Modern Dance Terminology pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Independent Pub Group

作者:Love, Paul/ King, Eleanor (INT)

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:

价格:166.00元

装帧:Pap

isbn号码:9780871272065

丛书系列:

图书标签:

• 舞蹈
• 现代舞
• 术语
• 舞蹈史
• 舞蹈理论
• 表演艺术
• 身体文化
• 舞蹈教育
• 动作分析
• 舞蹈词汇

好的，这是一份关于一本假设的、不包含“现代舞术语”内容的图书的详细简介，力求自然流畅，避免任何明显的“AI痕迹”： 《建筑几何的诗意：从古希腊到包豪斯的结构美学解析》 导言：空间、形式与人类精神的交响 本书并非仅仅是一部建筑史的编年录，也不是一本枯燥的工程手册。它是一次对人类对“空间”的理解和塑造的历史性追溯。从人类最早的庇护所，到那些挑战地心引力的现代结构，我们所追求的，是几何学与功能性之间最完美的平衡，是理性逻辑与感性美学交织的瞬间。本书深入剖析了建筑形式背后的哲学基础、文化语境以及数学原理，揭示了结构如何成为凝固的音乐，讲述着建造者的信念与时代的精神。 我们关注的焦点在于“结构”本身如何成为叙事的主体。一根柱子的粗细、一个拱券的弧度、一块玻璃幕墙的透光性，无不承载着特定文明的宇宙观。本书旨在带领读者超越视觉表象，去理解那些隐藏在钢筋混凝土、石材或木材之下的，关于比例、韵律和尺度的永恒对话。 第一部分：古典的秩序与神圣的比例 第一章：米诺斯与迈锡尼：早期地中海的迷宫与堡垒 在文字尚未系统化记录的时代，建筑便已成为权力的象征与防御的需要。本章探讨克里特岛上克诺索斯宫殿的复杂布局——一个象征着神秘与权威的线性迷宫。随后，我们将目光转向希腊大陆的迈锡尼文明，分析其狮子门等巨石结构中体现的原始而强悍的力量感。这里的几何学尚未被抽象化，而是与防御本能紧密结合。 第二章：希腊三柱式：理性审美的基石 古希腊建筑是西方美学观念的奠基石。本书详尽阐述了多立克（Doric）、爱奥尼克（Ionic）和科林斯（Corinthian）柱式的演变及其内在的比例逻辑。我们不仅仅停留在区分柱头装饰的层面，更着重分析了菲迪亚斯和伊克蒂诺斯如何运用“视差修正”——一种精妙的视觉欺骗，使帕特农神庙在远观下呈现出完美的正直感。这种对“理想形式”的追求，奠定了此后两千年西方建筑的几何规范。 第三章：罗马的拱与穹顶：工程学的革命 罗马人继承了希腊的形体美学，但他们的真正革命在于对材料和工程技术的掌握。本章重点分析罗马人如何普及和优化了拱、券和穹顶（特别是万神殿的巨型无支撑穹顶）。我们将考察罗马混凝土（Opus Caementicium）的发明如何使得空间不再受限于梁柱的跨度，从而实现了体量上的宏伟和内部空间的自由流动。这种技术突破，直接重塑了公共建筑的形态。 第二部分：中世纪的垂直与光影的哲学 第四章：拜占庭的“天光”：圣索菲亚大教堂的结构奇迹 东罗马帝国将建筑提升到神学表达的新高度。