The Theatricality of Robert Lepage

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出版者:McGill-Queen's University Press
作者:Aleksandar Sasa Dundjerovic
出品人:
页数:368
译者:
出版时间:2007-07
价格:USD 32.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780773532519
丛书系列:
图书标签:
  • Robert Lepage
  • Theatre
  • Performance Studies
  • Canadian Theatre
  • Multidisciplinary Performance
  • Digital Theatre
  • Intermediality
  • Spectacle
  • Contemporary Performance
  • Visual Theatre
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具体描述

Since the 1980s, multimedia and new technologies have had a great impact on theatre, allowing performance to establish its own language of communication with the audience independent of the written text. Robert Lepage is one of the pioneers and main exponents of mixed-media performance, internationally renowned for a notoriously distinct aesthetic. Aleksandar Dundjerovi?, in the first book to explore Lepage's practical work, offers a comprehensive analysis of his creative process, his "transformative mise-en-scene." The Theatricality of Robert Lepage studies several productions, including The Dragons' Trilogy, Vinci and Tectonic Plates, The Seven Streams of River Ota, Zulu Time, and The Far Side of the Moon. Dundjerovi? provides major new insights into Lepage's creative process through an examination of his workshops, open rehearsals, and performances, as well as interviews with Lepage and his collaborators. Outlining the key production elements of Lepage's theatricality, Dundjerovi? provides a practitioner's view of how Lepage creates as a director, actor, and writer and explores Lepage's practice within both the local Qubcois and the international theatre context.

帷幕之后:探寻加拿大戏剧的革新之路 一部深入剖析二十世纪末至二十一世纪初加拿大戏剧先锋实践的权威著作。 本书带领读者穿越加拿大戏剧界一场深刻的变革浪潮,聚焦于那些挑战传统叙事结构、拥抱跨媒介融合与政治批判的艺术家群体。我们不再关注某一位特定导演的个人风格,而是将目光投向一个更为广阔的、充满活力的剧场生态系统。这不仅是一部艺术史的梳理,更是一场关于“剧场何以为用”的深刻对话。 第一部分:边界的消解——从文本到身体的转向 加拿大戏剧在近三十年来的发展,其核心动力之一在于对传统“文本中心主义”的有力反叛。本书的开篇部分,详尽考察了这一代艺术家如何从根本上重新定义了舞台上的“在场性”。 一、 身体作为抵抗的场域: 我们深入分析了诸如“物理剧场”在魁北克和安大略省的本土化进程。重点探讨了那些拒绝依赖复杂布景或文学对白,转而将演员的身体、呼吸与运动本身视为主要表达媒介的创作群体。书中细致描述了他们如何从欧洲的默剧传统(如拉邦体系)中汲取灵感,并将其融入加拿大原住民的叙事方法或后殖民语境下的身份表达中。我们分析了例如“蒙特利尔身体行动派”如何通过对日常动作的极端提炼,揭示出社会结构对个体经验的压迫。 二、 空间叙事的重构: 传统剧场通常将舞台视为一个封闭的“第四堵墙”内的空间。然而,本书详细剖析了加拿大先锋剧团如何将剧场空间本身转化为叙事的一部分,甚至将其完全打破。这包括对“伸展舞台”(thrust stage)的重新启用、对非传统场所(如仓库、废弃工厂或公共广场)的介入式使用(site-specific performance)。我们重点分析了那些专注于“环境剧场”(environmental theatre)的团队,探讨他们如何利用灯光、声音和气味,迫使观众走出被动观赏的地位,成为场景的参与者或共谋者。 三、 媒介的杂糅与“混合现实”的萌芽: 在技术应用方面,本书描绘了加拿大剧场如何领先于许多其他地区,主动拥抱数字媒体与舞台艺术的结合。我们考察了早期对视频投影、互动装置、以及实时数据流的舞台集成。这并非简单的技术装饰,而是作为一种叙事手段——探讨在信息过载时代,观众如何感知真实与虚构的界限。书中对比分析了不同地区(如温哥华的数字艺术中心与多伦多的实验剧社)在技术接纳度上的差异及其背后的文化动因。 第二部分:身份的碎片与政治的介入 加拿大复杂的多元文化格局,为剧场提供了无尽的冲突与张力。本书的第二部分,将焦点放在剧场如何作为社会批判的锐利工具,处理从殖民历史到全球化冲击下的身份焦虑。 四、 原住民剧场:重述历史的声响: 本章详细梳理了原住民剧作家和表演者群体如何通过剧场,挑战主流历史叙事中对他们的边缘化和刻板印象。我们探讨了“故事讲述者”(storyteller)在剧场中的回归,这种回归不仅仅是形式上的,更是对传统知识体系和口述历史的复兴。书中分析了那些将神话、梦境与当代政治抗议相结合的作品,它们如何以非线性的方式,揭示了土地权、文化存续与世代创伤的复杂纠葛。 五、 后殖民语境下的语言实验: 加拿大作为英法双语国家,其戏剧本身就内含着语言权力的冲突。本部分聚焦于移民艺术家和少数族裔剧作家,他们如何通过混用语言(Code-switching)、发明新的混合语汇,或者故意使用被视为“非标准”的方言,来解构主流文化的语言霸权。这部分内容深入研究了剧场对“翻译的困境”——即身份在不同文化和语言间迁移时所经历的失真与重构——的戏剧化呈现。 六、 女性主义与酷儿视角的剧场建构: 我们考察了加拿大剧场界中女性艺术家和LGBTQ+群体所推动的叙事转向。这包括对“私密性”与“公共性”界限的重新划定,将个人经验提升到政治宣言的高度。书中分析了她们如何运用幽默、荒诞主义以及对身体的直接介入,来挑战传统的性别规范和父权结构,开辟出一种更为多义和流动性的身份表达空间。 第三部分:体制的张力与未来的可能 加拿大戏剧的实践,总是与公共资助体系、大学教育以及国际艺术交流网络紧密交织。 七、 资助体系与艺术自主性的博弈: 本书探讨了加拿大国家艺术委员会(Canada Council for the Arts)等资助机构,在推动创新与保持文化主流性之间所扮演的微妙角色。我们分析了实验性剧团如何在争取生存资金的同时,保持其激进的艺术立场和对体制的批判精神,以及这种资助模式如何塑造了不同城市(如多伦多、蒙特利尔、哈利法克斯)的艺术前沿形态。 八、 学院派与地下实践的对话: 最后,本书审视了剧场教育机构在培养新一代艺术家中所扮演的角色。它对比了主流戏剧学院的古典训练与独立剧团的“现场学习”模式,探讨了两者之间紧张而富有成效的互动关系。我们考察了那些从学术殿堂走出,却拒绝被既定范式束缚的创作者,以及他们如何将理论思辨转化为具有生命力的舞台实践。 总结: 《帷幕之后》提供了一幅详尽的地图,描绘了加拿大戏剧在后现代思潮冲击下,如何重塑其艺术语言、拥抱技术变革,并坚定地将社会政治议题植入其核心。它是一份对加拿大当代剧场精神的深度致敬,也是对未来剧场形态的积极展望。本书对所有关注全球实验剧场、身份政治以及媒介融合艺术的学者、导演和观众,都具有不可替代的参考价值。

