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出版者:Distributed Art Pub Inc

作者:Gronlund, Melissa

出品人:

页数:496

译者:

出版时间:2006-12

价格:$ 33.90

装帧:Pap

isbn号码:9780952741497

丛书系列:

图书标签:

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艺术的浪潮与时代的脉搏：聚焦 2006-2007 年间全球艺术图景的宏大叙事 本书旨在勾勒 2006 年至 2007 年间，全球当代艺术领域所经历的深刻变革、新兴趋势以及权力结构的微妙转移。这一时期，艺术市场以前所未有的速度扩张，艺术品的价格屡创新高，艺术机构的全球影响力日益增强，而艺术创作本身也呈现出多元化、跨学科的复杂面貌。本书将通过深入的个案分析、详实的市场数据梳理以及对关键艺术事件的细致考察，为读者呈现一幅立体、生动的时代画卷。 第一部分：市场的狂热与资本的涌入 (2006-2007) 2006 至 2007 年，被许多艺术评论家视为全球艺术市场泡沫化趋势的集中爆发期。我们首先将剖析这场经济繁荣背后的深层驱动力。 一、 战后婴儿潮一代财富的代际转移与新藏家的崛起： 这一时期，大量积累了财富的战后婴儿潮一代（Baby Boomers）开始将艺术品视为重要的资产配置和身份象征。与此同时，来自亚洲（特别是中国）、中东和俄罗斯的新晋财富阶层迅速成为艺术市场的重要买家。本书将详细分析这些新兴藏家群体对艺术品味和收藏策略的影响，他们如何推高了特定艺术家的市场价值，以及他们对“蓝筹股”艺术品的偏爱如何重塑了拍卖行的格局。 二、 拍卖行的全球化扩张与纪录的不断刷新： 佳士得和苏富比等主要拍卖行在这一时期加速了全球布局，将重点从伦敦和纽约扩展到香港、上海和迪拜。我们将重点研究 2006 年和 2007 年几场里程碑式的拍卖会，分析例如弗朗西斯·培根、安迪·沃霍尔等战后及当代大师作品价格的几何级增长，探讨二级市场对一级市场定价的即时反馈机制。尤其值得关注的是，摄影和当代设计品类在这一时期首次大规模进入主流拍卖视野，标志着艺术品定义边界的拓宽。 三、 商业画廊的“超级画廊”现象： 商业画廊的生态在这一阶段发生了根本性变化。以高古轩（Gagosian）、白立方（White Cube）和豪瑟沃斯（Hauser & Wirth）为代表的“超级画廊”通过激进的扩张策略、对艺术家生涯的全面管理，以及在巴塞尔艺术展（Art Basel）等顶级展会上的绝对主导地位，几乎垄断了顶尖艺术品的流通渠道。本书将探讨这种集中化对中小型画廊生存空间的挤压，以及画廊如何开始直接参与到博物馆层面的学术建构中。 第二部分：艺术机构的转型与全球叙事的重塑 面对市场的巨大能量和全球化的文化流动，艺术机构——尤其是博物馆——的角色也在这一时期经历了深刻的自我反思和调整。 一、 双年展的爆炸性增长与地缘政治的角力： 2006-2007 年，全球双年展的数量和影响力达到了一个新的高峰。威尼斯双年展、光州双年展、圣保罗双年展等不仅是艺术家展示作品的平台，更成为国际文化外交和权力展示的场所。我们将重点分析本雅明·H·D·布赫洛（Benjamin H.D. Buchloh）等批评家对“双年展体制”的批判，探讨策展人如何在保持学术严肃性与满足赞助人期望之间进行艰难的平衡。特别是对于非西方当代艺术的引入，如何从早期的边缘化尝试，逐步转变为构建更具包容性的全球艺术史叙事的关键步骤。 二、 博物馆的“重量级”收购与公共资金的争论： 这一时期，大型博物馆如泰特现代美术馆（Tate Modern）和纽约现代艺术博物馆（MoMA）的收购策略愈发激进，他们需要快速吸收过去二十年的重要作品，以证明其收藏的当代性与权威性。这种大规模的、以市场价格为导向的收购，引发了关于公共机构资金使用是否过度偏向私人市场利益的激烈辩论。本书将对比分析欧洲和美国在艺术品征集标准上的差异化反应。 三、 建筑与艺术的融合： 2006-2007 年，艺术机构的建筑本身也成为了文化资本的重要组成部分。新的博物馆建筑或扩建项目，如扎哈·哈迪德等明星建筑师的设计作品，不仅提升了城市的文化形象，也成为了吸引旅游和投资的“文化地标”。我们考察了这种“建筑奇观”如何影响了展览体验和艺术品的展示方式。 第三部分：创作的前沿：媒介、主题与观念的交锋 在市场和机构的喧嚣背后，艺术创作本身也在不断探索新的边界，对既有的社会、技术和哲学问题作出回应。 一、 摄影与新媒体的成熟： 2006 年左右，数字技术在艺术创作中的应用已不再是实验阶段，而是成为主流媒介之一。涌现出更多成熟的数字装置、时间基艺术（Time-based Media）和高度依赖后期制作的摄影作品。本书将关注诸如托马斯·施特鲁斯（Thomas Struth）等摄影师如何以其宏大、近乎临床的肖像或建筑摄影，探讨公共空间与个体疏离的主题。 二、 政治介入的微妙化： 经历了 9/11 后的直接政治表达，2006-2007 年的艺术开始转向更为间接、更具批判性的社会观察。关注点集中于全球化背景下的身份政治、移民议题、跨国资本流动对地方文化的影响。艺术家们越来越多地采用“研究式艺术实践”（Research-based Practice），将学术调研、档案挖掘与艺术表达相结合，试图揭示权力结构背后的复杂肌理，而非简单的口号式批判。 三、 装置艺术的物质性回归与体验经济： 尽管新媒体盛行，但大型、具有强烈在场感的装置艺术和雕塑依然占据重要地位。这一时期的装置艺术强调观众的身体体验和空间感知，艺术家们对材料的运用愈发精妙，试图在巨大的展示空间中，营造出私密或压迫性的情感氛围。例如，对光线、声音和环境的综合运用，模糊了雕塑与环境艺术之间的界限。 结语：时代的印记 2006 年至 2007 年，是当代艺术在全球化浪潮中，经历一次前所未有的自我加速和价值重估的关键时期。它既是艺术创作活力迸发的黄金时代，也是资本逻辑开始深度渗透和重塑艺术生态的转折点。本书力求超越单一的艺术流派或地理区域，提供一个多维度的分析框架，帮助读者理解这一时期艺术世界的内在张力和外部驱动力，为理解此后艺术格局的演变奠定坚实的基础。