圣索菲亚大教堂不仅仅是一个空间，它是一个试图捕捉“神性光芒”的容器。本章将解析其复杂的扶壁系统和巨大半球形穹顶的平衡机制，解释这些结构如何被设计来消弭物质的厚重感，使光线成为建筑的最高主宰。 第五章：哥特式骨架：向上生长的理性体系 本书将哥特式大教堂视为中世纪工程学的高峰。我们不再把飞扶壁（Flying Buttresses）仅仅视为装饰元素，而是将其视为一种革命性的“外置骨骼系统”。这种结构解放了墙体，使得建筑师能够用巨大的彩色玻璃窗取代实体墙面。本章通过对沙特尔和兰斯大教堂的细致剖析，展示了“尖拱”和“肋拱”如何通过精确的力学传递，将垂直的冲动转化为稳定的结构形态。 第六章：浪漫的回归：罗马式粗犷与地方材料 在哥特式盛行的同时，罗马式建筑以其厚重的墙体、半圆拱和坚实的墩柱，维持了一种与土地紧密相连的务实美学。本章探讨了修道院和城堡中体现的防御性几何，以及不同地域如何根据当地石材的特性，发展出独特的结构肌理。 第三部分：文艺复兴到启蒙：比例的复兴与新科学的介入 第七章：文艺复兴的理想城：透视法与黄金分割的回归 文艺复兴的核心是对古典人本主义的重新发现。布鲁内莱斯基和阿尔伯蒂不仅仅是建筑师，他们是几何学家。本章深入探讨了文艺复兴时期对完美对称、清晰轴线和基于人体尺度的“和谐比例”的迷恋。我们分析了基于线性透视原理的平面规划如何定义了“可见的世界”，并将这种数学上的确定性投射到建筑空间中。 第八章：巴洛克的动势：曲线与光影的戏剧性 巴洛克是对文艺复兴静态和谐的一种反叛，但它的“动势”依然建立在对几何学的精通之上。本章研究伯尔尼尼和博罗米尼如何利用椭圆、波浪形立面和凹凸变化，创造出具有强烈情感张力的建筑体验。这里的结构不再是简单的承重，而是用来引导视线和情绪的工具。 第九章：启蒙时代的理性几何：古典主义的标准化 十八世纪的建筑倾向于回归简洁和清晰的几何形态，这是对巴洛克复杂性的修正。本章考察了以帕拉第奥主义为代表的，对清晰的几何体块（立方体、球体）的推崇，以及这种理性结构如何与新兴的工业标准和城市规划思想相结合。 第四部分：工业革命与现代的解构 第十章：铁与玻璃：结构可见性的诞生 工业革命带来了钢铁和玻璃的量产，这彻底改变了结构的可能性。水晶宫和埃菲尔铁塔是这一变革的先声。本章分析了这种新材料如何促使建筑师从传统的“墙体承重”思维转向“框架结构”，使得建筑的“骨架”本身成为审美的对象。结构不再需要被隐藏。 第十一章：包豪斯的简约与功能至上 进入二十世纪，现代主义建筑运动将结构与功能的关系推向极致。我们研究格罗皮乌斯和密斯·凡德罗如何通过“少即是多”的原则，追求普适的、可复制的几何纯粹性。本章详细解析了钢筋混凝土框架和幕墙系统，展示了这些技术如何催生出清晰的立方体体块，以及这种极简的几何表达如何与工业生产的效率观紧密契合。 结语：结构作为持续的对话 《建筑几何的诗意》最终将建筑视为人类文明在特定材料和技术限制下，对永恒几何真理的持续探索。从古希腊的柱式到现代的悬挑结构，我们看到的是一条线索——结构始终是形式的约束，也是形式的解放者。本书旨在激发读者以一种更具几何敏感性和历史深度的眼光，去审视我们周围的建造环境。

