Clement Greenberg (1909-1994) was a colossus of twentieth-century American art, achieving a degree of authority almost unimaginable for a critic today. For more than thirty years he was both lionized as a proponent of formalism and criticized for his perceived dogmatism. In the postwar period Greenberg used his position of influence to advocate the importance of abstract expressionism and color-field painting and to establish the careers of such artists as Jackson Pollock, Hans Hofmann, Barnett Newman, and Willem de Kooning. With the coming of pop art, performance and conceptual art, and postmodernism, however, Greenberg found his position increasingly challenged. Edited with an introduction by critic Robert C. Morgan, Clement Greenberg, Late Writings "is the first collection from the period 1970 to 1990, and the only comprehensive resource for Greenberg's thought during the last third of his life. While earlier works have covered Greenberg's early and middle career, this volume spans his mature period, during which he reevaluates and refines many of his earlier tenets in some of his most carefully crafted and engaging work. Exploring a surprising breadth of issues and mediums and demonstrating a depth of aesthetic and philosophical insights, in these relatively unknown works Greenberg incites a new direction for modernism beyond the twentieth century. This essential volume includes five interviews from the end of his life in which Greenberg revisits some of the concerns of his formative years, illuminating the progression of his thought. Late Writings" is an integral resource as issues of quality and significance in the dynamic world of art continue to be redefined. Clement Greenberg was the most influential art critic of the postwar period. He was the author of numerous books, and his essays appeared in art magazines as well as such publications as "Partisan Review, Commentary, "and "The Nation." Robert C. Morgan is the author of "The End of the Art World" and of a monograph on the optical painter Vasarely. In addition to his work as a critic, artist, art historian, and curator, he is visiting professor of art at Hunter College in New York City.