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翻开这本装帧颇为考究的册子，首先映入眼帘的是一种扑面而来的，近乎于狂热的艺术冲动。尽管我手中拿到的并非我期待的那本关于特定年份艺博会的官方图录，但这本集子无疑捕捉到了一个特定时期全球当代艺术圈那种躁动不安、充满实验精神的“黄金时代”的侧影。它仿佛是一份时间胶囊，里面塞满了那个年代最前沿、最令人困惑，也最能引发思考的作品照片和评论文字。我尤其欣赏其中对于材料的运用和对既有艺术语境的挑战。那些色彩的碰撞，那些雕塑的形态，无一不透露出一种打破陈规的勇气。阅读过程中，我仿佛置身于一个巨大的、由无数个独立思绪构成的迷宫，每转一个弯都能遇到一个意想不到的视觉冲击。它不仅仅是记录，更像是一种宣言，宣告着艺术不再是精英的私语，而是对大众文化和政治现实最直接的介入。那些晦涩难懂的艺术理论在精美的印刷之下，竟也染上了一层难以抗拒的魅力，迫使我停下来，试图去理解艺术家试图用这些碎片化的图像和概念传达的深层意图。这本选集，尽管主题可能与我最初的设想有所出入，却意外地为我打开了一扇观察特定历史节点艺术生态的独特窗口。

