Degas Landscapes pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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☆☆☆☆☆

出版者:Yale University Press

作者:Mr. Richard Kendall

出品人:

页数:322

译者:

出版时间:1993-12-29

价格:USD 80.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780300058376

丛书系列:

图书标签:

艺术
Degas
Landscape
Impressionism
Art
Painting
French Art
19th Century
Museum Collection
Exhibition
Monographs

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具体描述

Degas is renowned for his masterful studies of the human body - powerfully rendered paintings of dancers, jockeys, washerwomen, and bathers. It is less well known, however, that he also produced challenging and varied landscapes at almost every phase of his career - from this early travels in Italy, to his association with the impressionist movement, and to into his final decades. Remarkably, Degas chose the subject of landscape for his only one-person show in 1892. This illustrated book by Richard Kendall deals with Degas's landscapes, relating them to his other work and to evolving views of art. Kendall demolishes the myth of Degas's indifference to the landscape art. He traces Degas's first experiments in watercolour, oil, and etching; his progress as a painter of equestrian scenes and pastel seascapes in the 1860's; and his association with Pissarro, Cassatt, and Gauguin and rivalry with Monet and Cezanne in the middle of his career. Kendall provides a details examination of Degas's audacious colour monotypes from the early 1890's, showing how they reveal the artist's engagement with contemporary colour printing, his interest in Japanese art, his involvement with symbolism, and his affinity for contemporary philosophy and literature. He concludes by discussing the last flowering of Degas's landscape activity - the little-known series of paintings produced at Saint-Valery-sur-Somme in the late 1890s - and with the help of photographic evidence proves that these pictures relate directly to surviving streets and buildings, often in radical and innovative ways. Illustrated with many previously unpublished works, this book demonstrates that Degas had an affectionate, original , and complex relationship with the landscape, a relationship that has profound implications for this more familiar repertoire of subjects. The book accompanies an exhibition of Degas's landscapes opening at the Metropolitan Museum of Art in January 1994 and at the Museum of Fine Arts in Housten in April 1994.

