The New American Abstraction 1950 - 1970 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Skira Editore

作者:Claudine Humblet

出品人:

页数:2096

译者:

出版时间:2007-11-5

价格:GBP 200.00

装帧:Paperback

isbn号码:9788861300729

丛书系列:

图书标签:

• All-about-Art
• 抽象艺术
• 美国艺术
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• 艺术史
• 绘画
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• 抽象表现主义

追溯历史的脉络：战后美国艺术的深度探索 《空间与光影的对话：1945-1965年间美国雕塑的转型》 本书深入剖析了第二次世界大战结束后至20世纪60年代中期，美国雕塑艺术领域所经历的一场深刻的范式转变。这段时期，雕塑不再仅仅是传统意义上对具象世界的再现或对纪念碑性形式的恪守，而是成为了艺术家探索物质性、空间关系、观众参与以及艺术本体论的试验场。 第一部分：从战后遗产到抽象的萌芽 (1945-1955) 战后初期，美国雕塑界仍深受欧洲现代主义的影响，但一股新的能量正在积聚。本章首先考察了对传统材料和技法（如青铜铸造、大理石雕刻）的重新审视，以及艺术家们如何开始质疑“雕塑必须是固体、封闭的体积”这一传统观念。 我们聚焦于少数几位先驱者的早期实践。例如，对大卫·史密斯（David Smith）在焊接金属领域进行的革命性尝试的分析，展示了工业材料如何被赋予抒情和抽象的表达力。史密斯的工作不仅是形式上的突破，更是对工作室实践的一次根本性解放，使得“构建”（building up）取代了传统的“雕刻”（carving out）。 此外，本部分还将探讨战后美国雕塑对超现实主义和原始主义（Primitivism）遗产的消化与转化。艺术家们开始关注对象的在场感（presence），而非仅仅是其表象。这种对“物本身”的关注，为即将到来的激进变革奠定了基础。 第二部分：行动、物质与环境的介入 (1955-1965) 随着抽象表现主义在绘画领域的统治地位确立，雕塑领域也亟需一场同样具有颠覆性的运动。本章的核心在于分析如何从传统的美学桎梏中解放出来，引入新的材料、非传统的尺度以及对环境的直接介入。 1. 汇集与拼贴：非传统材料的胜利 本部分详细考察了“汇集”（Assemblage）艺术在美国的兴起及其重要性。与欧洲的“拼贴”传统相比，美国艺术家更倾向于使用工业废弃物、现成品（Readymades的延伸）以及日常生活中随处可见的物质。我们分析了伊斯顿（Ibram Lassaw）等人在铸造技术上的创新，以及约翰·钱伯兰（John Chamberlain）如何将废弃的汽车部件转化为充满张力和有机感的作品，挑战了艺术品应有的“崇高”气质。 2. 空间作为雕塑的媒介 至此，雕塑的概念已不再局限于一个孤立的基座上的实体。本章深入研究了“开放结构”（Open Structure）理论的兴起。艺术家们开始利用线条、平面和负空间来定义空间。对亚历山大·考尔德（Alexander Calder）动态雕塑（Mobiles）的再评估，不仅关注其运动的平衡，更重要的是它们如何与空气流动和光线变化建立起持续的、时间性的关系。 在这一时期，环境艺术（Environmental Art）的雏形也开始显现。一些艺术家开始创作与特定场地紧密结合的作品，迫使观众重新思考他们与周围物理环境的关系。 第三部分：极简主义的先声与雕塑本体论的拷问 20世纪60年代初，艺术界对抽象表现主义的情感强度和主观性产生了疲倦感。在雕塑领域，这导致了一场向客观性、工业化生产和形式的纯粹性的回归。本章探讨了极简主义思潮的酝酿，尽管其全面爆发稍晚，但其核心理念——即雕塑应回归其“物体性”（Objecthood）——已在此时期得到充分表达。 重点分析了唐纳德·贾德（Donald Judd）和丹·弗拉文（Dan Flavin）等人在这一转变中的早期贡献。这些艺术家坚决摒弃了“基座上的艺术品”的传统范式，倾向于使用工厂制作的、模块化的单元。他们不再试图“暗示”什么，而是让作品直接成为它们自身——清晰、明确、不含隐喻。 我们详细考察了“特定场域作品”（Site-Specific Work）的出现。这些作品的意义不再依赖于画廊的白墙，而是与它们被放置的空间结构、光照条件和观众动线紧密纠缠。这种对“物性”的强调，彻底颠覆了对雕塑的传统定义，将其从“被制作的艺术”推向了“被构造的环境”。 第四部分：观众、时间与体验的介入 最后一部分聚焦于雕塑如何开始拥抱时间性和不确定性，并主动邀请观众参与到作品的完成过程中。 1. 运动与变化：时间的维度 除了考尔德的动态雕塑，本章还研究了早期动力学雕塑（Kinetic Sculpture）的进展。这些作品的形态是流动的、不断变化的，其“完成”状态不是一个静止的瞬间，而是一个连续的序列。 2. 脆弱性与过程 与极简主义的永恒性形成对比的是，一批艺术家开始探索脆弱的、易逝的材料（如：冰、蜡、有机物）。这些作品的短暂存在本身就构成了一种对传统艺术品“永恒价值”的挑战。观看这些作品成为了一种“过程”的体验，观众见证着材料的衰变、融化或腐烂，从而思考艺术品的物质生命周期。 总结 《空间与光影的对话》旨在为读者描绘一幅战后美国雕塑的完整图景：一个从对传统大师的继承与反叛中，逐步走向对物质、空间、时间与观众经验进行全面重构的激动人心的历程。它揭示了美国艺术家是如何通过材料的解放和形式的激进简化，最终为当代艺术中对“物体”的理解设定了新的基准线。

