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出版者:浙江大学出版社

作者:魏珑

出品人:

页数:244

译者:

出版时间:2007-12

价格:23.00元

装帧:

isbn号码:9787308055673

丛书系列:

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现代艺术思潮与批判理论：一场观念的重塑之旅 导言： 在二十世纪波澜壮阔的文化图景中，艺术不再仅仅是美学愉悦的载体，更成为了批判社会结构、解构权力运作、探索存在本质的强大思想武器。本书深入剖析了自印象派晚期萌芽，直至后现代主义高潮及当代议题的演变历程，聚焦于那些挑战传统藩篱、颠覆既有认知的核心思潮和理论框架。它不是一部传统的艺术史编年，而是一次思想的深度潜水，旨在揭示艺术如何与哲学、社会学、心理学深度交织，共同塑造了我们理解世界的认知方式。 第一部分：现代性的断裂与精神的觉醒（19世纪末至20世纪初） 本部分着重探讨了在工业化和理性主义的双重挤压下，艺术家们如何寻求精神的独立与形式的解放。 一、象征主义与内在景观的挖掘： 面对科学实证主义的泛滥，象征主义者如波德莱尔、马拉美，以及画家古斯塔夫·莫罗和费迪南·霍德勒，将目光转向了潜意识、梦境和神秘主义。本章详细探讨了象征主义如何通过模糊的意象、复杂的隐喻，构建了一个超越现实感官层面的“第二自然”。重点分析了弗洛伊德精神分析理论的早期影响，解析了艺术作品中如何映射出压抑的欲望与集体无意识的母题。 二、野兽派与情感的原始爆发： 野兽派的出现标志着对传统色彩规则的彻底反叛。马蒂斯和德兰等人的作品，以其大胆、非自然主义的色彩运用，旨在直接冲击观者的情感神经。本章将色彩的解放置于十九世纪末社会情绪的背景下考察，分析这种强烈的感官体验如何预示着个体生命力对僵化社会规范的反抗。 三、立体主义的结构革命与时空观念的重构： 毕加索和布拉克开创的立体主义，不仅是形式上的切割与重组，更是对西方自文艺复兴以来建立的单点透视观的根本性颠覆。本章细致剖析了分析立体主义中多视点并置的哲学意涵，探讨其如何与柏格森关于“绵延”（Durée）的时间哲学相呼应，试图在二维平面上捕捉四维时空的复杂性。我们还将审视立体主义向综合立体主义的演变，及其对材料边界的试探。 第二部分：两次世界大战间的激进试验与社会干预（1910s – 1940s） 战争的创伤使得艺术家们对“进步”和“理性”的信念产生了深刻的怀疑，艺术因此转向了反艺术和更具社会批判性的立场。 一、达达主义：虚无主义的胜利与对逻辑的嘲弄： 达达运动是对第一次世界大战的直接文化反动。本章深入探讨了杜尚的“现成品”（Readymade）如何彻底动摇了“艺术品”的定义，将其从依赖于手工技艺的领域，转变为依赖于观念选择的领域。我们还将分析达达在苏黎世、柏林、纽约等地呈现出的不同政治光谱，从反战的虚无主义到革命的激进主义。 二、至上主义与构成主义：为新世界服务的抽象： 在俄国，至上主义（马列维奇）和构成主义（塔特林、罗德琴科）试图将艺术从纯粹的审美领域中解放出来，使其服务于无产阶级革命的理想。