《远方的回响：二十世纪西方艺术的地理与心灵图景》一部探索现代性景观、个人心灵与宏大历史交织的艺术史画卷内容简介：《远方的回响：二十世纪西方艺术的地理与心灵图景》并非聚焦于某一位艺术家或某一种特定的艺术流派，而是一部宏大叙事下的地理学、心理学与艺术史的跨界研究。本书以“空间经验”为核心探针，深入剖析了二十世纪西方艺术领域中，艺术家如何通过对地理环境、社会空间、以及内在心理空间的感知、重塑与表达，来回应时代巨变、技术革新与存在主义危机。本书摒弃传统的、以风格流派为纲的编年史叙事，转而采纳一种“地图学”式的结构。我们首先将目光投向艺术家们在“物理世界”的行走与定居：从布莱顿的海岸线到柏林的工业废墟，从纽约的摩天大楼到普罗旺斯的田园废墟，探讨这些具体的地理坐标如何成为艺术创作的母题与反思的基石。第一部分：边缘的拓扑学——城市、工业与现代性的迷宫本部分聚焦于现代城市空间的崛起及其对个体精神世界的冲击。二十世纪初期，随着工业化进程的加速，城市不再仅仅是人口的聚集地，而成为一种全新的、充满异质性与焦虑感的“人工景观”。我们将详细分析立体主义（Cubism）如何解构了传统透视法，从而象征性地拆解了城市空间的连续性；表现主义（Expressionism）在德累斯顿和柏林街头的扭曲与呐喊，如何捕捉了现代都市化带来的精神疏离感。我们深入探讨了摄影与电影如何成为新的“城市漫游者”的工具，记录下现代社会中流动的、难以捕捉的瞬间。例如，对拉约什·克皮拉（Lajos Kassák）和匈牙利构成主义者关于工厂流水线与城市几何结构的研究，揭示了他们如何试图在混乱中建立新的秩序。特别关注被工业化进程吞噬的“非景观”（Non-Places）——火车站、港口、以及被污染的河流。这些空间成为了达达主义和早期超现实主义艺术家反思资本主义逻辑和传统美学的试验场。第二部分：心灵的纬度——潜意识的地图绘制与内在的风景如果说外部世界是艺术的疆域，那么潜意识则是艺术家私人的、未被殖民的领域。本部分深入探讨了弗洛伊德精神分析理论对艺术的深刻影响，特别是艺术家们如何“绘制”出人类心智的隐藏地形图。超现实主义（Surrealism）是这一时期的核心案例。但我们不满足于简单的意象罗列，而是探讨安德烈·布勒东（André Breton）所提倡的“客观性自动主义”如何成为一种“心灵地理学”的实践。马克斯·恩斯特（Max Ernst）在森林与废墟中寻找的“自然拼贴”，以及萨尔瓦多·达利（Salvador Dalí）对梦境的精确描绘，都被视为对僵硬的现实世界进行的一种内在的、反向的殖民。我们还将考察“内向型景观”的形成。抽象表现主义（Abstract Expressionism）——尤其是那些强调“行动绘画”的艺术家——他们的画布不再是风景的再现，而是心灵能量场域的直接记录。杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）的滴画，被视为一种在画布上进行的“即兴的、充满内爆力的宇宙爆炸”。第三部分：被遗忘的疆域——后殖民语境与“他者”的风景进入二十世纪下半叶，全球化进程加速，艺术家的目光开始转向被西方中心主义忽视或歪曲的地理空间。本部分关注艺术如何介入政治地理与身份认同的冲突。我们研究了战后欧洲知识分子对美国文化霸权的批判性反思，以及艺术家如何利用挪用（Appropriation）和波普艺术（Pop Art）的语汇，对消费主义的“景观社会”进行解构。安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的丝网印刷，揭示了名流肖像与商品标签之间界限的消融，这本身就是对“符号景观”的批判性观察。更重要的是，我们探讨了在后殖民浪潮中，艺术家如何重新定义“异域”（Exotic）这一概念。许多来自非西方背景的艺术家开始挑战西方艺术史中对他们的“他者化”描绘，通过回归自身文化符号和传统材料，构建了具有强大政治穿透力的“他者景观”。这部分内容涵盖了对环境艺术（Land Art）中，艺术家与自然环境进行对抗或和解的复杂关系，例如那些在广袤荒野中进行大规模创作的实践，它们是对过度城市化的一种消极抵抗。第四部分：时间的沉积与未来的地层学——概念艺术的终极撤离本书的最后一部分转向了艺术如何从具象的地理空间“撤离”到纯粹的观念空间。概念艺术（Conceptual Art）是这场“景观革命”的终点，它宣告了对传统意义上“风景”描绘的彻底超越。当艺术品回归为信息、文本或指令时，艺术家所描绘的“风景”变成了时间本身、知识结构或社会系统的隐喻。约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth）对“椅子”的定义，是对我们感知和定义“物体”这一行为的地理（即认知空间）的重划。我们分析了概念艺术如何将艺术的场域从画廊和博物馆（物理空间）转移到阅读、讨论和批判（思想空间）。结语：回响的意义《远方的回响》最终总结道，二十世纪的艺术史是一部关于“失落”与“重构”的地理学史。艺术家们试图在两个核心领域中寻找立足点：一是物理环境的急剧变化（城市化、战争、全球流动），二是内在心灵的剧烈动荡（焦虑、潜意识的发现）。本书致力于展示，即使是最抽象的作品，也深深根植于艺术家所处的特定时空背景之中，而这些根源构成了理解二十世纪西方艺术复杂性的关键钥匙。本书适合艺术史研究者、文化地理学爱好者，以及所有对现代性如何重塑我们对“空间”和“自我”的理解感兴趣的读者。它提供了一个全新的、多维度的视角，去重新阅读那些我们以为已经熟悉的作品。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本关于17世纪荷兰黄金时代市民生活的田园风俗画解析，简直是教科书级别的作品。它巧妙地避开了传统艺术史中对少数几个大师的过度聚焦，而是将目光投向了那些描绘家庭、市集和日常劳作的“小”画家们。作者的论述逻辑非常清晰，他将社会经济背景、新教伦理观与画面中的每一个细节——无论是桌上的水果、窗外的光线布局，还是人物的服饰——都一一对应起来，构建了一个严密而又生动的十七世纪阿姆斯特丹微观世界。我尤其喜欢他对“室内场景”中“光”的分析，那种从左上方射入的、略带清冷感的自然光，如何不仅仅是照明工具，更是道德纯洁性和精神宁静的象征。书中的学术语言非常精准，但得益于丰富的图例注释，即便是复杂的主题也能被轻松消化。它让我明白了，那些看似简单的日常场景背后，蕴含着多么复杂的文化密码和时代精神。读完后，再看伦勃朗的画作，都会多出一层对当时社会肌理的理解。