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这本书的阅读体验，就像是在一个巨大的艺术博物馆里进行一次沉浸式的导览。作者对于“新美国抽象”的聚焦，让我得以深入了解 1950 年到 1970 年这段关键时期，美国艺术如何从战后的西方艺术中心崛起，并对世界艺术产生了深远的影响。我特别喜欢书中对不同艺术家创作理念的深入挖掘。他并没有简单地描述他们的作品，而是通过大量的引述和史料分析，让我们了解到这些艺术家在创作过程中所面临的挑战、他们之间的思想交流，以及他们如何不断突破自身的局限。 让我印象深刻的是，书中对于女性艺术家在抽象艺术领域所扮演的角色也有着详尽的描绘。我之前对这个时期的艺术史了解有限，常常会忽略一些杰出的女性艺术家。这本书弥补了这一不足，让我看到了海伦·弗兰肯特尔、格蕾丝·哈迪根等艺术家是如何在男性主导的艺术界闯出一片天地，她们的作品不仅在技法上独具匠心，更在情感表达和艺术探索上展现了独特的女性视角。这种对艺术史的全面性和包容性，使得这本书更具价值。

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我一直对 20 世纪中叶的美国艺术充满了好奇，尤其是那些被冠以“抽象”之名的作品，它们总是能激起我内心深处某种难以言喻的情感。这本书，顾名思义，聚焦于 1950 年到 1970 年这段极为重要的时期，为我打开了一扇通往那个时代的窗户。我特别赞赏作者对“新美国抽象”这个概念的界定，以及他对不同艺术运动之间相互影响和演变的细致梳理。他并没有将这些艺术流派孤立地看待，而是展现了它们如何在一个动态的艺术生态系统中相互碰撞、融合，并最终塑造了美国艺术的面貌。 让我印象最深刻的是，书中对一些边缘化但极具影响力的艺术家及其作品的介绍。我常常在阅读一些主流艺术史著作时，会发现某些艺术家因为各种原因被忽视。然而，这本书展现了作者广博的知识面和深入的研究，他能够挖掘出那些被低估的艺术天才，并赋予他们应有的关注。例如，我对书中对一些“偶发艺术”（Happenings）的描述尤为感兴趣，它展现了一种超越传统绘画和雕塑的艺术形式，艺术家们通过即兴表演和观众的互动，来打破艺术与生活的界限，这种实验性的精神让我深受启发。