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这份印刷品散发出一种浓厚的、带有油墨味的怀旧气息。它的厚重感让人联想到过去那种为艺术付出巨大成本的时代精神。这本书的编辑手法极其具有年代特征，很多文字部分的字体选择和留白处理，都带着明显的上世纪末到本世纪初的审美倾向，对于熟悉那个时期设计风格的人来说，光是看它的版式就能唤起复杂的情感记忆。我发现它在处理不同媒介作品时，采取了截然不同的视觉策略：对于架上绘画，它力求还原色彩的饱和度；而对于行为艺术的记录，则选择了那些最具冲击力、最能体现“瞬间性”的照片，这种选择本身就构成了一种策展的立场。它不是一个中立的档案，而是一份带有鲜明倾向性的宣言书。通过这本书，我能清晰地感受到当时策展人对某种特定美学倾向的推崇与扶持，这种“策展人的眼睛”的介入，使得阅读过程充满了被引导的趣味。

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阅读体验上，这本书无疑是一次智力上的攀登。它收录的文本和图像密度极高，要求读者具备一定的当代艺术背景知识，否则很容易迷失在那些专业术语和晦涩的图像符号之中。我不得不时常查阅辅助资料，以理解其中对特定文化事件的引用和对哲学思潮的回应。但正是这种挑战性，让最终的“顿悟”时刻显得格外珍贵。书中的排版大量使用了不对称和重叠的元素，似乎在模拟当代生活的碎片化和信息过载状态。这本书的价值，不在于它记录了哪些“著名”的艺术品，而在于它如何构建了一个关于“艺术是如何思考”的复杂结构图。它像是一个迷宫地图，引导你深入到艺术生产最核心的、最挣扎的环节。合上它时，我感觉到的不是知识的满足，而是一种智力上的疲惫，以及对艺术作为一种永恒探索的深深敬畏。

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这本出版物给我的感觉，与其说是一本严肃的艺术史资料，不如说是一份充满感官刺激的“视觉交响乐”。它的排版设计大胆到近乎于挑衅，文字的密度和图像的张力形成了强烈的对比。我注意到，其中对新兴媒体艺术的关注度极高，大量的篇幅似乎都在试图捕捉那些稍纵即逝的、基于时间流逝的创作形态。阅读时，我发现自己不得不经常后退几步，以便让眼睛能更全面地捕捉到跨页大图所带来的震撼。那些策展人的导语，用词极为精炼，充满了后现代的解构意味，它们似乎不是在解释作品，而是在搭建一个充满隐喻的框架，邀请读者自己去“完成”意义的构建。我特别沉迷于其中对装置艺术的记录，那些原本需要亲临现场才能感受到的空间感和材料的肌理，通过高质量的摄影技术被成功地“截取”了下来，虽然无法完全替代现场体验，但其细节之丰富，已足以令人叹为观止。整本书的气质是昂扬而自信的，透露着一种“我们正在定义未来”的时代精神。

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坦白讲，初次接触到这本书时，我对其学术价值持保留态度的。它更像是一个豪华的“画报”，注重表面的光鲜和瞬间的吸引力，而非深层次的理论挖掘。然而，当我耐下心来，将注意力从那些色彩斑斓的作品转移到穿插其中的访谈片段时，我开始体会到它作为那个时期艺术生态切片记录的价值。那些艺术家的自述，充满了那个时代特有的，对体制的反思与对个人表达的执着。他们的话语中没有过多修饰，直指创作的核心困境与突破口。这种“口语化”的记录方式，使得整本书的阅读体验变得非常个人化，仿佛是直接与创作者进行了一次私密的对话。它没有给我们标准答案，而是提供了无数个提问的入口。对比今天充斥着商业化和数字化的艺术展览，这本书中的作品展现出一种泥土般的、未经雕琢的生命力，那是一种对纯粹表达的近乎原始的渴望。

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