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这本书的叙事风格非常具有说服力，它以一种近乎于对话的口吻，引导读者穿越二十世纪初的艺术动荡期。作者似乎在亲自讲述这些流派是如何相互竞争、相互影响，最终塑造了我们今天所理解的现代舞的面貌。它详尽地描述了诸如“中心与外围”（Center and Periphery）概念在不同流派中的权力转移——比如，从早期强调躯干的内在能量，到后来更注重四肢向外延伸所构建的空间关系。这种带有叙事感的写作方式，使得原本枯燥的术语学习过程充满了戏剧张力。你不是在背诵字典，而是在追踪一场影响深远的艺术革命。对于那些对舞蹈历史充满好奇，但又对传统教科书的刻板印象感到厌倦的人来说，这本书提供了一个充满活力的替代方案。它成功地将技术细节融入宏大的文化背景叙事之中，让人在掌握“如何做”的同时，深刻理解了“为何而做”。

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这本书的排版和视觉呈现，为严肃的理论探讨增添了一抹恰到好处的艺术气息。尽管内容涉及大量的技术解析，但编排上十分注重读者的视觉体验。它巧妙地运用了不同字重和版式设计，将关键定义、历史注释和技术解析区分开来，使得信息获取的效率大大提高。更令人惊喜的是，作者在阐述一些涉及空间感知的术语时，所配的插图并非是那种僵硬、模式化的线条图，而是更具动态捕捉意味的速写，似乎能让你在纸面上感受到动作的瞬时张力。这种对细节的关注，体现了出版方对“现代舞”这一主题的深刻理解——它不仅仅是知识的堆砌，更是一种活生生的、需要被感知的体验。我发现自己常常停下来，仅仅是看着那些图示和段落的布局，就已经在脑海中重新构建起一段复杂的移动序列。对于那些渴望将理论知识转化为舞台实践的实践者来说，这种直观与抽象的完美融合，是这本书最宝贵的价值所在。

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从读者的角度来看，这本书最大的成功之处在于它构建了一个自洽且具有扩展性的术语生态系统。它没有满足于介绍已有的、被广泛接受的词汇，而是勇敢地触及了一些仍在流变中的、尚无定论的概念。例如，它对“后现代舞”早期阶段中对“日常动作”的挪用进行了细致的辨析，区分了它与早期现代舞中对“自然状态”追求的本质区别——前者是对形式的解构，后者是对人性本真的回归。这种对“边界地带”术语的挖掘和定义，使得这本书的参考价值超越了仅仅是学习基础知识的范畴，它变成了一本可以陪伴舞者和学者进行持续研究的工具书。每次重读，都会因为自身经验的增加而对某些术语产生新的理解和共鸣，这是一种难得的阅读体验。它要求读者带着批判性的眼光去吸收，而不是全盘接受，这种开放性正是现代舞精神的体现。

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这部著作对于理解现代舞的动作原理和历史脉络，无疑是一次深入的探索。它没有流于表面地罗列名词，而是将每一个术语置于其产生的历史背景和技术语境中进行剖析。例如，对“悬与落”（Suspension and Release）的阐述，绝非简单的动作描述，而是追溯了格雷厄姆和邓肯等先驱者如何通过对人体重力的重新理解，颠覆了古典芭蕾的垂直束缚。书中对肢体分离（Isolation）的讨论，也极其细致，它不仅解释了如何独立地移动躯干的各个部分，更强调了这种技术在构建现代舞独特造型美学中的作用。作者似乎深谙理论与实践相结合的重要性，即便是最抽象的哲学概念，也能通过清晰的身体图示和练习示例来加以佐证，使得读者，尤其是那些正在进行舞蹈训练或研究的舞者，能够立刻在自己的身体上找到对应的感觉。阅读过程仿佛进行了一次精密的解剖，将现代舞这门复杂的艺术形式，层层剥开，显露出其内在的逻辑结构与美学追求。这种详尽的梳理，使得原本晦涩难懂的术语体系变得触手可及，极大地提升了对当代编舞作品的鉴赏能力。

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我必须承认，这本书的学术深度远超我的预期。它更像是一部深入的舞蹈人类学研究，而非简单的术语手册。作者在追踪某些关键动作术语（比如“地板工作”或“动态的流动性”）的演变时，清晰地描绘了二战后现代舞如何从欧洲的先锋实验走向美国的主流剧场，并在此过程中吸收和融合了不同地域的肢体文化。特别值得称道的是，书中对于“即兴”（Improvisation）这一概念的处理，它没有将其视为一种随性的表演，而是将其置于结构化的框架内，探讨了如何通过限定条件（如空间、时间、能量的限制）来激发创造力的过程，这对于编舞研究者来说是极具启发性的。阅读这本书，需要一定的耐心和对舞蹈史的基本了解，因为它不会迎合初学者的认知习惯，而是直接将读者带入到高阶的理论辩论之中。随处可见的文献引用和脚注，也印证了作者在研究上的严谨态度，让人相信所读到的每一个定义都经过了长时间的沉淀和检验，是对现代舞理论发展史一次里程碑式的梳理。

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