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这本书就像一股清流，在我枯燥的艺术史阅读中注入了新的活力。我一直对抽象艺术的演变颇感兴趣，但总觉得市面上的一些著作过于学术化，或者侧重于某个特定流派，难以窥见整个时代的脉络。这本书则恰恰填补了这一空白。从 1950 年到 1970 年，这二十年是美国艺术史上一个极其动荡且充满创意的时期，从行动绘画的激情释放，到色彩领域的纯粹探索，再到极简主义的理性回归，每一种风格的兴起都伴随着社会思潮的变迁和艺术家们不懈的实验。作者以一种非常清晰且富有洞察力的方式，将这些看似独立的艺术运动有机地联系起来，让我看到了一种清晰的演进逻辑，而非零散的现象堆砌。 他并没有简单地罗列艺术家和作品，而是深入剖析了每一场艺术革命的背景，包括当时美国的社会文化环境、政治气候，甚至科技发展的催化作用。例如，战后美国经济的繁荣和冷战时期的紧张氛围，如何共同塑造了抽象表现主义那种既自由奔放又充满内在张力的特质，这一点在书中得到了细致的描绘。我尤其喜欢作者对艺术家个体创作历程的梳理，他并没有把他们神化，而是展现了他们在创作过程中遇到的挑战、思想的碰撞以及风格的转变，这让我感觉自己像是走进了他们的工作室，亲身参与了他们的艺术实践。

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这本书就像是一次穿越时空的艺术之旅，让我得以近距离地观察 1950 年到 1970 年的美国抽象艺术是如何从萌芽走向繁荣，并最终影响世界的。作者的叙述方式非常吸引人，他将复杂的艺术史信息以一种生动、易懂的方式呈现出来，让我这个非专业人士也能津津有味地读下去。我特别喜欢书中对不同艺术家之间的对话和交流的描写。艺术史的发展从来不是孤立的，艺术家们之间思想的碰撞、灵感的激发，往往能催生出新的艺术形式和理念。 我印象深刻的是，书中对“非形式艺术”（Post-painterly Abstraction）的深入探讨。它展现了一种对抽象表现主义那种“行动”和“情感”的某种回溯和调整，艺术家们更加注重色彩的运用、构图的清晰以及对画布本身的关注。这种对艺术演进的细致观察，让我能够更好地理解抽象艺术内部的多样性和复杂性。我甚至能从文字中感受到那些大胆的色彩组合和简洁的几何形状所带来的视觉冲击，仿佛置身于一个充满创造力的时代。

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这本书就像是一次深入的艺术考古，将我带回了 1950 年到 1970 年这个充满变革的美国艺术时代。我一直对那个时期美国艺术的崛起充满好奇，而这本书则为我提供了最全面、最深入的解读。作者以一种非常严谨且富有洞察力的方式，梳理了“新美国抽象”的演变过程，从抽象表现主义的张扬个性，到色彩领域绘画的视觉探索，再到极简主义的回归理性，每一个阶段都得到了细致的描绘。 我特别欣赏作者在分析艺术家作品时所展现的深度。他不仅仅是描述了作品的视觉特征，更重要的是，他深入挖掘了艺术家们的创作理念、他们的思想来源，以及他们所处的社会文化背景。我印象深刻的是，书中对一些被低估的女性艺术家及其作品的介绍，这让我看到了艺术史并非只有男性艺术家的一面之词，也展现了女性艺术家在抽象艺术领域的重要贡献。这种对艺术史的全面性和包容性，使得这本书更具价值。

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我必须说，这本书彻底改变了我对美国艺术史的理解，尤其是在抽象艺术领域。我一直以为抽象艺术就是各种几何图形和色彩的随意组合，直到我读到这本书，才意识到其背后蕴含着如此深刻的思想和复杂的社会背景。作者在梳理 1950 年到 1970 年这二十年间的艺术发展时，展现出了一种百科全书式的知识广度和严谨的学术态度。他不仅仅关注了艺术作品本身，更重要的是，他将这些艺术作品置于当时的历史语境中去解读，探讨了抽象艺术如何成为一种反思现代社会、探索人类存在意义的载体。 我非常赞赏作者对于不同抽象艺术流派的细致区分和辨析。例如，他对于极简主义（Minimalism）的论述，就让我看到了从充满个人情感的抽象表现主义到回归物质本体和理性秩序的巨大转变。他分析了唐纳德·贾德、丹·弗莱文等艺术家是如何通过对材料、空间和几何形式的纯粹运用，来挑战传统的艺术观念，以及他们作品中所蕴含的对工业化社会和消费主义的反思。这种对艺术发展内在逻辑的清晰梳理，让我能够更好地理解每一个艺术流派的独特性和历史贡献。

