的地方，或许是作者对“等待”这一过程的描述。他花了整整一章的篇幅，描述了自己是如何在一个寒冷的清晨，在隐蔽处静候了八个小时，只为观察到一只狐狸在雪地里捕食野鼠的那个不到三秒钟的动作。这种对自然本身的尊重和近乎于苦修的精神，渗透在了每一页的解析之中。这让我反思自己以往绘画的功利性——总想着快点出成品、快点得到赞美。作者则展现了艺术创作的另一面：它是一种需要极大耐心和时间投入的哲学实践。书中那些关于如何根据不同季节、不同光照条件来调整你对色彩饱和度的观察笔记，详细到令人发指，它教会你的不是如何调色盘上的颜色，而是如何训练自己的眼睛去适应大自然的瞬息万变。读完这本书，我感觉自己对自然界的敬畏之心也随之提升了一个层次，绘画技巧的进步反倒是水到渠成的事情了。

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