Bob Fosse's Broadway pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Heinemann

作者:Beddow, Margery

出品人:

页数:77

译者:

出版时间:1996-8

价格:$ 18.02

装帧:Pap

isbn号码:9780435070021

丛书系列:

图书标签:

• Broadway
• Musical Theatre
• Bob Fosse
• Dance
• Choreography
• History
• Performing Arts
• American Theatre
• Biography
• Stagecraft

剧院的魔术师：二十世纪美国音乐剧的兴衰沉浮 一本深入剖析美国音乐剧黄金时代幕后故事的权威著作，揭示了那些定义了一个时代的舞台奇迹是如何诞生的。 本书带领读者穿越时空，踏入二十世纪美国音乐剧的辉煌殿堂，聚焦于那些塑造了百老汇面貌的伟大创作者、突破性的作品以及不断演变的艺术形式。它不是一部简单的年代史，而是一次对美国流行文化心脏地带的深度挖掘，探讨了音乐、舞蹈、叙事和商业运作如何交织在一起，创造出那种独一无二的、震撼人心的剧场体验。 第一部：根源与奠基（1920s - 1940s） 本书伊始，将目光投向了音乐剧的早期形态——从轻歌剧（Operetta）的浮华，到维也纳流派的入侵，以及美国本土歌舞杂耍（Vaudeville）的粗粝活力。重点阐述了“主题化音乐剧”的萌芽，即叙事开始努力与歌曲和舞蹈融合，而非仅仅是零散表演的堆砌。 我们详细考察了乔治·格什温（George Gershwin）和科尔·波特（Cole Porter）如何将爵士乐和古典音乐的元素大胆地融入舞台，他们的作品，如《哦，船上来了》（Oh, Kay!）和《但以理爵士》（Jubilee），是如何在题材上开始触及美国社会现实的。 随后，焦点转向了奠定现代音乐剧基石的关键转折点：《俄克拉荷马！》（Oklahoma!）。本书会深入分析理查德·罗杰斯（Richard Rodgers）与奥斯卡·汉默斯坦二世（Oscar Hammerstein II）如何革命性地将舞蹈（特别是利用现代芭蕾元素）提升到与情节发展同等重要的地位，使之成为推动故事的“语言”，而非单纯的插曲。我们探讨了他们作品中对严肃主题的探讨，比如种族偏见（《南太平洋》）和阶级冲突（《锦城春色》），预示着音乐剧不再只是逃避现实的工具。 第二部：叙事与冲突的深化（1950s - 1960s） 进入五十年代，音乐剧的艺术野心达到了新的高度。这一部分着重描绘了艺术家们如何挑战题材的边界，使得百老汇真正有能力与严肃戏剧对话。 史蒂芬·桑德海姆（Stephen Sondheim）的早期影响被细致分析。本书并非仅仅罗列他的作品，而是研究他如何打破传统的旋律结构和歌词措辞，以更精确、更复杂的方式捕捉人物的内心矛盾。我们对比了伯恩斯坦（Leonard Bernstein）的宏大交响乐式编曲与百老汇的亲密叙事之间的完美张力，尤其是在《西区故事》（West Side Story）中，暴力、爱情与社会隔离被提升到希腊悲剧的高度。 此外，本书还探讨了美国梦的阴影——那些关于企业腐败、权力斗争的音乐剧，如《怎样在商业中成功》（How to Succeed in Business Without Really Trying），以及欧洲音乐剧风格的回归与融合，特别是那些带有浓厚情感色彩的英国作品如何开始影响美国观众的审美取向。这一时期的作品，如《窈窕淑女》（My Fair Lady），展示了即使在最光鲜亮丽的外表下，对社会规范的批判依然潜藏其中。 第三部：反叛与形式的解构（1970s - 1980s） 七十年代是充满动荡的十年，百老汇的传统受到了来自摇滚乐、概念音乐剧的强力冲击。本书详细记录了“概念剧”的兴起，探讨了它们如何优先考虑统一的主题或情绪，有时甚至牺牲了传统意义上的线性叙事。 我们深入剖析了那些将舞台设计、灯光和声音推向极致的作品。大型制作的出现，对舞美技术提出了前所未有的要求，使得制作预算和商业风险都急剧膨胀。同时，我们审视了对经典题材的颠覆性重塑，艺术家们开始审视过去作品中隐藏的性别或种族假设，并试图以更具批判性的视角进行重写或改编。 这一时期，音乐风格也发生了显著变化。摇滚歌剧的尝试、放克（Funk）元素的融入，以及对传统“好人有好报”结局的厌倦，使得剧作的主题更加倾向于道德的灰色地带和角色的复杂性。 第四部：全球化与新声音的涌现（1990s 至今） 本书的收尾部分关注了音乐剧的全球化浪潮以及它如何适应数字时代带来的媒体变革。欧洲（尤其是伦敦西区）的制作模式如何反哺百老汇，以及对“大片效应”的追求如何塑造了九十年代中后期的市场格局。 我们探讨了新一代创作者如何学习前人的技艺，同时又拒绝被既有范式所束缚。他们如何将嘻哈（Hip-Hop）、电子乐以及更多元化的文化语汇整合到音乐剧的结构中，使之能够吸引更年轻、更多元的观众群体。本书着重分析了那些关注边缘群体、历史遗失的叙事，以及如何通过创新的技术手段（如多媒体投影和更精密的音响系统）来拓展剧场的物理边界。 贯穿全书的线索是：百老汇的生命力在于其不断自我审视和重塑的能力。 从二十年代的轻快娱乐到二十一世纪的深刻社会评论，本书提供了一幅详尽的地图，引导读者理解这些舞台上的奇迹是如何在技术、艺术和商业的复杂博弈中得以实现的。它不仅是对杰出作品的纪念，更是对创造这些作品的那些不懈的、充满远见的艺术家们的致敬。