评分☆☆☆☆☆

我最近看了一本关于维多利亚时代早期摄影技术演变的专著，里面的内容简直是一场技术与美学的盛宴。作者的叙事节奏掌握得极其精妙，从达盖尔银版法的早期实验，到塔尔博特湿版法的逐渐普及，每一步的技术革新都被梳理得清晰明了，毫不晦涩难懂。最让我震撼的是他对化学过程的描述，那些复杂的感光材料和显影液配方，竟然被作者用近乎诗意的语言描绘出来，让一个非化学专业出身的我都能感受到那种“捕捉光影”的魔力。书中穿插了大量来自当时的私人信件和技术手册的引文，使得历史的现场感扑面而来，仿佛我就是那个在昏暗的工作室里，屏住呼吸等待影像出现的学徒。那些早期摄影师面对材料不确定性时的焦虑和狂喜，被描绘得淋漓尽致。这本书的排版和插图选择也极其考究，那些泛黄的早期照片的复制效果，完美地还原了那个时代的质感。它不仅是一部技术史，更是一部关于人类如何试图凝固时间的史诗，读完后对“记录”这件事本身都产生了更深的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

这本关于塞尚早期素描的研究简直让人爱不释手，尤其是在对光线和形式的探索上，作者的洞察力非同一般。他并没有仅仅停留在对作品表面的描摹，而是深入挖掘了塞尚在不同时期，特别是受到巴比松画派影响时期的那种挣扎与突破。那些关于笔触力度和材料特性的细腻分析，仿佛能让我隔着纸张感受到颜料的厚度和画布的纹理。我特别欣赏作者在对比不同博物馆藏品时所展现出的那种严谨的学术态度，每一个细节的考证都显得尤为扎实。读完之后，我对“结构即色彩”的理解又上升到了一个新的层次，不再是空泛的理论，而是具象化在那些粗犷的线条和不稳定的透视之中。唯一略感遗憾的是，关于塞尚与同时代其他后印象派画家之间思想交流的探讨可以再深入一些，虽然提及了高更，但那种辩证的碰撞感似乎还不够充分。不过，总的来说，对于任何想真正理解塞尚“绘画的本质”的艺术爱好者或学生来说，这本书都是一本不可多得的指南，它提供了一个全新的视角来重新审视这位现代艺术巨匠的开创性工作。

评分☆☆☆☆☆

这本关于中国宋代点茶文化对日本茶道演变影响的比较研究，视角独特且论证详实。作者的高明之处在于，他没有简单地将“禅宗”作为唯一的连接点，而是细致地对比了宋代士大夫阶层中“尚雅”的生活方式与镰仓、室町时期武士阶层对仪式感的接受和改造过程。书中对“斗茶”习俗的社会功能分析，揭示了点茶在宋代如何从一种休闲活动，转变为一种精英阶层身份的象征。随后，作者用大量的篇幅展示了这种物质文化是如何随着僧侣的往来，在日本不同寺院中“本土化”的，例如对“侘寂”美学理念的融入，如何改变了原本的审美倾向。尤其值得称赞的是，作者在描述茶器演变时所引用的考古数据和出土记录，这些一手资料的运用极大地增强了论点的可信度。阅读过程中，我仿佛能闻到宋瓷碗中抹茶的清香，并清晰地感受到文化在跨越国界和时间时所经历的微妙变异和重塑。这是一部融合了艺术史、社会学和文化人类学的佳作，格局开阔，令人深思。

评分☆☆☆☆☆

我对当代实验电子音乐的历史脉络一直很感兴趣，但市面上大多书籍都偏向于技术理论的堆砌，或者只是简单的时间线罗列。然而，这本探讨1970年代末至1990年代初欧洲“噪音”音乐场景的书籍，彻底颠覆了我的认知。它真正做到了将声音的实验性与亚文化的社会抵抗性紧密结合起来。作者并非只是罗列那些使用了扭曲合成器和磁带循环的音乐家名字，而是深入挖掘了在冷战背景下，柏林、伦敦和东京的地下场景如何通过“拒绝和谐”来表达对主流文化的疏离和不满。书中对几个关键的独立厂牌的运作模式和美学纲领的剖析，细致到令人发指，它们如何用极低的预算制作出极具冲击力的唱片，这本身就是一种反主流的艺术行为。叙事风格非常具有冲击力，大量的采访原文和现场照片，让那种原始的、未经过滤的能量感得以传递。它不仅仅是音乐史，更是一部关于“不和谐”如何成为一种强大表达力量的宣言。

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