具体描述
Culled from Tony Barr's 40 years' experience as a performer, director and acting teacher in Hollywood, this highly praised handbook provides readers with the practical knowledge they needwhen performing in front of the camera. This updated edition includes plenty of new exercises for honing on-camera skills; additional chapters on imagination and movement; and fresh material on character development, monologues, visual focus, playing comedy and working with directors. Inside tips on the studio system and acting guilds make it particularly helpful for people new to the business, and numerous anecdotes from actors such as Morgan Freeman and Anthony Hopkins and examples from current movies illustrate its many lessons. It is perfect for acting classes, workshops, all actors who work in front of the camera -- and all those who want to.
作者简介
托尼·巴尔（Tony Barr，1921—2002），演员、制片人、表演教师，美国演员工会、导演工会成员。早年在百老汇从事表演和舞台监督工作，后在好莱坞出演了大量影视剧。20世纪50年代进入哥伦比亚广播公司担任制片人，代表作有电视剧《高潮！》（Climax！）、《90分钟剧场》（Playhouse 90）等。之后，在美国广播公司工作13年，任至节目执行副总裁，又重返哥伦比亚广播公司，任节目执行副总裁至退休。1960年在洛杉矶创办了电影演员工作坊，打破基于舞台的传统训练模式，率先将摄影机引入了演员的培训。
刘亚，美国威斯康辛州劳伦斯大学学士、哥伦比亚大学硕士。曾担任果壳网和《自然》杂志中英文稿件译者，译著有《表演训练手册》（合译）。
目录信息
读后感
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用户评价
这部书简直是表演艺术殿堂里的一颗璀璨明珠，光是翻开它的扉页，就能感受到一股扑面而来的专业气息。我特别欣赏作者在叙事上的那种娓娓道来，仿佛他不是在教授技巧，而是在分享多年的舞台和幕后心得。书中对于情绪捕捉和眼神交流的细致入微的分析，对于任何渴望在镜头前有所突破的演员来说，都是无价之宝。比如，它花了整整三章的篇幅来探讨“无声的表达”，那种对微表情的解构，简直是教科书级别的范本。我记得有一次我在排练一个需要极度克制的角色时，突然想起书里提到的那个关于“内心独白的外化”的练习，立刻就找到了突破口。而且，这本书的排版和配图也十分讲究，那些老电影的剧照不仅仅是装饰，更是对理论的生动佐证。阅读过程中，我甚至能想象到作者在录音棚里录制旁白时的那种专注，那种对每一个音节的精确拿捏，都渗透到了文字的肌理之中。它不仅仅是指导你如何“做”一个表演，更是引导你去“成为”那个角色，这种深层次的引导，是市面上许多浮夸的表演指南所不具备的。
评分我必须承认，这本书的阅读体验是相当“磨人”的，但这种“磨人”恰恰是它价值的体现。它要求读者必须全神贯注，因为作者的论述密度极高，一个句子可能就包含了多层的含义，如果分心走神，很容易错过关键的转折点。它对“光线与表演情绪的互动”的讨论，简直是摄影系和表演系学生必读的跨界教材。作者通过解析不同布光方式如何影响演员的肢体语言和面部肌肉的紧张度，成功地将表演艺术提升到了物理学的层面。例如，书中对伦勃朗光下如何利用阴影来增强角色的内心挣扎的分析，让我对光影的理解完全升级了。这本书的语言风格是那种充满力量感的、近乎命令式的，它不是在“建议”你做什么，而是在“要求”你必须做到什么，这种强硬的态度反而激发了我的斗志。它成功地在“艺术性”和“技术性”之间架起了一座坚不可摧的桥梁。
评分与其他只关注“如何让自己看起来自然”的书籍不同，这本书似乎更关注“如何在镜头前精确地‘不自然’”。它对“镜头感”的阐述是颠覆性的。作者认为，镜头感不是一种天生的直觉，而是一套可以通过训练精确掌握的空间几何学。书中有一个章节专门用来拆解不同焦距镜头下，演员需要调整的面部焦点和身体朝向的细微差别，配有大量的对比图表，逻辑清晰到令人发指。我发现自己以前在镜头前那种“用力过猛”的感觉，很多时候是因为没有准确理解镜头所需要的“表演输入量”。这本书的语言非常学术化，充满了精确的术语，但它巧妙地通过大量的场景重构和案例分析，将这些复杂的概念转化成了可操作的指令。读完它，我感觉自己像是完成了一次高强度的专业体能训练，虽然过程艰辛，但最终带来的表演自信和技术精确度是空前绝后的。
评分这本书的结构安排得极其精妙，它不像传统教科书那样僵硬，反而更像是一部按部就班的修行手册，从基础的身体感知，到复杂的情感层次构建，层层递进，逻辑严密得让人佩服。我尤其推崇其中关于“即兴与剧本的辩证关系”那一章。它没有主张完全放弃剧本，也没有鼓吹无限制的自由发挥，而是给出了一个如何在既定框架内实现最大化创造力的黄金比例。作者用了很多具体的场景分析来佐证观点，那些案例的选取都非常巧妙，大多来自一些不那么为人熟知但表演极为精湛的独立电影片段，这显示了作者深厚的行业洞察力。读完这一部分，我立刻开始尝试将角色的“潜台词”进行可视化训练，效果立竿见影。而且，全书贯穿的哲学思辨——即表演的本质是“有目的性的脆弱”——让我对这个行业有了更深一层的敬畏。这不只是一本技术指南，更是一部关于如何管理和释放自我内在能量的哲学著作。
评分说实话，我最初对这类理论书籍是抱持着一种审慎态度的，总觉得它们大多是空洞的说教，难以落地实践。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它最成功的地方在于，它没有沉溺于过往的辉煌历史或晦涩的理论术语，而是聚焦于当代影视制作的实际需求。书中对“数字时代的表演张力”的探讨，简直是神来之笔。它深入剖析了高清镜头下，演员的每一个细微动作是如何被放大和审视的，这种“高解析度”的表演要求，是许多传统表演训练体系所忽略的。我尤其喜欢它提出的那个关于“镜头距离与表演能量分配”的模型，这个模型简单却极其有效，让我明白了为什么有时在舞台上游刃有余的表演，在特写镜头前反而显得矫揉造作。作者的语言风格非常直接，像是一位经验丰富的导演在片场给你“开小灶”，没有丝毫的拐弯抹角，直击问题核心。每一次重读，都能从中汲取新的养分，感觉自己的表演工具箱又多了一把精良的瑞士军刀。
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