本章对比了这两种风格在抽象语言上的异同，重点分析了构成主义者如何将艺术语言转化为对工业生产、设计和日常用品的干预，探讨其乌托邦理想的兴衰。 三、超现实主义：潜意识的解放与政治的纠结： 布勒东的超现实主义宣言将弗洛伊德的潜意识理论系统地引入艺术实践。本章不仅分析了达利、马格里特等人的图像学，更关注了其“自动写作”和“客观偶然性”等方法的实践，旨在探索自由联想如何成为对抗社会压抑的工具。同时，本章也批判性地审视了超现实主义在特定历史时期内，与左翼政治运动之间复杂且时常冲突的关系。 第三部分：战后美学转向与大众文化的入侵（1940s – 1960s） 二战后，艺术中心转向纽约，新的议题聚焦于个体经验的绝对性以及对消费主义社会的初步反思。 一、抽象表现主义：行动的痕迹与主体性的危机： 以波洛克和德·库宁为代表的行动绘画，将画布视为“行动的场域”。本章从现象学和存在主义哲学角度解读“滴洒”（Dripping）和“行动绘画”的意义，探讨其如何试图在庞大、异化的现代世界中，重新确立艺术家个体意志的即时性和在场感。 二、波普艺术：符号的挪用与媒介的胜利： 安迪·沃霍尔和罗伊·利希滕斯坦等人，以挪用大众媒体图像为主要手段，挑战了精英艺术与通俗文化之间的等级壁垒。本章分析了波普艺术如何通过复制和标准化，来反映并同时讽刺资本主义的批量生产逻辑。我们还将探讨其对“原创性”概念的瓦解，及其对媒体符号学的早期预见。 三、极简主义：去除叙事，回归物质本质： 极简主义是对前一阶段过度主观化和情感表达的反动。唐纳德·贾德、卡尔·安德烈等人的作品，强调物体的“特定形式”（Specific Object）及其与空间环境的直接关系。本章侧重于极简主义如何通过去除所有外部指涉、叙事和手工痕迹，迫使观众直接面对材料、尺度和空间，从而引发对艺术品本体论的深刻思考。 第四部分：后现代的解构与观念的胜利（1960s至今） 本部分探讨了艺术如何日益成为一种批判性的语言实践，而非仅仅是物质性的客体。 一、观念艺术的语言转向：文本即艺术： 约瑟夫·科苏斯和劳伦斯·维纳等观念艺术家明确提出“观念即作品本身”。本章深入分析了观念艺术如何将哲学、语言学和符号学引入艺术核心，探讨语言的边界、意义的流动性，以及艺术机构和收藏体系是如何对纯粹的“想法”进行物质化的。 二、大地艺术与机构批判：场所与权力结构： 针对艺术品易于被市场吸收的困境，大地艺术（如史密森的作品）试图将创作转移到远离商业中心的广袤景观中，探讨时间、熵和地理的力量。与此同时，哈尔·福斯特、迈克尔·阿舍等人的“机构批判”则将焦点从艺术品本身，转向了艺术品得以成立的博物馆、画廊和赞助系统，揭示艺术再生产背后的意识形态功能。 三、身份政治与差异的美学： 随着社会运动的兴起，艺术成为表达边缘群体经验、挑战主流叙事的关键场域。本章分析了女权主义艺术（如朱迪·芝加哥）、酷儿理论和后殖民理论如何通过重新审视身体、历史书写和符号权力，创造出多元、交织的视觉政治学。 结论： 本书以一种批判性的、跨学科的视角，追踪了现代艺术如何从对“美”的追求，演变为对“真理”的质疑，再到对“权力”的解构。这些思潮和理论不仅重塑了视觉文化的形态，更深远地影响了我们理解个体经验、社会结构和知识生产的范式。最终，我们发现艺术的价值不再固定于画布或雕塑之上，而是存在于不断地发问、挑战和重构我们既有认知的动态过程之中。