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对于任何对 20 世纪美国艺术发展轨迹感兴趣的读者来说，这本书都绝对是一本不容错过的珍宝。作者以一种极为清晰且富有逻辑的方式，梳理了 1950 年到 1970 年这段时期美国抽象艺术的演变，从抽象表现主义的激情四射，到色彩领域绘画的静谧沉思，再到极简主义的理性回归，每一个阶段都得到了深入的剖析。我特别欣赏作者在引述和分析艺术家作品时所展现的深度。他不仅仅是描述了作品的视觉特征，更重要的是，他深入挖掘了艺术家们的创作理念、他们的思想来源，以及他们所处的社会文化背景。 我一直对战后美国艺术的蓬勃发展感到着迷，而这本书则将我带入了一个更加真实的场景。作者通过对不同艺术运动的细腻描绘，让我感受到了那个时代艺术家们对于自由、个体表达以及对传统的反叛精神。我尤其对书中对“后 peintre”的论述印象深刻，它展现了一种从抽象表现主义的抒情转向更加客观、理性的创作态度，艺术家们开始关注绘画本身的物质性、形式以及观众的视觉体验。这种对艺术发展内在动力的深刻洞察，让我受益匪浅。

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我一直以来都对抽象艺术有一种莫名的亲近感，但总是觉得难以准确把握其发展脉络。直到我翻开这本书，才觉得自己真正找到了通往那个时代的钥匙。作者对于“新美国抽象”这个概念的界定，以及他所选择的 1950 年到 1970 年这个时间跨度，在我看来是极具前瞻性和研究价值的。这段时期，美国艺术在全球范围内扮演着前所未有的重要角色，其影响力辐射至世界的每一个角落。书中对抽象表现主义的深入解读，不仅仅是罗列了波洛克、罗斯科、纽曼等巨匠的标志性作品，更重要的是，他探讨了这些艺术家是如何打破传统绘画的束缚，将个人情感、潜意识和身体的动作融入到画布之上，创造出一种全新的视觉语言。 更让我着迷的是，作者并没有止步于此。他接着将我们带入色彩领域（Color Field painting）的沉静世界，展现了它与抽象表现主义那种激烈情绪的不同，以及如何通过大面积纯粹色彩的运用，来唤起观众内心深处的宁静与冥想。这种从外放到内收的转变，以及其中潜藏的哲学思考，在书中得到了淋漓尽致的阐释。我甚至能从文字中感受到那种色彩的张力，仿佛身临其境地体验着弗兰克·斯特拉的“黑系列”或肯尼思·诺兰的条纹作品所带来的视觉冲击。

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我之前一直对抽象艺术抱有一种“看不太懂”的心态，总觉得它们过于晦涩难懂，缺乏与现实的联系。然而，当我开始阅读这本书，我的想法彻底被颠覆了。作者在梳理 1950 年到 1970 年美国抽象艺术的发展时，并没有将抽象艺术描绘成一种高高在上、脱离群众的艺术形式，而是将其置于一个充满社会变革和思想激荡的时代背景下进行解读。他让我看到了抽象艺术是如何回应当时美国的社会现实，如何成为艺术家表达个人情感、探索存在意义的媒介。 我非常欣赏作者在叙述风格上的独特之处。他没有使用那种枯燥乏味的学术语言，而是用一种流畅、引人入胜的笔触，将复杂的艺术概念和历史事件娓娓道来。他通过大量生动的案例分析，让我们能够直观地理解不同抽象艺术流派的特点。例如，他对于“硬边绘画”（Hard-edge painting）的描述，就让我清晰地看到了它与色彩领域绘画在形式和观念上的差异，以及它所代表的那种更加理性、清晰的视觉追求。

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阅读这本书的过程，对我来说是一次充满惊喜的艺术启蒙。我之前对抽象艺术的理解非常有限，总觉得它们与我的生活有些距离。然而，作者在梳理 1950 年到 1970 年的美国抽象艺术时，巧妙地将艺术创作与当时的社会思潮、文化变迁以及艺术家们的个人经历紧密联系起来，让我看到了抽象艺术作为一种表达方式的强大生命力。他并没有将抽象艺术描述成一种晦涩难懂的理论体系，而是将其还原为艺术家们最真实的思考和情感的流露。 我特别欣赏作者对不同抽象艺术流派的深入解读。例如，他对于“硬边绘画”（Hard-edge painting）的分析，让我清晰地认识到它与色彩领域绘画（Color Field painting）的异同，以及它所代表的那种更加理性、清晰的视觉追求。他通过大量的案例分析，让我能够直观地理解这些艺术流派的特点，以及它们如何共同构成了“新美国抽象”的丰富图景。我甚至能从文字中感受到那些鲜明的色彩和清晰的线条所带来的视觉冲击，仿佛身临其境地体验着那个时代的艺术创新。

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