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老实说,阅读过程中我不断地停下来,合上书本,走到窗边凝视远方,试图将书中所蕴含的某种“节奏”与我日常的感知对接起来。这并非一本轻松的读物,它要求读者投入相当的精力去跟上作者的思维速度和广度。它所构建的世界观,似乎是建立在对传统戏剧范式的颠覆之上,它似乎在勇敢地探索,当“戏剧”这个概念被拉伸到极致时,它还能承载多少非戏剧性的内容,而又不失其核心的张力。这种对边界模糊化的探索,让人感到既兴奋又略带不安,正如同任何一次真正具有创新性的艺术实践一样,它挑战了我们固有的审美惯性,迫使我们去重新定义“观看”的意义。

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这本书给我的最大触动,在于它对“构建”这一行为本身的迷恋。我能从中体会到一种近乎建筑师般的精确感,即如何通过有意识地控制每一个元素——无论是材料的选择、时间的流逝感,还是叙事节奏的断裂与重连——来完成一个整体性的、具有强大情感穿透力的作品。这不仅仅关乎技术层面的精湛,更是一种对人感官系统的精细调校。它似乎在暗示,舞台不是世界的模仿,而是世界的一种更纯粹、更具目的性的重塑。这种重塑的过程,必然充满了妥协与突破,而作者似乎对这个充满张力的“创造”过程本身,抱有一种近乎浪漫的敬畏。

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这部作品简直是打开了我对舞台艺术理解的一扇新窗,虽然我没法直接评论书里具体讲了什么,但光是能感受到那种对表演本质的深刻挖掘,就足以让人心潮澎湃。它似乎在探讨的,是如何将日常经验提炼、升华,最终呈现在一个具有高度仪式感的空间里。我能想象作者是如何细致地剖析了光影、空间调度以及演员身体语言之间那种微妙的、近乎哲学的关联。每一次幕启,都不再仅仅是场景的转换,而更像是一种能量的重组,一种对观众既有认知体系的温柔颠覆。这种对“在场感”的执着追求,让人不禁思考,一个伟大的剧场体验,究竟是依赖于文本的厚度,还是更仰仗于导演构建的那个特定时刻的“真实性”的强度。它让人对“表演即生活”这句话有了更立体、更具批判性的认识,促使我反思自己以往观看戏剧时,那些不经意间被忽略的、潜藏在台面下的那些复杂运作。

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读完这种层面的探讨,我的观剧体验仿佛被重新校准了频率。它没有直接告诉我哪些是好戏,哪些是坏戏,而是提供了一套更为精密的“解码器”,让我得以穿透那些华丽的舞台效果,直抵创作核心的驱动力。我感受到了作者对于媒介边界的强烈兴趣,那种似乎不满足于传统剧场框限的野心,总是在字里行间隐约流露出来。那种渴望将剧场拉出其既有的物理空间,探索其在当代语境下无限可能性的冲动,是如此的鲜活和引人入胜。这种探究,显然超越了简单的艺术评论范畴,更像是一场关于视觉文化和身体政治学的深度对话。它迫使读者去质疑,在一个影像无处不在的时代,剧场艺术如何能够保持其独有的、不可复制的、那种稍纵即逝的震撼力量。

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我喜欢那种毫不妥协的、近乎学术研究的严谨态度,即使我无法确切地知道它引用的案例是什么,但那种对论点的步步为营和层层深入,建立起了一个令人信服的理论框架。它散发出的气息,是那种将艺术创作视为一种严肃的、需要系统性拆解的智力活动的信念。这种分析的深度,不是那种浮于表面的赞美或批评,而是深入到美学选择背后的文化逻辑与个体意志的交锋。它像是在邀请我们一同参与到一场高难度的智力游戏,去辨识那些隐藏在视觉奇观之下的、支撑起整个宏大结构的内在逻辑链条。这对于任何一个希望从“被动接受者”转变为“主动参与者”的艺术爱好者来说,都是一次宝贵的训练。

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