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我从来都不是一个特别擅长理解抽象艺术的读者,总是习惯性地寻找具象的表达,或是明确的叙事。然而,《克莱门特·格林伯格:晚期著述》这本书,却以一种我未曾预料到的方式,将我拉近了抽象艺术的内心世界。格林伯格在晚年,似乎放下了一些曾经的“标准”和“理论”,开始用一种更包容、更人性化的视角去审视艺术。他不再强调某种特定的风格或手法,而是更关注艺术家个人的情感表达和创造过程。他那些关于色彩、线条、构图的论述,不再是冰冷的学院派定义,而是充满了生命力的描述。我常常会在读到他分析某幅画作时,脑海中会浮现出斑斓的色彩和跳跃的线条,仿佛亲身置于画室之中,与艺术家一同感受创作的激情。他对于“观看”这个行为本身的探讨,也让我受益匪浅。他提醒我,艺术的解读并非一成不变,而是取决于观看者自身的经验和感受。这种开放的态度,让我在面对那些曾经让我望而却步的抽象作品时,多了一份耐心和好奇。这本书,确实为我打开了一个全新的艺术世界。
评分在翻开《克莱门特·格林伯格:晚期著述》之前,我脑海中充斥着这位艺术评论界巨擘的各种传说。关于他如何定义抽象表现主义,如何以他那近乎神谕般的洞察力改变了我们看待艺术的方式,又或是他那不容置疑的权威性。然而,这本书,或者说,这本书带给我的感受,远远超越了我预设的框架。它不是一本简单的理论集,也不是一次对过往辉煌的回顾,而更像是一次深入到艺术家内心最柔软、也最坚韧部分的探访。格林伯格在晚年,似乎褪去了曾经那种咄咄逼人的锐利,取而代之的是一种更为内省、甚至可以说是近乎冥想的状态。他在文字中进行的,不再是对外部艺术现象的诊断,而是一种对自身创作历程、对艺术本质的持续追问。这是一种艰难但又充满魅力的对话,他在与过去的自己对话,与那些他曾经赞颂过、也曾经批评过的艺术家对话,最终,也是与艺术本身对话。读他的文字,我常常会感到一种时间的沉淀,一种知识的积累,但更重要的是,一种对艺术价值的深刻理解。他并没有试图去“说服”你,而是邀请你一同去“感受”,去思考,去质疑。这种体验是如此独特,以至于我常常会放下书本,沉浸在那些他所描绘的画面和思想之中,久久不能自拔。
评分在阅读《克莱门特·格林伯格:晚期著述》之前,我对格林伯格的印象,停留在他是抽象表现主义的坚定拥护者,以及一位极具影响力的艺术评论家。然而,这本书却展现了他思想的另一面,一个更加内敛、更加哲学化的格林伯格。他不再拘泥于某个具体的艺术流派,而是将目光投向了更广阔的艺术史和文化背景。他对于艺术的“进化”和“发展”的论述,让我对艺术史的进程有了更清晰的认识。他认为,艺术并非孤立存在,而是与社会、历史、哲学等诸多因素相互影响、相互促进的。他对于“批判性”的思考,也让我受益匪浅。他提醒我,真正的艺术评论,不应仅仅是赞美或贬低,而更应是一种理性的分析和深刻的洞察。这本书,为我提供了一个更宏大的视野,让我能够从更广阔的角度去理解艺术的意义和价值。
评分《克莱门特·格林伯格:晚期著述》这本书,带给我的感受,就像是在一个古老的图书馆里,偶然发现了一本被尘封的日记。格林伯格的文字,没有时下流行的那种快餐式解读,也没有为了吸引眼球而刻意制造的争议。他的语言,质朴而真诚,字里行间流淌着他对艺术深深的热爱和执着。他对于“纯粹”的追求,不仅仅是对艺术形式上的纯粹,更是对艺术家创作初衷的纯粹。他相信,只有当艺术家回归到最本真的状态,才能创作出真正动人心魄的作品。他在书中探讨的那些关于“感知”和“经验”的论述,让我重新审视了自己与艺术的关系。他鼓励我,要用心去感受,用生命去体验,而不是仅仅用头脑去分析。这本书,为我提供了一个全新的观察艺术的维度,一个更加感性、更加个人化的维度。
评分初次接触《克莱门特·格林伯格:晚期著述》,我怀着一种复杂的心情。一方面,我对这位艺术评论界的泰斗充满敬意,另一方面,我又担心他的晚年著述是否会过于深奥,难以理解。然而,当我真正翻开书页,我便被他文字中所蕴含的智慧所折服。格林伯格在晚年,似乎将他曾经的锋芒收敛了起来,转而用一种更加温和、更加内省的笔触来描绘他对艺术的理解。他不再强调某个艺术家或某个作品的“优劣”,而是更关注艺术创作过程中的“可能性”,以及艺术作品如何触及观众内心最柔软的部分。他对于“原创性”的思考,尤其让我印象深刻。他认为,真正的原创性,并非是凭空创造,而是在前人的基础上,不断地探索和突破。这本书,让我看到了一个更加成熟、更加睿智的格林伯格,一个在艺术领域不断求索、永不满足的思想者。