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读这本书的时候，我时不时会想起一些我曾经看过的精彩电视节目，脑海中会不由自主地去想象，当时编导们是怎么想的，又是如何一步步将这些想法变成现实的。这本书似乎在用一种非常接地气的方式，向我们展示电视节目的“幕后英雄”们是如何工作的。我注意到书中在介绍一些概念的时候，会引用一些非常贴切的比喻，让原本可能比较抽象的理论变得生动易懂。比如，在描述如何构建节目叙事的时候，作者用了一个“搭建一座桥梁”的比喻，将观众从一个情境引向另一个情境。这种方式非常有利于我这种非专业人士理解。而且，我感觉这本书并没有故弄玄虚，而是尽可能地用清晰明了的语言来阐述复杂的概念。我特别喜欢书中的一些小标题，看起来非常吸引人，像是“如何让观众欲罢不能？”或者“你的镜头会说话吗？”这些问题直接触及到了节目的核心，让我迫不及待地想知道答案。这本书给我的感觉是，它不仅仅是在教你“怎么做”，更是在引导你去思考“为什么这么做”，以及“这样做能达到什么样的效果”。

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我发现这本书的视角非常独特，它似乎不仅仅聚焦于电视节目的制作技术，还融入了更多关于人文关怀和时代精神的探讨。在翻阅过程中，我注意到有几个章节似乎在讨论如何通过电视节目反映社会现实、关注民生问题，甚至引导公众思考一些重要的社会议题。这让我感到非常惊喜，因为在我看来，优秀的电视节目不仅仅是娱乐，更应该承担起一定的社会责任。这本书似乎在鼓励编导们用更广阔的视野去观察世界，去理解人性，并将这些深刻的洞察融入到节目创作中。我尤其欣赏作者在探讨节目价值时所表现出的严谨态度，他并没有简单地灌输某种观念，而是引导读者去思考，去独立判断。这种开放式的讨论方式，非常有利于培养读者的批判性思维。我也希望这本书能够帮助我理解，如何在追求艺术性和商业性的同时，也能传递正能量，引发积极的社会影响。从目前我看到的章节来看，这本书似乎在引导读者去思考，如何创作出那些既有观赏性，又能触动人心的作品。

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这本书的整体氛围给我一种非常踏实和专业的感觉，没有那种浮夸的包装，而是实实在在地分享知识和经验。我在阅读过程中，时不时会停下来，在脑海中构建一个属于自己的电视节目框架，并且尝试将书中介绍的一些理论应用到这个框架中。这种主动学习的方式，让我感觉自己不仅仅是在被动地接受信息，而是在积极地参与到学习过程中。我注意到书中在讲到一些创作技巧时，会穿插一些作者个人的真实经历和感受，这让整个阅读过程更加鲜活和 relatable。他会分享在创作过程中遇到的困难，以及是如何克服的，这些宝贵的经验分享，对于即将踏入这个行业，或者正在这个行业摸索的人来说，无疑是巨大的鼓舞。我尤其喜欢书中在讨论关于“创意”的部分，作者并没有将创意神化，而是将其归结为一种持续的观察、思考和积累的过程。这种务实的态度，让我觉得创意并非遥不可及，而是可以通过努力去实现的。总而言之，这本书给我的感觉是，它不仅仅是一本教科书，更像是一位经验丰富的导师，在耐心细致地为你指引方向，并分享他多年积累的智慧。

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不得不说，这本书的排版设计非常用心。我翻阅时最直观的感受是，每一页的留白都恰到好处，文字的字号和行间距也十分舒适，长时间阅读也不会感到疲劳。插图的运用也非常巧妙，虽然我还没有细看内容，但偶尔瞥到的几张图片，无论是老旧的摄像机模型，还是不同类型节目的海报，都显得格外有质感，仿佛每一张都承载着一段故事。我特别留意到书中似乎有很多案例分析，虽然我还没有深入研读，但从目录中可以大概窥见一二。这让我感到十分欣喜，因为我对理论知识的学习，更倾向于通过具体的实践案例来理解和消化。能够看到不同成功电视节目的制作思路和幕后故事，对我来说将是非常宝贵的学习财富。我尤其期待书中能够分享一些关于如何捕捉观众兴趣点、如何设计节目流程、以及如何在有限的资源下创造出最大传播效果的实用技巧。毕竟，理论知识固然重要，但真正能够指导实践的经验，才是最值得我们学习的。这本书给我留下的第一印象，就是它不只是一个枯燥的理论讲解，更像是一本能够启发思考、引导实践的指南。

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最近偶然翻到一本关于**电视编导**的书，封面设计简洁大方，主色调是沉静的蓝色，配上一些抽象的线条，给人一种专业而又富有创意感的感觉。我本身对电视节目制作一直抱有浓厚的兴趣，尤其好奇那些光鲜亮丽的节目背后，编导们是如何构思、策划、拍摄、剪辑，最终呈现出引人入胜的故事的。这本书的出现，就像为我打开了一扇通往这个神秘领域的大门。我迫不及待地翻开第一页，期待着能够一窥究竟。书中第一部分的内容，似乎是在探讨电视节目的发展史，从早期黑白电视的粗糙画面，到如今高清4K的极致体验，时代变迁的痕迹在其中娓娓道来。我也从中了解到不同时期电视节目所代表的文化和社会背景，以及技术进步如何推动着节目形态的革新。虽然我还没有深入研究具体的编导技巧，但仅仅是对行业宏观层面的梳理，就已经让我对电视这个媒介有了更深刻的认识。书的文字语言流畅，叙述方式也颇具吸引力，不会让人觉得枯燥乏味，反而能在阅读中感受到一种历史的厚重感和时代的脉搏。我尤其喜欢作者在描述一些标志性事件时所使用的生动细节，仿佛自己也置身于那个年代，亲眼见证了电视的飞速发展。

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