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这本书的语言风格实在是太独特了，它带着一种老派的优雅和犀利的洞察力，读起来让人感觉像是在听一位经验丰富的剧院经理在讲述他亲身经历的传奇故事。叙事中穿插着许多辛辣的业内笑话和对某些僵化体制的毫不留情的批评，这种坦诚和幽默感极大地提升了可读性，使得即便是讨论技术层面（比如灯光设计或舞台机械）时，也不会让人感到枯燥。作者对人性的复杂把握得非常到位，书中的人物形象饱满立体，没有被神化为高高在上的艺术偶像，而是展现了他们作为普通人在面对巨大压力和永无止境的创作追求时所表现出的脆弱、固执与天才的火花。这种对“人”的关注超越了单纯的剧目介绍，使这本书拥有了更深层次的人文关怀和戏剧张力。

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坦白说，这本书的阅读门槛并不低，它假定读者对百老汇的历史脉络和核心人物有一定的基础认知，否则初次接触可能会感到信息量过于庞大。但对于那些愿意沉下心来研究的人来说，这里面藏着无数值得反复咀嚼的宝藏知识点。我发现书中对某些特定的舞蹈动作风格的分析，那种术语的运用精准且富有画面感，让我回想起自己曾经在舞蹈课上学到的那些晦涩的理论，现在忽然在历史的语境下得到了完美的解释和印证。这本书的价值不仅在于记录了历史，更在于它提供了一个思考如何将创新精神融入传统艺术框架的优秀范例。它像是一部严谨的学术研究，但又用讲故事的方式包裹起来，让深奥的艺术理论变得触手可及，非常适合希望将兴趣提升到专业研究层面的读者。

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从一个单纯喜欢舞台表演的观众角度来看，这本书最成功的地方在于它揭示了“魔法”是如何被创造出来的过程。在舞台上看到的那些行云流水般的转场、那些精准到秒的灯光变化，在书里被一层层地剥开，展示了幕后团队无与伦比的组织能力和对细节的苛刻要求。我尤其对某一章描述的如何解决一个在当时看来几乎不可能实现的舞台转场问题印象深刻——那种集体的智慧和无畏的实验精神，真是令人肃然起敬。它让我对每一张戏票背后所蕴含的巨大投入有了全新的理解。看完之后，再去观看任何一场大型演出，我都会不由自主地将目光投向舞台的边缘和角落，去想象那些在黑暗中默默工作的技术人员，这本书无疑是为每一个热爱剧场艺术的“幕后观察者”量身定做的指南。

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读完这本书，我最大的感受是作者在挖掘历史细节上的那种近乎偏执的严谨态度。它不是那种浮光掠影地介绍几部著名作品的成功，而是深入到每一个核心创作人员的日常工作状态、他们之间的协作与冲突，甚至是对剧本修改过程中那些微妙的争论都有所记录。章节之间的逻辑衔接处理得非常高明，它没有采用严格的年代顺序，而是围绕着几个关键的艺术理念和创作里程碑来展开叙事，使得整本书的阅读节奏张弛有度，既有历史的厚重感，又不失故事的连贯性。我尤其欣赏作者在引用第一手访谈资料时的那种克制与精准，那些受访者的原话被巧妙地嵌入到分析中，既增强了论证的说服力，又避免了纯粹的流水账记录，让整个阅读体验充满了智力上的探索乐趣，仿佛自己也参与到了一场关于艺术本质的深度研讨会之中。

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这本书的装帧设计真是令人眼前一亮，那种略带复古的字体搭配上高质量的纸张，让人一上手就知道这是一本用心制作的艺术品。内页的排版也十分讲究，大量的舞台剧照和幕后花絮照片被巧妙地穿插在文字叙述中，光是翻阅这些视觉材料，就已经能感受到那个时代百老汇的辉煌与张力。尤其是那些高清放大的舞者瞬间定格，肢体的线条感、服装的质感，都通过印刷技术得到了很好的还原。我特别喜欢其中关于服装设计变迁的那几个章节，作者似乎对每一件戏服背后的故事都了如指掌，从最初的手稿到舞台上的最终呈现，那种细节的捕捉，让一个局外人也能体会到服装部门付出的巨大心血。它不仅仅是一本简单的图册或传记，更像是一部精心策划的视觉回忆录，让那些已经谢幕的经典瞬间得以在纸面上重现光芒，那种怀旧的情绪和对舞台艺术纯粹的热爱，透过这些精美的图文，深深地打动了我这个并不算资深的戏剧爱好者。

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