评分作为一名对艺术史有着浓厚兴趣的读者,我一直以来都对克莱门特·格林伯格这位评论巨匠充满敬意。他的名字,几乎是现代艺术史的一个重要坐标。然而,直到我阅读《克莱门特·格林伯格:晚期著述》这本书,我才真正领略到他思想的深度和广度。这本书并非他早期那种充满论战色彩的评论集,而更像是一种沉淀,一种在阅尽世事后的反思。格林伯格在晚年,似乎更加关注艺术的“本质”,他不再执着于某个流派的兴衰,而是将目光聚焦于艺术家创作的内在逻辑,以及艺术作品如何超越时空的限制,与观众产生深刻的连接。他的文字,依然保持着那种独特的敏锐和洞察力,但语气中却多了一种温和与包容。我尤其喜欢他对于“平坦性”概念的深入探讨,那不仅仅是对绘画形式的描述,更是对艺术媒介局限性与可能性的一种哲学思考。这本书让我看到了一个更加立体、更加人性化的格林伯格,一个在艺术道路上不断探索、永不停歇的思想者。
评分《克莱门特·格林伯格:晚期著述》在我手中,更像是一把钥匙,打开了我对艺术理解的另一扇门。在阅读过程中,我不断地反思自己过去对艺术的看法,那些曾经让我引以为傲的“深刻见解”,在格林伯格晚年的文字面前,显得有些稚嫩和片面。他不再纠结于形式的细节,而是将目光投向了更深层的东西:艺术家创作的驱动力,以及艺术作品如何与时代、与社会产生共鸣。他的笔触依然犀利,但那种犀利中,更多的是一种对真理的执着追求,而不是为了辩论而辩论。我特别欣赏他在探讨某些抽象作品时,那种将复杂的视觉语言转化为易于理解的哲思的功力。他能够捕捉到那些隐藏在颜料和画布背后的情感张力,并将其赋予生命,让读者能够体会到艺术家在创作时的挣扎、喜悦与困惑。这本书让我明白,真正的艺术评论,不仅仅是对作品的描述和评价,更是一种对生命和文化的探索。格林伯格的晚年著述,就像一位智者在晚霞中留下的箴言,虽然饱经风霜,却依然闪耀着智慧的光芒,指引着后来者在艺术的海洋中继续前行。
评分这本书《克莱门特·格林伯格:晚期著述》就像一个沉静的老人,在向你娓娓道来他与艺术相伴一生的故事。他的话语中没有华丽的辞藻,也没有刻意的煽情,只有一种朴实而深刻的思考。我常常会因为他的某一个观点而陷入沉思,然后回过头来,重新审视自己曾经对艺术的理解。他对于“真实”的追求,不仅仅是对艺术作品形式上的真实,更是对艺术家内心世界的真实表达。他相信,伟大的艺术作品,必然是艺术家真诚情感的流露,是艺术家对生命最深刻体悟的结晶。在阅读过程中,我常常会感觉到一种“顿悟”,仿佛一直以来困扰我的艺术困惑,在格林伯格的文字中找到了答案。他的晚年著述,就像一场无声的对话,他用他的思想,引导我去探索艺术更深层次的意义。这本书,我一定会反复阅读,每一次都会有新的收获。
评分读完《克莱门特·格林伯格:晚期著述》,我感觉自己仿佛经历了一场心灵的洗礼。一直以来,我总觉得艺术评论,尤其是关于抽象艺术的评论,总是带着一种疏离感,一种高高在上的姿态。但格林伯格在这本书中的文字,却让我感受到了前所未有的亲近。他以一种近乎自言自语的方式,探讨着艺术创作中的种种困惑与喜悦。他不再扮演那个无所不知的裁判,而是像一个与你并肩同行的朋友,一同去探索艺术的奥秘。我特别欣赏他对那些“失败”的艺术作品的解读,他并没有简单地否定,而是试图去理解艺术家之所以如此创作的动机,并从中挖掘出可能存在的价值。这种宽容和理解,让我对艺术的理解更加丰富和多元。这本书让我意识到,艺术并非只有光鲜亮丽的一面,它同样充满了挣扎、妥协和对未知的探索。格林伯格的晚年著述,为我提供了一个看待艺术的全新视角,一个更加温暖、更加富有人情味的视角。
评分在阅读《克莱门特·格林伯格:晚期著述》的过程中,我常常会感到一种“共鸣”。格林伯格在晚年,似乎放下了许多曾经的“光环”和“标签”,开始以一种更为朴素、更为直接的方式与读者交流。他不再试图去定义什么是“好”的艺术,而是鼓励读者去寻找自己内心的答案。他对于“意义”的探讨,让我对艺术的理解更加深入。他认为,艺术的意义,并不仅仅在于其形式上的美观,更在于其能够引发观众的思考,触动观众的情感,并最终引导观众去理解生命和世界。他的文字,就像一股清泉,洗涤了我心中关于艺术的种种偏见和误解。这本书,让我看到了一个更加成熟、更加包容的格林伯格,一个在艺术道路上不断反思、不断进步的思想者。
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